Des mots, des photos et des vies...

Une chanson à jamais gravée...

2008-07-05T03:30:00.000-07:00

Pour chacun d'entre nous, la musique – comme parfois certaines senteurs - renvoie toujours à des souvenirs. Il y a ainsi certaines chansons qui évoquent l’enfance, d’autres des changements dans nos vies…Quoi qu’il en soit, des moments de gaieté ou de mélancolie qui resteront gravés à jamais. Jammu Africa, du chanteur sénégalais Ismael Lo, est une de ceux là... Découverte il y a peu au Maroc, lors du Festival des musiques sacrées de Fès, elle m’a bouleversé et me chamboule encore. Elle reflétera pour toujours des moments de partage avec mes frères de l’autre rive et l’image de l’Afrique, ce magnifique continent – peut être le plus riche culturellement et humainement – qui sortira un jour, je l’espère, des conflits qui le divisent pour trouver l’expansion qu’il mérite et pour laquelle il possède les richesses nécessaires.

A tous ceux qui ne connaissent pas encore cette chanson, venez là découvrir. Pour ceux qui là connaissent déjà, ne vous en lassez pas. Et pour ceux qui savent à quels souvenirs cette musique renvoie, je reviens bientôt !

Découvrez Ismaël Lô!

Remise de prix

2008-05-28T06:23:00.000-07:00

Et une récompense, une...
Voici Sébastien Gavini, rédacteur en chef du quotidien gratuit Aufait basé à Casablanca (où je suis en stage actuellement), venu recevoir la récompense du journal.
Aufait a obtenu le prix du meilleur quotidien gratuit casablancais des Trophées de la Pub et des Médias décernés la semaine dernière à l'ESIG (Ecole Supérieure Internationale de Gestion).
De quoi donner du baume au coeur pour un projet qui vaut la peine d'être encouragé!!!

Pour découvrir : www.aufaitmaroc.com

Supplément Auto-Moto

2008-05-22T06:39:00.000-07:00

Le 15 mai 2008, Aufait a sorti son premier supplément... Il s'agit d'un supplément auto-moto à l'occasion du salon de l'auto à Casablanca. Sécurité routière, nouveaux modèles, univers de la moto et même du bateau y sont explorés.

Pour les intéressés, le lien ci-dessous y conduit. Bonne lecture!!!

http://issuu.com/mounim/docs/aufait_auto_expo2008

Prochain supplément spécial MRE (Marocains résidant à l'étranger), sortie prévue début juillet.

Départ au Maroc

2008-04-26T07:04:00.000-07:00

Un mois de silence sur "Vie en kaleidoscope" pour cause de mémoire de fin d'étude...

Mais, ouf...Celui-ci est enfin fini, rendu!!!

Je pars ce soir direction Casablanca, pour un stage de deux mois au journal de presse quotidienne gratuite Aufait, le premier quotidien d'information générale au Maroc.

Je ne sais pas si le temps me permettra d'enrichir encore et encore ce blog, mais sachez qu'à présent, vous pourrez me retrouver sur www.aufaitmaroc.com où le journal est téléchargeable en pdf ; et par là même découvrir ce support qui mérite que l'on y porte intêret!

Bonne lecture à tous...

Boule de Suif

2008-03-26T08:21:00.000-07:00

Fresque historique d’une bourgeoisie corrompue

Après trois semaines de spectacles, le Festival Russe proposé par le Toursky s’est achevé le 16 mars avec l’ultime représentation de Boule de Suif, version opéra bouffe. Une mise en scène originale et cadencée, de Vladislav Pazi, interprétée avec panache par les comédiens du Théâtre Dramatique d’Etat de Saint-Pétersbourg.
Boule de Suif…qui ne connaît pas, ne serait-ce que de nom, cette œuvre majeure de Maupassant. L’histoire prend place en France, en pleine guerre franco-prussienne, et l’armée nationale complètement décimée ne peut retenir l’envahisseur. A Rouen, une diligence fuit alors vers le Havre avec à son bord, marchands, notables, bourgeois et Boule de Suif. Elizabeth, ou Boule de Suif – surnommée ainsi à cause de son embonpoint – est une prostituée. Mise d’emblée à l’écart du groupe qu’elle accompagne, elle regagne seulement un intérêt pour ses congénères lorsqu’elle peut les aider. Pris en otages par les prussiens, elle sera ainsi contrainte – par la pression de la masse - d’offrir son corps comme rançon pour libérer le groupe de l’emprise de l’ennemi. La liberté ou l’honneur sont les deux règles contradictoires de ce jeu. « Il ne faut jamais résister à ceux qui sont plus forts », lui répètera l’un des français jusqu’à ce qu’elle cède. Pourtant, une fois la mission accomplie, loin de la remercier pour son dévouement, plus personne ne lui adressera la parole. Il ne lui restera plus que les pleurs et le désespoir comme unique compagnie.
Ainsi, Boule de Suif - la dévoyée - se révèle finalement bien plus honnête et altruiste que ces bourgeois indélicats, aux valeurs inexistantes. Dans cette fuite aux multiples rebondissements, ce convoi devient le centre du monde. A la fois symbole de l’hypocrisie, de l’hégémonie des faux-semblants et de la fausse bonne conscience de la bourgeoisie ; Boule de Suif dépeint le tableau de toute une époque.
Un tableau esquissé ici sur un ton espiègle et allègre qui redonne une deuxième jeunesse à l’écriture de Maupassant. Ce Boule de Suif là est un mélodrame clownesque où se mêlent pathétisme et quolibet. Il commence sur un plateau où règnent une atmosphère rougeoyante, un rouge d’enfer et de sang pour une France arrogée. Puis tout le spectacle continue de la sorte, éclairé par des lumières vives et égayé par des costumes très colorés. Boule de Suif est presque impressionniste par ses couleurs, un peu comme un feu d’artifice. Par le jeu des comédiens et la rapidité des bouleversements émotionnels, il devient plutôt expressionniste.
Impressionniste ou expressionniste, que l’on ait aimé ou pas… ce Boule de Suif est indéniablement représentatif du théâtre russe et de ses coutumes de mise en scène et d’adaptation. Comme bien souvent les russes y parlent d’eux-mêmes : « Les russes sont d’horrible pêcheurs qui se repentent en permanence » ; tout comme ils mettent le théâtre en abyme : « Ce n’est que dans les mauvaises pièces que les gens sont ou gentils ou mauvais », « Je suis un incorrigible comédien sincère ». Et comme à l’accoutumée, la fin de la pièce est similaire à son commencement, comme une manière de "boucler la boucle". Les mobiles utilisés – sortes de grandes boites noires sur roulettes -, sont eux-aussi des outils scénaristiques récurrents dans les mises en scène russes et permettent d’adapter à volonté l’espace scénique à volonté. Servant tantôt de cachette, de diligence ou encore de prison lors de l’arrêt du convoi par l’armée prussienne ; ces boîtes mouvantes constituent l’élément fondateur d’une mise en scène dynamique et enlevée.
L’éminence de l’orchestre, mené par un tout jeune chef, est également à noter. La musique est en parfait soutien de la mise en scène et de l’histoire, évoquant tour à tour l’inquiétude, la joie, la mélancolie ou encore l’intrigue. A ces sentiments se mêle également l’humour. Un humour populaire, parfois rustique et grossier, mais toujours hilarant qui fait même danser, telles des pitres, les religieuses de la pièce.
Ce Boule de Suif revisité est assurément une œuvre brillante qui porte un regard inquisiteur, en finesse et émotion, sur la moralité des Hommes et leur liberté individuelle dans une société aux mœurs corrompues. Au sortir du spectacle, on se dit - malheureusement – que les dérives décriées par cette pièce là rendent intemporelle…

Paris en chansons

2008-03-11T12:46:00.000-07:00

J'ai découvert la semaine dernière un Paris métisse, aux mille visages et émotions...

Une ville où se côtoient dans une étrange proximité et indifférence la France d'en haut et la France d'en bas. Une ville historique aussi, que l'on a l'impression de voir en noir et blanc - comme un film vieilli. Une cité que l'on traverse en fredonnant spontanément les airs connus qui là célèbre, de là est née l'idée de la vidéo qui suit : Paris en chansons...

Voyage à Paris - Carnet de bord 4 et fin

2008-03-10T12:10:00.000-07:00

Le 06 mars :

Ce petit matin parisien sent la fin d’un fort agréable séjour…Le café coutumier et matinal se boit aujourd’hui Porte de Clignancourt, près de chez Rachel.

- 08h30, Station Luxembourg…

Aux alentours de 8h30, je prends la direction du métro, prendre la ligne 4 – celle qui parcourt Paris du nord au sud – jusqu’aux Halles. Une fois arrivée, j’opte pour le RER B afin de rejoindre le jardin du Luxembourg. Plus de dix ans que je n’avais pas pris le RER et j’ai l’impression que c’était hier, si ce n’est que je suis étonnée que les rames soient un étage plus bas que le métro, sous terre. Le sous-sol parisien doit véritablement ressembler à un grand gruyère ! Dans la rame, un homme – que je vois d’abord arriver hésitant - se met à faire un discours tout en faisant la manche, je retiens une phrase parmi ses paroles : « Moi, on peut dire que j’ai longtemps fait partie de la France d’en bas, maintenant je suis de la France d’en dessous ». J’ai la vague impression d’avoir déjà entendu la formule, qu’importe, elle a son effet et son sens. Qui peut dire aujourd’hui qu’un jour, il ne fera pas partie lui non plus de cette France là. Celle qu’on ignore trop souvent pour ne pas voir une vérité qui nous effraie. « Luxembourg » dit la petite voix, je descends de la rame et sort à l’air libre, face au dit jardin. Le Jardin du Luxembourg est un jardin bien à la française…Autant celui des Tuileries m’a séduit, autant celui-ci me laisse de marbre…Trop lisse, impersonnel. Les joggeurs, eux, semblent nombreux à s’en servir de stade. Ils ont tout âge et courent en cadence. Je me demande où ils vont chercher ce courage pour courir avec un temps pareil ! De l’autre côté du parc, entre quelques haies, dans ce qui forme une mini clairière, d’autres s’adonnent à une séance de yoga matinal. Mais du yoga avec polaires et bonnets s’il vous plait ! En sortant du jardin, côté Sénat, j’entends des clapotis dans l’eau de la Fontaine Médicis. Ebahie, j’aperçois subitement une énorme carpe sortir la tête de l’eau ! Je me dis qu’elle a une chance infinie d’être là car elle ne sera certainement jamais pêchée ; mais aussi que je viens de louper une photo insolite. Patientant un peu, l’œil sur l’objectif, je repars finalement bredouille…Mauvaise pêche ! Décidée à parcourir le quartier Latin et à voir le Jardin des Plantes, qu’un certain thé pris à l’Institut du Monde Arabe m’a empêché de découvrir hier, je pars direction la Sorbonne.

- 10h00, De grandes femmes sur la place des grands hommes :

Je déambule dans le Quartier Latin, au cœur du 5^e arrondissement parisien, je me perds maintes fois puis me retrouve finalement à bon port. Comme le secteur des Halles, le quartier Latin est un sacré labyrinthe. Un dédale qui forme une petite colline en surplomb de la Seine. Comme à Montmartre, les rues y sont toutes pavées. Devant la Sorbonne, je ne ressens rien si ce n’est que ce lieu d’étude ne m’attire finalement pas plus qu’un autre. Je presse le pas vers le Panthéon, les heures filent vite et je dois être de retour à 12h30 afin de manger avec Rachel et prendre le train, gare de Lyon. Me perdant à nouveau et tournant à deux reprises en rond, j’entrevois enfin le Panthéon. Majestueux monument que je visiterai, une prochaine fois, faute de temps… En cette période de la journée de la femme, il propose actuellement une exposition sur les femmes qui ont marqué l’histoire. De grandes femmes sur la place des grands hommes...Photos en boite, je trace en direction du Jardin des Plantes. Une fois à l’intérieur, je découvre, surprise, qu’il est immense. Bien différent du seul jardin des plantes vu jusqu’alors, celui de Toulouse. Et oui, je sors de ma province moi, comme disent les parisiens. Il y a la capitale…et la province. Deux univers à ne pas confondre, attention ! Ici les arbres ont plus de 300 ans, il y a un zoo, des jardins de cultures et des expositions…Gigantesque et agréable, je n’aurais pas le temps d’en profiter suffisamment. Je sors et tombe face à la Mosquée de Paris, que l’on m’avait conseillé, la veille, d’aller voir. Evidemment (et malheureusement), l’entrée pour les femmes est proscrite mais je me console en faisant des photos et en admirant l’architecture orientale, dépaysant…Contemplant le minaret, une vieille dame m’accoste, m’extirpant de mes songes dans un sursaut de défense. Gênée et étonnée, elle met confusément sa main devant sa bouche qui dessine dans le même temps un sourire taquin. Le temps d’une seconde, cette vieille dame toute petite, dont la tête est recouverte d’un de ces plastiques protégeant de la pluie, me fait penser à une enfant. La confusion passée, elle m’explique vouloir simplement me renseigner et me dit que pour des photos, le minaret est davantage visible depuis la rue adjacente. Je la remercie et suit le conseil. Vraiment étonnante cette mamie et sa spontanéité ! Après quelques prises de vue, l’heure est à présent au repli vers les Champs-Elysées. Métro station Gare d’Austerlitz, j’innove et emprunte une nouvelle ligne, toute fière de ne pas m’être perdue dans le métro parisien… Repas rapide au Quick avec Rachel et bilan de deux jours et demi passés bien vite ! C’est décidé, je reviendrai…

- 13h25, sur le retour – direction Gare de Lyon :

La fatigue de ces jours intenses m’assaille et, dans la chaleur du métro, je frise l’endormissement. Je l’évite, certainement grâce à ce trentenaire dévorant goulument ses hamburgers à la chaîne, sa gloutonnerie absorbe mon regard, malgré un léger dégoût. Arrivée Gare de Lyon, j’ai le sentiment que j’étais là hier, ici-même, et ressors sur le Parvis, un café à la main. Dans vingt minutes, départ pour Marseille, j’ai le temps... J’aperçois alors – comme un signe – que le nom de Marseille est gravé dans la pierre d’un bâtiment faisant face à la gare. Je prends la photo comme preuve de ce qui n’est pas une hallucination. Mon TGV est annoncé, j’y vais d’un pas incertain dû à des jambes épuisées. A l’intérieur, je pose mes bagages et sans comprendre plonge dans un profond sommeil rempli de songes. Je me réveille à hauteur d’Avignon, deux heures et demies plus tard, comme au sortir d’un doux rêve parisien…

Voyage à Paris - Carnet de bord 3

2008-03-09T13:30:00.000-07:00

Le 05 mars :

Aujourd’hui, ce sera Montmartre !

La journée commence par un café Rue Magenta, à Barbès. On est bien loin du Paris des quais de Seine, mais je me sens mieux ici d’autant que les commerçants et cafetiers sont forts sympathiques ! Davantage qu’à Marseille me dis-je…Je longe ensuite le Boulevard Rochechouault que l’on pourrait appeler Boulevard Tati, tellement ces magasins sont ici nombreux. Au hasard d’une ruelle, le dôme du Sacré Cœur, qui m’avait tant plu il y a dix ans, se dévoile ! Je bifurque dans sa direction. C’est vraiment très beau, d’autant que le soleil est au zénith. Une fois en haut et quelques photos en boite, je rentre dans la basilique. Etrangement émue par le calme du lieu, je dépose un cierge, moi qui ne suis même pas baptisée. Pourtant, il y a vraiment quelque chose dans ce lieu qui m’envahis…Beaucoup de gens prient, yeux ouverts ou fermés, mains croisées ou pas, la conviction toujours présente assistée parfois d’une tristesse dans les yeux de certains. Je me dis alors que la vie n’est vraiment pas facile pour tout le monde et repense au sdf aperçu hier sur la bouche de métro, aux Champs-Elysées. Je ressors enfin de ce lieu magique, avec un drôle de sentiment entre tristesse et bonheur…M’asseyant sur les marches du parvis, j’écris à présent depuis une heure, la basilique derrière et les toits parisiens baignés de soleil en face. Il est presque 10h, la magie se rompt par une arrivée massive de touristes. Je me retire, place du Tertre, au cœur de Montmartre.

- Midi, pause syndicale sur la butte...

La pause s’impose et se fait au Relais de la Butte, près du célèbre Bateau Lavoir où travaillèrent de nombreux peintres dont Picasso. La sirène retentit soudain, je me crois deux secondes à Vinça jusqu’à ce que je me rappelle que l’on est le premier mercredi du mois. Cette pause signe la fin de ma visite de Montmartre qui est assurément le quartier de Paris où j’aimerais vivre. Peut-être d’ailleurs parce qu’il ressemble à un village ! Un magnifique village avec des vignes, et des moulins même. En occultant les toits en ardoises, on se croirait presque en Provence. Ici, faute de cigales, on entend néanmoins les oiseaux chanter – cadeau précieux dans une si grande ville ! Au hasard des rues, je tombe sur le doyen des cabarets parisiens, le Lapin Agile. Devant lui, ce sont quatre chiens, agiles aussi, qui chahutent devant leur maître qui, lui, papote avec trois vieilles dames. Le calme est maitre dans ces rues toutes pavées, et ces jeux humains et canins semblent sortis d’un film. Moi, la scène me fait sourire, m’émeut. Je continue ma route pour prendre le métro direction Pigalle. Sur mon chemin je remarque qu’à Montmartre, les gens se parlent, se disent bonjour, semblent s’apprécier…du moins se reconnaître entre pairs. Exit l’apriori du TGV 6130 !

- Pigalle, j’y suis !

Dans mes souvenirs, il y avait pleins de sex shop et dix ans plus tard, je me rends compte que le Boulevard de Clichy est le repère des sex shop. C’est cocasse toutes ces enseignes lumineuses et ces hommes qui y rentrent naturellement comme s’ils allaient acheter leur pain ! Musée de l’érotisme, librairies épicuriennes et supermarchés sexys viennent accompagner les cabines automatiques. A Pigalle, le sexe est un culte où sans honte, de nombreux parisiens sont au rendez-vous de la messe !

- 13h30, direction grands boulevards…

Après le repas devenu rituel avec Rachel Rue Georges V, je repars pour l’Etoile prendre la ligne 2 direction Opéra Garnier. Visite sommaire pour cause de coût excessif, la beauté de l’édifice ne me laisse néanmoins pas insensible ! Une longue longue marche le long de ce que l’on appelle les grands boulevards s’en suit. Des Galeries Lafayette au Printemps, du Boulevard Haussmann au Boulevard Poissonnière ; une ligne droite continue signe pourtant la fracture entre le Paris riche et celui du Sentier. En avance sur un programme pourtant chargé, décision est prise de se rendre Métro Cité pour revoir Notre Dame et ses gargouilles. Dans le métro, je me surprends à renseigner une parisienne sur la ligne de métro à prendre. A croire que Paris se laisse rapidement apprivoisée… « Cité, Cité » répète la voix dans les hauts parleurs de la rame. Je me hâte et m’extirpe comme je peux de la masse. Une fois sortie au grand air, je tombe nez à nez avec le Palais de Justice. A quelques mètres, un jeune homme fait la manche en portant un panneau de carton où est inscrit : « Un peu de monnaie pour m’acheter une voiture diesel », puis de l’autre côté « Un peu de monnaie pour me payer un voyage sur la lune ». Surprise, je rigole ouvertement…Lui aussi. Aussi, oublie-t-il de me tendre la main. Sur l’Ile de la Cité, et en particulier sur le Parvis de la cathédrale, les roumains sont nombreux à quémander. Ils ont tous la même méthode, demander d’abord si l’on parle anglais pour engager la conversation puis réclamer ensuite des sous. Méthode qui n’est pas sans rappeler la fameuse technique de la porte au nez (foot-in-the-door) utilisée en psychologie sociale. Moi, définitivement, je ne sais plus parler anglais jusqu’à demain…Je rentre brièvement dans Notre Dame mais il y a vraiment trop de monde, je décide alors de découvrir le quartier Latin et de visiter L’Institut du Monde Arabe.

- 16h00, le monde arabe et ses surprises…

Marchant le long des trottoirs, je longe la faculté de Jussieu et ses travaux. La Rue des chantiers, faisant face à la dites université, n’aura certainement jamais si bien porté son nom ! La façade de verre de l’Institut (IMA) apparaît… Je me dirige en sa direction. A l’entrée, les sacs sont soumis aux rayons, les mêmes que dans les aéroports. Une fois fouillée, je vais consulter les tarifs, précaution ultime…Je découvre, effarée, que l’entrée du musée est hors de prix et que chaque exposition temporaire vaut en sus 8€. Contrainte au repli, j’entends tout à coup dans mon dos, à voix basse, « si une exposition vous intéresse, venez me voir je vous ferai rentrer gratuitement ». C’était le vigile de l’entrée. Surprise et même gênée, il insiste et me rassure. Je pars donc carrément pour une visite guidée du musée avec celui qui s’appelle Aziz. Sur la terrasse, la vue de Paris est imprenable et je découvre, fascinée, le principe mis en place par Jean Nouvel pour les façades vitrées. Celles-ci possèdent des ouvertures, semblables à des diaphragmes d’appareils photos, qui s’ouvrent ou se referment pour préserver le même ensoleillement à l’intérieur. Fascinant ! Puis Aziz me conduit jusqu’à l’exposition de mon choix, celle sur les Phéniciens, ces précurseurs de l’alphabet moderne. Me présentant comme une connaissance au gardien de l’expo, je rentre, un peu hébétée de cette soudaine chance. Je découvre à l’intérieur, dans une ambiance feutrée à dominante mauve, les premiers objets d’art Phéniciens, les premiers modes et supports d’expression ainsi que les sarcophages de ce peuple, des sarcophages anthropomorphes (représentant l’image et le corps du défunt), semblables à ceux des Egyptiens. Surprise, j’apprends que les Phéniciens sont également passés en France, à Marseille. Après une heure, et quelques découvertes plus tard, je ressors de cet espace…Encore surprise de l’opportunité et ravie de l’exposition ! Mon passage à l’Institut du Monde Arabe s’achèvera autour d’un thé à la menthe et quelques gâteaux Arabes (en tout bien tout honneur), à discuter avec cet employé résolument sympathique. Décidemment, Paris semble décidée à me sortir de mon a priori et à m’offrir ses plus agréables visages.

- 19h00, direction Beaubourg :

Je repars ravie rejoindre Rachel pour aller voir le vernissage de l’exposition de Louise Bourgeois, au dernier étage du Centre Georges Pompidou. Sur notre chemin, nous faisons une escale à un Starbuck coffee - leader mondial de la distribution, de la torréfaction et de marques de café - dont j’entendais depuis longtemps parler sans vraiment connaître. Ces bars où de multiples spécialités de cafés, cappuccinos, chocolats et autres sont proposés et où le client peut ensuite rajouter des épices et aromates à sa convenance. Là, en terrasse et à deux pas de Beaubourg, une vieille dame vient nous agresser verbalement de manière virulente pour obtenir des sous. Un peu démunies, elle insiste auprès de Rachel et moi-même jusqu’à ce que les six jeunes hommes typés et originaires du 93, assis à côté, viennent à la rescousse. Un sacré pied de nez aux clichés et aux propos racistes trop souvent entendus. Remerciements effectués, nous nous rendons voir les sculptures déroutantes de la grande plasticienne. Du haut de ses 96 ans, l’artiste française émigrée aux Etats-Unis présente ici des œuvres de toute sa carrière, des sculptures ou des performances exprimant pour la plupart ses ressentiments vis-à-vis de son père. Troublante exposition ; sombre, profonde et intimiste. Cette journée, harassante comme celle d’hier, mais toujours aussi plaisante s’achèvera dans un restaurant de spécialités de pâtes, près des Halles. Demain signe déjà mon départ, déjà…Le temps semble passer plus vite ici !

Voyage à Paris - Carnet de bord 2

2008-03-09T09:36:00.000-07:00

Le 04 mars :

-Au petit matin…

Alors que les Champs-Elysées se réveillent à peine, Rachel et moi prenons un café dans une des rues perpendiculaires à la célèbre avenue. Un écart de quelques mètres qui divisent tout de même d’un tiers le prix du café ! Une fois le remontant pris, je prends la direction de l’Arc de triomphe prendre quelques photos pour ensuite redescendre les Champs. A 9h00 du matin, la circulation sur la place de l’Etoile est déjà très dense. Il fait vraiment très froid, ça transperce les vêtements et saisi les entrailles. Je m’en veux de ne pas avoir écouté Rachel qui m’a pourtant bien conseillée de prendre mes gants ! « Si vous avez oublié ce qu’est le froid, venez à Paris ! », cette phrase tourne en rond dans ma tête. Chemin faisant, j’aperçois un homme assis, pied nu, sur les grilles du métro. Un emplacement qui doit lui apporter un peu de chaleur. Je me trouve alors un peu ridicule de me plaindre, moi, ma veste et mes trois couches de pull. Je continue ma route, regardant les travailleurs parisiens courir au travail, tel un ballet d’attaché-case et de costards. Je prends la direction des Quais de Seine (je me rends compte d’ailleurs que dans l’intégralité de mon carnet de note, j’ai écrit Seine comme scène. Ca n’est certainement pas anodin…) et du Pont de l’Alma par la Rue Montaigne. Aucun doute, au vue des enseignes, je suis bien dans le Paris Bourgeois. Quinze minutes de marche plus tard, j’arrive à l’Alma, aperçois la Tour Eiffel et la Seine. Des fois les idées qui fusent dans l’esprit humain sont étranges, je me surprends à me demander de quel côté du pont Lady Dy est décédée. Quelle drôle d’idée ! Oubliant de trouver la réponse, je traverse le fleuve et le longe jusqu’au niveau du Quai Branly. Jean Nouvel a vraiment réussi ici une architecture impressionnante et esthétiquement à mon goût, bien qu’en décalage avec les immeubles Haussmanniens.

- 10h30, arrivée au Champs de Mars :

Pour 3, 10€, je décide de monter à pied les deux premiers étages de la Tour Eiffel. Sportive idée que celle-ci, d’autant que les éléments – pluie et vent – se déchainent. A quelques mètres du sol, il fait vraiment très froid, trop froid…Mes mains me brûlent et m’en veulent sacrément. Quoiqu’il en soit, je monte, décidée…

- 11h00, deuxième étage à quelques 200 mètres de haut :

Quelle vue ! Le Sacré cœur loin loin à l’ouest, la Tour Montparnasse en face dressée juste derrière l’école militaire, et à droite – comme à côté – le grand bâtiment de France Télévision. Reconnaissable parmi cent…Je redescends après moult prises de vue. Je suis lessivée, au sens propre et figuré ! Traversée du Champs et des Invalides s’en suit sous la pluie de Paris, jusqu’à atteindre le Pont Alexandre III. Je prends la rue Franklin Roosevelt, photographiant au passage le Petit et le Grand Palais. Découvrant le Palais de la Découverte, je me promets d’y retourner après le repas.

- A 14h00, retour et visite du Palais de la Découverte

La file d’attente est longue, mais tant pis…Ce cousin de la Villette me rappelant également le Musée des Sciences et de l’Industrie que j’avais visité à Manchester, m’inspire…alors je patiente. C’est drôle, il semble n’y avoir que des enfants ici et des parents qui accompagnent sans enthousiasme. Moi je trouve ça génial et visite finalement les différentes expositions avec davantage d’insistance sur celle concernant les Tsunamis et éruptions volcaniques et celle portant sur les illusions d’optique et la perception humaine. Après plus d’une heure de flânerie muséale, je sors et longe – sous un soleil à présent radieux – le Quai la Reine. Pourtant si éloignée de la montagne, le temps de Paris est aussi changeant que celui des sommets Pyrénéens. Sur le quai, un jeune Rome tente de me soutirer de l’argent contre une bague. Stratagème bien rodé dans lequel je ne tombe pas ! Face à mon refus, il finit par m’insulter…moi aussi. Choix est alors pris pour la direction du Louvre et du jardin des Tuileries. Le grand parc des Tuileries aménagée par Le Nôtre (qui a aussi réalisé Versailles, Chantilly…) est magnifique, apaisant. Un petit poumon dans la ville ! Les touristes et autochtones semblent s’y plaire autant que les canards. Les coin-coin se mêlent au japonais, à l’anglais et au français…

- 16h00, aperçu du Louvre :

Ce monument comme tous ceux bordant la Seine est vraiment très beau ! Pourtant je me dis que ce n’est pas ce Paris là que je vais vraiment aimer…Derrière un arc, la Pyramide du Louvre s’offre soudain à ma vue. Elle est bien plus petite que dans mon imaginaire. Je me souviens alors avoir eu le même ressenti, il y a plus de dix ans, devant Notre Dame. Abandonnant l’idée de visiter le Musée de la Publicité dont, je l’avoue aussi je n’ai pas trouvé l’entrée, j’opte pour la flânerie dans le Marais et le Sentier. Continuant quelques temps la longue Rue de Rivoli, je bifurque à gauche et aperçois par hasard le Centre Georges Pompidou, que je n’avais pas trouvé en cherchant. Surprenant, ce bâtiment excentrique engoncé dans des ruelles typiques à quelques pas de Rivoli et du Boulevard Sébastopol. Je ne l’aurais jamais imaginé dans une telle localisation. Ma route continue dans le Sentier où semble se jouer le concours du magasin le moins cher. Voici un Paris qui plait bien à mon portefeuille ! Ici, les sex shop sont également légion. Je ris toute seule de voir qu’ils fourmillent Rue des Prêcheurs ! Paradoxal Paris…

- 18h00 retentissent…

…et le froid se fait à nouveau plus intense. Le Forum des Halles – près de Chatelet – s’annonce être un endroit de choix. Je m’y engouffre et savoure sa chaleur bien plus que ses boutiques ! Une heure passe et Rachel me rejoint, j’ai les jambes en coton mais l’envie de profiter domine…Décidées d’opter pour un resto japonais, nous allons entre Odéon et Saint-Germain des Prés au hasard de ruelles pavés fleurant bon le Paris populaire, historique et cinématographique même. « A bicyclette » et « Le poinçonneur des Lilas » se répondent en cœur dans ma tête alors que j’ai l’impression de voir la ville en noir & blanc. Moins touristique, j’aime ce Paris là !!!

Voyage à Paris - Carnet de bord 1

2008-03-09T09:13:00.000-07:00

Le 03 mars :

- 17h 58 dans le TGV 6130 (Gare de Marseille Saint-Charles) en direction de Paris

Alors que ce train va me conduire vers celle que je n’ai pas vu depuis dix ans – Paris – je passe un coup de fil rapide. Il n’y a pas de bruit dans le wagon puisque le train n’a pas encore démarré, aussi je m’efforce à parler le plus doucement possible pour ne pas déranger mes congénères.

Pourtant, j’entends soudain : « Punaise, on ne peut même pas lire ! ». Surprise, gênée mais quoiqu’il en soit visée par cette invective, je tente de baisser d’un ton ma voix, rendue d’autant plus grave par un rhume persistant. La conversation sans-filaire se termine plus tôt que prévu. Je me dis alors, pour clore l’incident, que dans ce train Marseille-Paris, l’homme doit être un parisien stressé rentrant à son domicile, plutôt que l’inverse. Moi, en marseillaise d’adoption en partance pour la capitale, j’espère que ce Paris à découvrir fera taire, pour le coup, mes a priori…

- 21h01, presque arrivée…

Plus que dix minutes et le train entrera en gare Paris-Gare de Lyon. Une douce excitation latente et ce léger trouble intérieur lié à l’inconnu sont bien présents, j’ai du mal à croire que je rentre dans Paris. Si proche et si lointaine, ville parmi tant d’autres, je me rends néanmoins compte que pour moi, elle représente un mythe…

- 21h10, première impression

Arrivée Gare de Lyon, ça y est ! Je sors sur le parvis et contemple. D’ici, on semble surplomber toute la partie sud-est de la ville. De nuit, ces façades Haussmanniennes toutes éclairées rayonnent ! Allez direction le métro, en essayant de ne pas se perdre, pour rejoindre Rachel…

A la découverte de ..... Glorianes

2008-02-26T13:47:00.000-08:00

A onze kilomètres de Vinça, perdu entre cimes et nuages, se niche Glorianes. Un petit village de quelques âmes, à 600 mètres d'altitude et faisant face au Canigou - montagne sacrée des Catalans.
De Glorianes, beaucoup connaissent le nom mais bien peu le lieu. Certains auront bien entendu parler de cette sorcière - surnommée "la picote" - qui y vivait, d'autres auront été intrigué par la "maison blanche" - comme on l'appelle ici - d'un certain ambassadeur, visible depuis Vinça. Pourtant, peu se risquent à emprunter cette sinueuse route, infranchissable à pied et ardue en voiture.
Or, Glorianes regorge de trésors. En véritable écrin de sérénité, ici seuls les chants d'oiseaux, les meuglements de vaches et les tintements des clochettes des moutons composent le bruit ambiant. Les quelques ruelles - souvent désertes - mènent à la petite chapelle romane et aux quelques habitations. Des demeures d'où s'échappe, par la cheminée, une douce odeur de feu de bois. Un effluve qui se mêle à celui des différents conifères et herbes folles entourant les nombreuses ruines. Vestiges llosés envahis de pensées sauvages qui font songer à ce qu'il est bon de vivre en pays Catalan!

Le « Genty » magicien au pays des merveilles

2008-02-25T15:51:00.000-08:00

Boliloc

Le 7 février dernier, Philippe Genty revenait au Théâtre Toursky à Marseille pour présenter son dernier spectacle, Boliloc.

Comme les autres réalisations de l’artiste, Boliloc oscille entre réalité et illusion tant dans le fond que dans la forme. Associé pour l’occasion à l’acteur Christian Hecq, Philippe Genty nous plonge dans un monde fantastique ou le tangible copie le fantasme…à moins que ce ne soit l’inverse. Alice, l’héroïne de Boliloc, gravite d’univers en univers avec la légèreté du rêve. Des boîtes mouvantes où se logent des marionnettes caractérielles à cette salle d’opération où deux comédiens pénètrent les entrailles d’Alice, jusqu’au tableau où chacun virevolte à deux mètres du sol dans un paysage lunaire ; tout est rêverie, émerveillement et douceur.

Sensible et tendre, Boliloc laisse aussi le champ libre à l’imagination du spectateur. Comme Philippe Genty le dit si justement : « La scène devient le lieu de l’inconscient ». Les métaphores et seconds sens sont légion lorsque l’émotion rime soudain avec introspection. Bien plus qu’une pièce de théâtre, Boliloc - en véritable expérience - se vit. Peut-être est ce pour cela que les mots laissent bien démunis pour raconter ce spectacle... En virtuose de la chimère, Philippe Genty use du visuel pour usurper la réalité : des têtes d’hommes sans corps sautent, volent et retombent, des marionnettes prennent la parole et par là même leur liberté... Chacun retrouve alors son âme d’enfant et le regard émerveillé de l’âge tendre.

Subtil, léger et enivrant, Boliloc est une cure de bonne humeur d’où chacun sort avec le sourire, sans trouver les mots pour expliquer ce sentiment. Comme dans un conte pour enfants, les images captivent en faisant perdre les mots…et les maux. Dès lors, le prénom de l’héroïne prend tout son sens ! Nous sommes bien au Pays des merveilles…

Le Oogie : un lieu insolite sur le Cours Julien

2008-02-15T10:59:00.000-08:00

Au 55 cours Julien à Marseille est implanté le Oogie. Un « concept-store » vintage qui oscille, depuis sa création en 2006, entre style rétro et contemporain.

« Je peux vous aider ? » demande un des serveurs. La question sonne comme la preuve de la surprise provoquée par le lieu. En plein cœur d’un quartier populaire de la ville, où se jouxtent bars typiques et autres pmu, le Oogie se distingue. Pas seulement une brasserie-restaurant, ni totalement une boutique, pas exclusivement un salon de coiffure, ni simplement un cybercafé. Il est un peu tout ça... Certains y dinent à 16h tout en regardant un dvd sur l’écran mural, d’autres discutent au son des musiques rétro et électro tandis que les derniers essaient des vêtements avant de filer à l’étage « Chez Joce » se faire couper les cheveux ! Tout se conjugue et se complète étonnamment sur les 400m² parfaitement agencés que compte le lieu. Bien qu’insolite, le Oogie est épuré, lisse et ordonné.
Ici, le mobilier actuel aux coloris vitaminés, les peintures abstraites et le matériel hi-fi dernier cri côtoient les livres sur le pop art, les vêtements vintage et les vieux vinyles. Le Oogie déroute mais ne manque pas de style ! D’ailleurs, ses occupants – employés ou clients – n’en manquent pas moins. Jean slim et t-shirts près du corps à l’appui.
Le personnel, particulièrement jeune, est au petit soin de ses chalands. Les « Ca va, ça vous a plu ? » résonnent constamment sans pour autant devenir outranciers et le tutoiement est de rigueur. Néanmoins, ici on vide soi-même ses restes dans le récipient prévu à cet effet.
Dans ce lieu atypique, les univers se côtoient - cuisine ouverte sur la salle, puits de lumière pour une vue en contre-plongée du salon de coiffure – et rien ne vient briser l’harmonie de l’espace, même pas quelques effluves de nourriture ou des prix excessifs.
Sorte de téléportation géographique et temporelle, on s’attendrait presque à voir ici Andy Warhol surgir de sa boite de soupe Campbell et Charlie Chaplin de son chapeau melon.

Rencontre avec…Richard Martin

2008-02-06T05:26:00.000-08:00

« Allumer des feux et faire se rencontrer des Hommes »

Solliciter Richard Martin - directeur du Théâtre Toursky, de l’IITM France (Institut International du Théâtre Méditerranéen) et initiateur du projet Odyssée - pour faire de lui un portrait lorsque vous le connaissez quelque peu, c’est se voir offrir une de ses accolades franches, amicales et enjouées, et vous entendre dire « Mais tu n’as plus besoin de moi pour écrire mon portrait ». Richard, c’est un peu ça…Un brin de tendresse et de complicité, de la sensibilité à foison, un rire d’enfant, un regard utopiste aussi – tantôt réjoui tantôt affecté – un bout d’enfance dans un corps d’homme, un paradoxe qui le rend proche et intimidant à la fois. Un tantinet insaisissable et sauvage donc ; Richard Martin est avant tout un homme de théâtre engagé. Dès lors, esquisser son portrait prenait ici le visage d’une évidence.

Euroméditerranée, opération liée au processus de Barcelone créé en 1995, intègre en son sein un pan culturel et humain. Un chapitre visant à promouvoir le dialogue entre les cultures. Idée si chère à Richard, qu’il a su déployer au travers de ses Odyssées - ces biennales homériques - parcourant depuis 2001 l’Europe et la Méditerranée. Triturant délicatement l’emballage du sucre venu édulcorer le café que nous buvons ensemble, il me confie ne pas croire au pouvoir esseulé d’instances nées pour susciter le dialogue interculturel. L’homme reconnaît les retards pris par la politique et répond à ce sursis que « L’essentiel sera toujours porté par les Hommes […], sinon les petites choses qui se font ne sont que ponctuelles, conjoncturelles et ne cimentent pas grand-chose ». Richard croit avant tout en l’humain et reste persuadé que « la raison aura raison ». Pour cet artiste éclairé qui érige le rêve comme droit de l’Homme, l’Odyssée ne doit être que « le tremplin vers de nouvelles rêveries ». Ces rêveries nourries par l’art, ce liant des rencontres humaines. Continuant de s’amuser en roulant le même papier autour de son index - le regard tantôt sur la table tantôt dans le mien - le ton est réfléchi autant que l’attitude est méticuleuse. Occuper le geste pour mieux laisser voguer l’esprit au gré de mes interrogations. Celui qui « travaille à ce que l’homme qui ne sait pas, finisse par savoir », prend une voix mêlée de dérision et d’espoir lorsqu’arrive mon ultime requête. Et au centre de tous tes projets Richard, comment te définis-tu ? : « Je suis un poète qui a oublié d’écrire »…Silence…Puis d’ajouter « Nos poèmes on les écrit avec des bateaux. Ma vocation est d’allumer des feux et de faire rencontrer des hommes », avant de parachever le sourire aux lèvres « Les poètes me donnent l’allumette et moi je suis le grattoir ». Un brin caustique, une larme d’inquiétude, un filet d’autodérision et un soupçon d’espièglerie, tel est l’insolite mélange de cet homme au grand cœur prêt à tout pour poursuivre ses idéaux résolument humanistes et « donner l’impulsion de la rencontre et de l’échange à ceux qui sont loin de ça».

Billet d'humeur

2008-02-02T04:55:00.000-08:00

Une « République »…Non, un Empire !

Marseillais ! Vous n’êtes pas sans savoir que la rue de la République se métamorphose depuis 2004. « L’un des plus vastes chantiers de rénovation urbaine en France » selon Euroméditerranée, qui comprend entres autres une réhabilitation de l’habitat. Un lifting en profondeur mené par la Communauté urbaine Marseille Provence Métropole présidée par Mr. Jean-Claude Gaudin ; avec comme nouveaux propriétaires et gestionnaires, Marseille République pour l’habitat et ANF Eurazeo pour les commerces. Un bien remarquable projet faisant écho au sondage TNS-SOFRES conduit en juin 2005 qui concluait que 88% des Marseillais jugeaient la réhabilitation nécessaire. Un échantillon de population dont nous ne saurons rien pour un sondage portant le masque d’une fausse bonne conscience manifeste! Mais une rue, si c’est bien sûr du bâti et des commerces, c’est avant tout des habitants, une histoire, une ambiance, un esprit. Pourtant, rien ou si peu n’est dit sur le devenir de tous ces habitants contraints de se reloger ailleurs. Des locataires et propriétaires, très attachés à leurs appartements au point de s’y succéder de générations en générations. « Nous voulons la mixité sociale. Avant, il n’y en avait pas rue de la République, puisqu’il n’y avait que des habitants pauvres » s’exclamait en 2006 Eric Foillard, PDG de Marseille République. Malgré une volonté de réaliser des logements sociaux, c’est bien la mise sur le marché d’habitats « de qualité » qui intéresse les protagonistes ! Des logements accessibles à qui ? Quelle riche mixité que celle en devenir…D’autant que les méthodes d’expropriation employées sont clairement scandaleuses ! Interdiction de renouvellement de bail ou encore dépossessions impromptues pendant l’absence de certains…Une réfection emblématique de la déconfiture d’une politique de logement dirigée sur Marseille depuis dix ans : allongement des demandeurs de logements sociaux, fracture nord-sud, engagement à la spéculation pour les couches aisées…. Celle qui porte fièrement le nom de République peut bien reprendre aujourd’hui celui d’Impériale ! Ce nom qu’elle portait au XIXème siècle jusqu’à son réaménagement raté, dans le seul but d’attirer au centre ville la bourgeoisie marseillaise. Inexorablement, les échecs des politiques de logement passées ne semblent pas servir de leçon ! De la République à l’Empire, du pouvoir consubstantiel du peuple à la segmentation des classes, du social au profit… Rue de la République, une artère qui décidemment chemine à contresens !!

Exilio en images

2008-01-31T11:23:00.000-08:00

A côté d'une activité d'écriture, je me plais depuis peu à réaliser des montages vidéos...

Voici celui réalisé pour la Compagnie Théâtre & Mémoires afin de présenter son dernier spectacle, EXILIO.

Des Idéaux

2008-01-30T08:48:00.000-08:00

C’est la Compagnie Alzhar d’Aix en Provence qui occupait la scène du Théâtre Toursky dans la soirée du 29 janvier. Une troupe friande d’expérimentation théâtrale qui a construit ce spectacle à force d’ateliers et de rencontres au cours de soirées mensuelles d’échanges, d’écritures et de recherches communes. Des Idéaux propose de créer un monde où les idéaux se sont évanouis et où l’homme est laissé seul face à ses élans les plus vils. Une thématique pourtant inspirée et inspirante que la compagnie n’a pas su véritablement exploiter...

Sur cette scène occupée dans sa totalité et dénuée de véritable décor, les arts se mélangent : danse, chant, théâtre et musique. Un mélange bien souvent à la limite du tourbillon pour le spectateur qui ne sait plus vraiment où donner de la tête. Dans cette agitation, une question ressurgit constamment en écho : « Où en êtes-vous de vos idéaux ? », véritable épine dorsale de la pièce. Le public, muni d’une feuille de papier et d’un crayon peut alors tenter d’apporter sa propre réponse, pendant que sur scène les comédiens portent la leur. « Moi, mon idéal est de faire pipi sous les étoiles » dira l’une, « Moi mon idéal est d’atteindre la normalité. Celle montrée par la publicité…Mais un jour j’ai compris que ma différence était ma liberté » rétorquera l’autre. Une première réplique qui frise le ridicule et le non-sens, tandis que la seconde mériterait d’être approfondie…mais ne l’est pas ! On atteint plus tard le paroxysme de l’inintérêt lorsque l’un des personnages – nommé « O » père – dit à sa « O » fille : « Quand ton frère reviendra, vous baiserez ensemble ! ». Thématique érotique incongrue qui vient se greffer aux multiples redondances de l’idée dans le spectacle. Déposer les armes de nos idéaux, comme le revendique ici la compagnie, revient-il à être obnubilé par les questionnements d’ordre sexuel ? La question a de quoi laisser pantois…La joyeuse famille « O » offre ainsi au public ses multiples aventures : du combat de « O1 » et « O2 » (où il faut y voir un combat d’idéaux) aux déambulations frénétiques de certains acteurs aux allures de pantomimes, jusqu’aux sphères qui envahissent la scène, figurant certainement les différentes sphères et strates de la population. Entre positions grotesques et discours incohérents dans un parlé bien souvent à la limite du supportable, les noms d’Hannah Arendt et de Nietzche fusent sans trop savoir où retomber…

Tout est entrepris sans jamais aboutir à tel point que le propos de la pièce aurait été difficilement identifiable sans le document d’accompagnement distribué par la compagnie. Des Idéaux souffre d’une trop grande abstraction dans sa mise en scène qui le rend totalement hermétique à une partie du public – qui a d’ailleurs quitté la salle avant la fin de la représentation. On soulignera néanmoins un effort esthétique grâce aux costumes colorés et aux retransmissions sur rideau-écran d’instants filmés en direct qui forment des touches tels une peinture impressionniste. Un autre effort, musical lui, est à noter grâce à des improvisations inspirées aux accents expressionnistes. Malgré tout, l’ensemble manque véritablement de sens et de prise en compte du public. Grandiloquence du jeu et minimalisme scénographique y sont, eux aussi, mal conjugués. « Les i des o, les i dans les o », mais les idées…où ?

Tecktonik: a polemical dance

2008-01-27T02:46:00.000-08:00

Since last July, a new dance has reached a large part of the young people… It’s the Tecktonik! Do you know about it ?

Tecktonik, often abbreviated TCK, was born in a French night club - “The Metropolis”, near Paris - in Rungis in 2000 with a new concept of party named The Tecktonik killer. However, its success is very recent and mainly due to the community websites on Internet. Its creators are Cyril Blanc and Alexandre Barouzdin, two members of the artistic staff of the "Metropolis". Now, for their biggest joy, Tecktonik goes beyond the French’s frontier… Originally, its name comes from a pun about the geological theory of the plate’s tectonic. This reference isn’t chance but it is connected to the atypical jerky and quick movement adapted to the Hardstyle music’s rhythm. Tecktonik is also a registered trademark.

In spite of this success, this dance has been in the heart of a controversy for several weeks. Indeed, a rumor has spread over the Internet…Tecktonik could be a Nazi movement! Why? It’s a poster for the new Tecktonik Killer party that initiated this controversy. It represents a man with a German officer’s cap of the Second World War and wearing a gas mask (photography 1 & 2). A poster in bad taste!

Besides, Tecktonik’s logo is an eagle (photography 3 & 4), the king of the birds and the symbol of pride, accompanied by a red star and the marketing’s line is between gothic and cold war with a provocative side. Very strange and meaningful for some people, only a coincidence for others…Be that as it may, this ending murmur adds to the other negative aspects raised by the anti-tecktoniks. Indeed, some people blame the Tecktonik for being more commercial: TF1 Company is now the international agent of the brand, there is even a fast-food that created a Tecktonik menu! This trend seems to be “the goose that lays the golden eggs” for the company. But now where is the dance behind all this profit? Moreover, contrary to the other dances, it isn’t possible to organize Tecktonik party because it’s a deposited brand. Odd behaviour by the creators, which shows the importance attached to marketing. Consequently, more and more websites and groups are created against Tecktonik: BAT for Brigade antitecktonik, demonstrations antitecktonik…

Envied success, false war or dangerous movement? The teenagers answer… So, pro or con Tecktonik?

Meilleurs voeux à vous....

2008-01-16T04:37:00.000-08:00

Un petit mot pour vous souhaiter à tous et toutes une bonne et heureuse année 2008!!!

En pleine préparation de mon mémoire de fin d'étude, les articles sur mon blog se font plus rares...Vous pourrez retrouver, pour ceux qui le désire, certaines de mes critiques sur : www.ruedutheatre.info

A bientôt!

Marseille : Salon Métierama du 24 au 26 janvier 2008 [2]

2007-12-13T09:08:00.000-08:00

Chimie et biochimie à la mode écolo

Les métiers de l’industrie chimique et biochimique sont des métiers en tension où les offres d’emploi sont supérieures aux demandes. Depuis presque quinze ans, les jeunes sont de plus en plus nombreux à s’en détourner principalement du fait d’une méconnaissance du secteur. Pourtant, celui-ci offre des débouchés considérables avec une durée moyenne de recherche d’emploi inférieure à un mois selon l’ANPE.
Si vous êtes curieux, persévérant ou bien encore « Géo Trouvetou » dans l’âme, les métiers de la chimie et de la biochimie sont faits pour vous ! Comment faire des compacts disques à partir du maïs ? Comment transformer le pétrole en matière plastique ? Comment neutraliser les polluants dans la mer ? Ou bien encore, comment aider une enzyme à se développer ? Autant de questions auxquelles ce secteur industriel - innovant par excellence -, tente de répondre en s’adaptant à notre univers en constante mutation. Un monde dans lequel les tendances écologiques actuelles entraînent une redynamisation.
De l’ouvrier à l’ingénieur, du créateur de cosmétiques au professeur, en passant par les techniciens et agents de maitrise, la chimie et la biochimie proposent des emplois à différents niveaux de compétences. De nombreux parcours sont envisageables : BEP, Baccalauréats professionnels, IUT mais aussi cursus LMD ou bien encore l’IUFM.
Rendez-vous donc au pôle Chimie et biochimie du Salon qui vous proposera une conférence dirigée par la Fédération des industries chimiques, ainsi que des rencontres avec les enseignants des disciplines concernées.

Marseille : Salon Métierama du 24 au 26 janvier 2008 [1]

2007-12-13T09:04:00.000-08:00

Discrimination à l’emploi : faire valoir ses droits

Poursuivre des études pour exercer le métier de ses rêves sans y parvenir, avoir le profil adapté et n’être toutefois jamais embauché…N’être regardé que par le miroir déformant de la couleur de peau, ou bien tout simplement recalé par la consonance du nom inscrit sur un cv...Autant de cas de figure qui perdurent pour autant de discriminations à l’emploi prohibées par la loi. Aujourd’hui encore, quatre fois sur cinq un candidat dit « d’origine hexagonale ancienne » est favorisé face à un demandeur d’emploi français d’origine africaine. Le chômage touche, lui, trois fois plus les jeunes diplômés issus de l’immigration que les autres.
L’égalité, inscrite dans le triptyque français, n’est toujours pas – au XXIème siècle – respectée. La Halde (Haute autorité de lutte contre les discriminations et pour l’égalité), représentée en région PACA par Madame Eskenazi, la promeut en combattant les discriminations. Sensibilisation et engagement des entreprises, information et accompagnement des personnes discriminées, valorisation et diffusion des bonnes pratiques ; pour que les comportements ségrégationnistes cessent et que jaillisse l’égalité des chances pour tous.
Si des entreprises œuvrent dans le sens de l’acceptation et de la valorisation de la différence, certaines réitèrent encore les comportements discriminants. Victimes de ce type de conduite ou, tout simplement, désireux de savoir s’en prémunir, rendez-vous au salon, à l’espace consacré à l’inclusion des jeunes dans le monde du travail.

Semaine Azerbaïdjan au Théâtre Toursky

2007-12-07T10:22:00.000-08:00

Résolument ouvert sur le monde et le partage entre les cultures, le Théâtre Toursky a mis l’Azerbaïdjan à l’honneur durant la dernière semaine de novembre. Roustam Ibraguimbekov, célèbre scénariste, dramaturge et producteur Azerbaïdjanais était présent à Marseille pour la diffusion d’Adieu ville du sud, long métrage inspiré d’une de ses nouvelles - Bakou, fin des années 80 - et la représentation de Cherche partenaire pour rencontres épisodiques, par le Théâtre Ibrus. Voyage initiatique à la découverte d’un univers psychologique et singulier…

Ibraguimbekov : l’homme du Caucase

Roustam Ibraguimbekov - diplômé de l’Institut de Cinématographie de Moscou – est l’auteur de plus de quarante longs métrages et scénarios pour la télévision, de nombreuses pièces de théâtre et œuvres en prose. Internationalement reconnu pour ses créations, il demeure néanmoins méconnu en France, où la culture Azerbaïdjanaise n’est que peu évoquée. D’ailleurs combien savent exactement situer ce pays ou encore conter son histoire géopolitique? L’Azerbaïdjan est un territoire du Caucase, dont la capitale est Bakou. Frontalier avec la Géorgie, la Turquie, l’Arménie, l’Iran et la Russie ; il a longtemps oscillé entre indépendance et intégration forcée. Finalement devenu autonome depuis l’effondrement du bloc communiste le 30 août 1991, ses dirigeants ont choisi l’alliance politique avec les Etats-Unis. Premier pays démocratique de confession musulmane à accorder le droit de vote aux femmes, il connaît aujourd’hui une situation macro-économique satisfaisante mais doit encore relever le défi de la diversification des ressources et d’une répartition plus juste des richesses. Des conflits politiques intérieurs, religieux et territoriaux persistent actuellement dans le pays. Ce sont tous ces particularismes historiques qui ont forgé et forgent encore les œuvres d’Ibraguimbekov, comme une signature, une empreinte inaltérable. Né en 1939 à la capitale, il a connu les différents régimes de son pays et en témoigne dans de nombreux films - Soleil blanc dans le désert (1970), Interrogation (1979), Garde moi, mon talisman (1986), Urga (1991), Près de l’Eden (1991), Soleil trompeur (1994), Le barbier de Sibérie (1998) et Est/Ouest (1999) – primés pour la plupart. Chronique du Caucase, crime, drame psychologique et historique se conjuguent dans ses œuvres qui offrent une place dominante aux relations parfois difficiles entre pays, et aux liens entre les Êtres. Le psychisme des personnages, la conscience et la perception comme terrain d’exploration.

Sur les planches comme sur écran

Tel est l’épine dorsale de Cherche partenaire pour rencontres épisodiques présenté au Toursky vendredi 30 novembre. Cette pièce de théâtre jouée depuis plus de cinq ans dans les pays de l’est, dont plusieurs représentations à Moscou, dresse le portrait d’un couple ordinaire confronté à la dureté du temps qui passe et au vide du quotidien. Une création théâtrale à l’empreinte cinématographique forte où un ménage apparemment sans accrocs vit dans la rassurante mécanique du bonheur illusoire. De ceux qui vu par le miroir déformant de l’extériorité nous ferait dire : « Ah, que j’aimerais leur ressembler ». Mais la réalité est mensongère… Lui est scientifique, elle – rédactrice dans une maison d’édition. Deux postes à responsabilités pour un couple d’intellectuels modèles hors du besoin financier. Le déficit ici se compte plutôt en tendresse, partage et intercompréhension. Sous forme de huit-clos dans le salon familial, c’est un duel psychologique qui s’engage pour ces deux êtres si apparemment solides que profondément perdus, à cran. Car donner l’impression d’être en harmonie est pour eux la seule façon de vivre. « Il vaut mieux jouir de la vie que d’en parler » précise le texte. Assumer les erreurs du passé et accepter que le temps érode, parfois, les sentiments est bien plus ardu et insupportable que travestir la vie. Dans un jeu de psychés où les faux semblants dominent, tout est finement orchestré pour donner un sens à l’existence. Une orchestration basée sur la frontière invisible, terrible et insidieuse entre l’imaginaire de chacun et la réalité commune. Elle, rêve son mari en amant fougueux ; lui, songe à sa femme en plantureuse créature qu’elle n’est pas. Autant de rêveries chimériques personnifiées sur le plateau par deux autres personnages, si bien que deux couples distincts et idéals s’offrent finalement au public. Cette œuvre théâtrale aborde l’épineuse question du regard d’autrui. De la différence entre l’être, le paraître et le vouloir paraître et du difficile et rare équilibre qui permet de faire taire cette dissemblance. « Chaque couple établit ses règles », les dits, les non-dits…Ici, vivre en couple c’est lutter contre le silence des ressentiments – avec la jalousie et le mensonge comme anges gardiens – pour continuer à vivre, à feindre le bonheur pour usurper le réel. S’affronter pour mieux se réconcilier, contrefaire pour demeurer heureux avant tout ; telle est la règle pour ces êtres qui se déchirent autant qu’ils s’aiment. Une référence non fortuite donc au célèbre Cadavre vivant de Léon Tolstoï où le bonheur est au-dessus de tout, de la vie même pour le héros Fédia qui se suicide pour que son épouse Lisa soit enfin heureuse. Cherche partenaire pour rencontres épisodiques est une pièce psychologique, désarmante, lancinante même où le jeu renvoie le spectateur au réalisme angoissant de cette situation. Cette universalité humaine de condition selon laquelle l’Homme a besoin d’être apaisé jusqu’au risque de se tromper lui-même…

« Exilio, ou garder en soi ce que l’on nous a retiré »

2007-11-26T09:38:00.000-08:00

Le Théâtre Gyptis accueillait mercredi 21 novembre la deuxième représentation d’Exilio, écrit et mis en scène par Sara Sonthonnax de la Compagnie Théâtre et Mémoires. Exilio, c’est une création inspirée des lettres trouvées par l’historien Jean-Jacques Jordi aux Archives départementales. Des courriers adressés en 1939 par ces républicains réfugiés dans les bateaux hôpitaux marseillais après avoir fui Franco. Des écrits qui n’ont jamais trouvé voix. Sara a souhaité leur rendre…

Sur les routes de l’exil

Miguel et Pablo ne se connaissent pas mais fuient tout deux le régime dictatorial franquiste. Les routes de l’exil les feront se rencontrer et partager leurs peines, leur désarroi et leurs doutes. Comme un échange de pensées, un partage de destinées en face à face ou séparés par des destins épars, Exilio procède à un devoir de mémoire tout en soulevant de véritables questions ontologiques. « Fuir l’Espagne, n’est-ce pas la perdre ? » ; « Quelque chose vaut-il plus que la vie ? ». Mais la liberté est aussi la vie…La perdre ne revient-il pas à renoncer d’être vivant ? Autant de questions auxquelles la réalité de la guerre civile n’offre pas de réponse. Seules les déchirures sont là, omniprésentes. Déchirure d’une fuite forcée, déchirure des familles qui se scindent pour parfois ne jamais se retrouver, déchirure de ces deux êtres que la route séparera. L’un, Miguel, choisit de rejoindre le Mexique; l’autre, Pablo, s’engage dans la résistance française contre l’occupant nazi. Malgré la distance, les deux hommes s’expriment d’une seule et même voix. Celle de la souffrance, de l’abandon et de l’injustice. Dans leur périple, ils évoquent les mots et les maux d’un peuple, de tous ceux qui sont déchirés entre l’envie de vivre et la volonté de ne pas partir, de ne pas abandonner pour ne pas se laisser vaincre. Ces deux êtres en perdition témoignent de cette déchirure intérieure, la plus insupportable, certainement. Leurs sentiments et ressentiments sont rejoints par le chant d’Emilie Lesbros dont la voix et l’ombre déambulent par intermittence sur scène. Telle une apparition fantomatique, son chant improvisé est doux, profond, fragile et douloureux - à propos, quoi qu’il en soit. Comme un chant de l’exil qui vient rythmer l’échange discursif, il stigmatise les souffrances comme l’image redondante du train de la mort dans Amen, le célèbre drame historique de Costa Gavras. Pour autant, le pathos ne prend jamais le pas sur le témoignage…

Un texte sensible et pudique

La mise en scène est sobre et le plateau dénudé. Les deux acteurs évoluent de déambulations avant en mouvements arrière selon que les chemins les unissent ou les divisent. La lumière, elle, suit les codes conventionnels : rouge pour le sang, bleue pour la mer. Une mise en scène quelque peu limitée, simpliste pourrait-on dire…Mais comment faire autrement ? Sara Sonthonnax affronte ici un exercice difficile. Celui de mettre en scène un sujet ardu, douloureux, qui rouvre pour certains d’anciennes douleurs. Mais aussi, celui de porter aux vues l’adaptation théâtrale d’écrits initiaux, leur rendre voix sans dénaturer la réalité - sans l’occulter ni la farder. Une mise en espace plus construite, plus concrètement élaborée n’aurait-elle pas été risible ? Plongeon dans l’emphase et la grandiloquence, ou bien altération du message ; elle serait certainement venue gâcher le texte. Nous saluerons l’audace de la metteuse en scène et la beauté de son texte ; limpide, sensible, pudique et juste – à la lisière de la poésie parfois. Un de ces textes qui font entrevoir des images, celle des barbelés des camps d’Argelès dans les Pyrénées-Orientales ou celle de la tramontane, ce coriace vent catalan venant fouetter les visages des malheureux – « même le vent est fasciste ! » disaient ironiquement certains -. Car s’il ne se joue pas de faux-semblant, Exilio ne manque pas d’humour. « Si seulement la pluie pouvait pleurer à chaudes larmes », « Au moins le menuisier a du travail »…Autant de marques d’esprit qui brisent dans l’instant toute immersion dans le pathos. Quant au jeu, Alfonso Rodriguez Gelos et Vincent Saint-Loubert Bié, offrent une interprétation délicate, soutenue et musicale, à l’orée d’un parlé slamé pour le second. Un spectacle qui vaut amplement le fait d’être vu pour sa justesse, sa pertinence et son témoignage d’une époque trop méconnue. Une revanche judicieuse et touchante pour Sara dont la famille avait plutôt versé du côté des assaillants. « On ne choisit pas d’où l’on vient, mais on choisit où l’on veut aller… » dit-elle, et on ne saura que l’en féliciter !

Enchanter la danse pour qu’exulte la liberté

2007-11-25T05:24:00.000-08:00

Dans la soirée du 23 novembre, Merlin Nyakam – créateur de la compagnie La Calebasse et célèbre danseur et chorégraphe africain - est venu présenter sa dernière création sur les planches marseillaises du Théâtre Toursky. Cette même scène où il a débuté sa carrière en France il y a maintenant plus de dix ans. Ce dernier opus, intitulé Liberté d’expression, nous ramène par les impulsions du corps et les rythmes afros au souffle de vie originel qui court en nous. Un spectacle aux antipodes des extravagances et des perditions d’une société bien trop axée sur l’image et l’apparence…

Merlin, l’enchanteur des corps

Tout commence au son des battements du cœur d’un fœtus projeté sur le blanc immaculé de la robe portée par un danseur. Le rythme du cœur pour celui de la vie…Endiablé et festif selon Merlin. Les percussions africaines s’animent, les corps des huit danseurs s’agitent dans une intrépide chorégraphie colorée ; et c’est la vie qui envahit l’espace scénique…Farandole de couleurs éclatantes, tourbillon de danseurs aux corps sculpturaux ; et la chair se mue en un contour unique pour ne former qu’un : l’humain. Accompagné de sa baguette magique, Merlin Nyakam ne pouvait rêver prénom plus justement destiné. Merlin - cet enchanteur des corps, ce chorégraphe magicien – exalte par la danse la diversité de l’être en le rassemblant autour de son unicité, de son intrinsèque similitude. Avec lui, la danse devient art total pour une pleine liberté d’expression. Elle extirpe au théâtre ses modes d’expression, au chant et à la musique leur valeur émotionnelle et aux arts plastiques leur profondeur sensorielle. Liberté d’expression joue sur tous les canaux et devient une mosaïque de sens, de couleurs, de formes mouvantes où le rideau de fond de scène se plait à décupler ces corps devenus ombres chinoises. La valeur esthétique de l’ensemble est fondamentale et vient se mêler au talent incontestable des danseurs de la troupe. Merlin Nyakam dirige ses artistes d’une main de maître, avec une poigne, un charisme qui semble joint à un gant de velours. Le sourire toujours franc et le rapport au public aisé, il charme et attendrit. Avec tout son talent, la danse donne à réfléchir sans céder du déjà pensé, en toute subtilité.

Quand la danse exalte la liberté

Avec Merlin Nyakam, elle devient aussi l’emblème de l’expression enfin libérée. Sous un trait de légèreté, les thèmes sont essentiels : la religion, l’image de soi, le rapport à cet autre – si différent mais si semblable – et l’amour. L’amour qui réunit finalement ces cinq personnages qui se déchiraient jusqu’alors – un lama tibétain, une religieuse, un homme de la rue au look de rappeur, un homme en costume et borsalino, et un autre en toge noire. Liberté d’expression est une piqure de rappel pour témoigner des barrières formées par les divergences religieuses. Le reflet de soi, le lien social, l’égocentrisme sont symbolisés, eux, par les danseurs valsant devant leur miroir, pour se rejoindre finalement. « Vous vous croyez seul ? Vous ne l’êtes pas. Vous n’êtes jamais seul » entend-t-on en voix off. La danse réunit ici les corps, les âmes pour partager et unir dans la joie. Pas de pathos, pas d’emphase, seulement un message en guise d’avertissement, un appel où l’humour n’est d’ailleurs pas de reste…Liberté d’expression offre tantôt de franches rigolades et se conjugue, parfois, à l’ironie pour décrier la distension des liens par nos modes modernes de communication – raillant d’ailleurs autour de l’objet « téléphone portable » -. Il accuse notre société d’accroître l’individualisme et de cultiver la différence sans pour autant l’accepter. Le spectacle, lui, l’exalte en l’admettant ; offrant une place primale à la liberté. Liberté d’expression fait valser les préconçus et porte un regard critique, en tendresse et en espoir, sur le monde. Les artistes s’amusent visiblement sur scène, et nous aussi ! Emportés par le flot des messages et de la danse, l’heure de spectacle s’achève bien rapidement ; et le public en redemande, encore... Que le temps se contracte lorsque les instants sont si justifiés, subtils et délicieux!

(crédit photo : Sylvie Martin)

Exilio au Théâtre Gyptis

2007-11-09T03:08:00.000-08:00

Pour ceux qui ne le savent pas encore, le théâtre Gyptis fête cette année ses 20 ans d’existence aux mains de Françoise Chatôt et Andonis Vouyoucas. Vingt ans de vie dans un quartier de Marseille pourtant difficile, vingt ans durant lesquels le théâtre a su conquérir son public, toujours plus nombreux à venir plébisciter la diversité des spectacles proposés. Et cette saison 2007/2008 porte haut et fort les couleurs de la pluridisciplinarité : théâtre bien évidemment, mais aussi musique et danse viennent enrichir ce florilège artistique. Après avoir ouvert la saison avec L’école des femmes - mis en scène par Jean-Claude Nieto - et reçu une première approbation du public, cette nouvelle année théâtrale continue au Gyptis avec Exilio, écrit et mis en scène par Sara Sonthonnax.

Exilio, c’est un plongeon dans le chaos et la déchirure de la guerre d’Espagne et dans les exils forcés des républicains sous le régime de Franco au travers des lettres adressés par ces réfugiés depuis les bateaux hôpitaux Marseillais. « Ce n’est ni une fresque historique, ni un documentaire » explique Sara Sonthonnax, mais plutôt une pièce où l’évocation domine. Un spectacle à mi-chemin entre la lecture théâtrale et la pièce de théâtre où l’humour et l’émotion contenus dans les mots sont rejoint par une interprétation très musicale du texte. Une œuvre qui veut faire réagir sans donner du déjà pensé, sans tomber dans l’illustration ou le psychologique et sans emphase. Pour la metteur en scène, « le respect des écrits est essentiel et la distance et la pudeur sont indispensables ».
Mais Exilio, c’est avant tout un coup de cœur inopiné pour des lettres entendues par Sara en 2004 lors d’une lecture publique au Cercle des catalans à Marseille. Des lettres plus communes que lyriques, des écrits qui, par leur apparente banalité, témoignent plus justement de ce qu’était le quotidien. C’est un coup de foudre mais aussi une irrépressible envie de témoigner de cette guerre trop rarement évoquée dans le théâtre – une guerre dans laquelle la France n’a pas toujours joué un glorieux rôle. « Donner de la voix par l’acte théâtral » précise si justement l’auteure. Redonner vie à ces voix disparues, faire entendre ce qui est resté enterré dans les entrailles des Archives Départementales jusqu’à ce que l’historien Jean-Jacques Jordi les retrouve en 2000.
A Marseille, où la population catalane et espagnole est importante, ce spectacle sera pour les plus jeunes une découverte et pour les autres une immersion passéiste vers un pan méconnu de l’histoire espagnole et française. Quel que soit l’âge, il sera riche d’enseignement et trouve par le hasard de l’actualité une justification toute méritée - le parlement espagnol venant enfin d’accorder la réhabilitation des tombes des républicains.

Ecrit et mis en scène par Sara Sonthonnax de la Compagnie Théâtre et Mémoires, interprété par Alfonso Rodriguez Gelos et Vincent Saint-Loubert Bié, ce spectacle aura lieu du 20 au 24 novembre 2007 à 20h30 le mardi, vendredi et samedi ; et 19h15 le mercredi et jeudi. Réservation au 04 91 11 00 91. A noter : La représentation du 21 sera suivie d’un débat en compagnie de l’équipe de création et de Benito Pelegrin – Professeur émérite des Universités, écrivain, dramaturge, traducteur et chroniqueur -qui témoignera de cet exil forcé qu’il a vécu enfant.

Focus sur la recherche immunologique à Marseille

2007-11-08T07:00:00.000-08:00

Eradiquer le paludisme placentaire

Face à la recrudescence actuelle des cas de paludisme, les recherches s’intensifient afin de développer de nouvelles molécules susceptibles de devenir des vaccins. L’accent est mis sur la prévention des formes les plus graves de la maladie. C’est ce dernier point qu’étudie Jürg Gysin, directeur de l’Unité de Recherche Associée (URA) mixte Institut Pasteur / Université de la Méditerranée Aix-Marseille II, et ses collaborateurs depuis 1996.

Une thématique de santé prioritaire

Le paludisme, maladie déjà connue au milieu du siècle dernier, est toujours aussi présent aujourd’hui. « Les mouvements de populations, le manque de moyens, la résistance du vecteur aux insecticides utilisés et les échecs de la lutte anti-vecteur alternative expliquent en partie cette constante » commente Jürg Gysin. En effet, on observe depuis quelques années l'apparition d'une résistance aux insecticides chez les moustiques et une chimio résistance chez le parasite, et la recherche n'a pour l'instant pas su apporter de solutions complètes. En cause ? Un développement coûteux des médicaments pour les laboratoires pharmaceutiques et des populations concernées majoritairement pauvres.
La situation d’endémie s’explique aussi en partie par une trop forte croyance en l’efficacité d’un hypothétique vaccin salvateur mais « un ralentissement voire un arrêt de la recherche pour le développement de nouveaux composants antipaludiques, en considérant que le vaccin allait apporter la solution a contribué à la persistance du parasite, car finalement la solution est plus compliquée que prévue» concède le scientifique. Le paludisme est ainsi devenu une des priorités de l’Organisation Mondiale de la Santé (OMS). Suivant ses recommandations, l’Institut Pasteur et d’autres laboratoires déploient dans plusieurs pays de nombreuses équipes de scientifiques se consacrant aux différents axes de recherche.

Le paludisme de la femme enceinte

Jürg Gysin est l’un d’entre eux. Avec son équipe, il focalise ses études sur le paludisme placentaire. Mais qu’est-ce que le paludisme ? Maladie infectieuse provoquée par un parasite – le Plasmodium – il est transmis par la piqûre d’un moustique femelle. Il y a quatre espèces dont le Plasmodium falciparum est le plus pathogène. A l’origine d’une véritable épizootie dans les zones tropicales, le laboratoire Marseillais concentre ses recherches sur cette dernière espèce.
La femme enceinte et son fœtus y sont particulièrement vulnérables. En cas d’infection, elle développe une forte anémie et une faiblesse généralisée qui entraînent un retard de croissance du fœtus qui peut compromettre à terme sa survie et celle de sa mère. Tous les efforts de l’équipe, associée à d’autres dans le monde, se focalisent sur l’élaboration d’un vaccin qui protégerait la femme enceinte et le fœtus d’une contamination. Les recherches ont pour l’instant abouti à l’identification des protéines qui permettent au parasite de s’installer dans le placenta et l’on sait que le développement d’anticorps contre cette protéine empêcherait cette installation. Une récente étude porte également sur un antigène parasitaire, le RSP2, impliqué dans le développement de l’anémie chez tout individu impaludé. Un espoir d’enrayer la pandémie se joue à Marseille où les derniers résultats de cet antigène permettent d’envisager des solutions thérapeutiques possibles.

Des candidats vaccins testés sur un primate

« Nous étions le seul groupe avec le CDC aux Etats-Unis à pratiquer cette approche à grande échelle et ce modèle a été utile à bien des égards pour l’étude de la fonctionnalité protectrice d’anticorps » précise l’expert à propos du singe Saimiri ayant servi aux tests. Mais malgré cette voie de recherche innovante « l’éradication du paludisme n’est pas aisé avec les problèmes de la chimiorésistance, l’appauvrissement des populations exposées, les déplacements massifs de population et la malnutrition» ajoute Mr. Gysin. De plus, le parasite mute et les réponses immunitaires protectrices doivent constamment se réadapter, mais Jürg Gysin envisage actuellement une solution possible. Pour autant, mettre au point un vaccin stable à un coût raisonnable n’est pas chose facile et « si on arrivait demain à produire un vaccin ou une immunothérapie, il faudrait sans doute encore du temps avant que cela ne devienne profitable à tous ceux qui en ont besoin ». Les recherches continuent pour enrayer les méfaits du paludisme à Plasmodium falciparum…

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Jürg Gysin : directeur de l’unité de parasitologie expérimentale marseillaise

Après avoir exercé au sein de divers laboratoires d’immunologie parasitaire, en Guadeloupe, à Cayenne, New York et Lyon, Jürg Gysin - arrivé à Marseille sous l’impulsion de la Mission de la Recherche et de la Technologie (MRT) – poursuit ses recherches sur le paludisme. Accueillant des post doctorants, étudiants en DEA, Master ou thèse ; il a pu créer quelques contrats à durée déterminée. Egalement soutenue par la communauté Européenne, l’European Malaria Vaccine Initiative (EMVI), l’Agence Nationale de la recherche (ANR) et quelques groupes américains, l’unité de parasitologie expérimentale marseillaise se révèle être un des acteurs majeurs de la recherche antipaludique dans le monde.

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Le paludisme tue davantage que le sida

Chaque année, deux milliards d'individus sont exposés au paludisme qui provoque 200 à 500 millions de cas cliniques. Selon les estimations de l’OMS, cet agent pathogène entraîne la mort de 1 à 3 millions de personnes par an, soit un enfant toutes les trente secondes en Afrique. La situation semble plus grave encore qu’il y a cinquante ans, lorsque l’OMS pensait éradiquer ce fléau. Les différents laboratoires de recherche continuent leurs investigations sans pouvoir assurer, pour le moment, la naissance prochaine d’un vaccin. A l’heure actuelle, le paludisme cause davantage de décès que le sida.

Le Mexique a fêté les morts à Marseille

2007-11-04T03:30:00.000-08:00

Du 1er au 8 novembre et pour la troisième année consécutive, Marseille a mis le Mexique à l'honneur à l'occasion de la fête des morts. Car à la différence de la France, la période de Toussaint est une joyeuse fête au Mexique. Ce festival, initié par l'acfm (association des cultures Franco-Mexicaines); parrainé par M. Andrès Henestrosa -grand écrivain mexicain âgé de presque 101 ans - soutenu par M. Carlos De Icaza et représenté par Yvan Romero - consul honoraire du Mexique à Marseille - s'annonce être une manifestation riche en partage et création où un point d'honneur est donné à l'interactivité. Invitation directe au voyage pour un véritable plongeon dans les traditions séculaires de la culture mexicaine...

La Toussaint Mexicaine ou comment fêter la mort

"La mort n'est pas triste chez nous" précise Ramon Solano, irrésistible mime mexicain. Le ton est donné...Cette période du début d'automne qui, chez nous en France, respire la tristesse et où le poids de la tradition nous pousse -nous impose presque - à revenir fleurir les tombes et à pleurer à nouveau nos défunts, est une fête au Mexique. Cette fête des morts puise son essence au coeur de la légende de l'humanité. Cette légende qui serait née des ossements des ancêtres mexicains mêlés au sang de Quetzalcoatl - la plus haute divinité aztèque - renfermerait les clefs de la philosophie mexicaine précolombienne qui ne dissocie pas la vie de la mort. La mort est une continuité logique, une sorte de seconde phase de vie qu'il ne faut donc pas pleurer. Depuis ce temps, lorsque l'heure de la Toussaint retentit, on vient faire des offrandes et chanter près des tombes pour fêter les morts. Cette cérémonie s'étendait naguère sur presque un mois offrant d'abord une fête aux enfants disparus - c'est le Miccaihuitontli - les adultes défunts, eux, étaient fêtés quelques vingt jours plus tard - lors du Hueymiccalhuitl. Avec les siècles et les successives conquêtes, ce mythe a évolué pour se nourrir des traditions indiennes et espagnoles qui ont fait fusionner ces deux fêtes en une unique, la Toussaint.

D'étranges créatures animaient le vieux port

Le parvis de l'hôtel de ville et le quai le jouxtant étaient noirs de monde jeudi et vendredi dernier. Il faut dire qu'il y avait de quoi...De nombreux artistes mexicains s'étaient donné rendez-vous pour l'occasion afin de faire le spectacle. Cirque, danse, théâtre, arts de la rue et musique ont fait la fête aux morts devant un public marseillais comblé. Ramon Solano, l'attendrissant mime mexicain, a rendu l'assemblée hilare en mimant tour à tour les attitudes féminines et masculines, en invitant deux spectateurs à monter sur une moto invisible ou encore en imitant tout simplement les passants. Montserrat Diaz, la statue vivante, véritable oeuvre d'art aussi figée que réelle a quant à elle rendu perplexe les plus jeunes : "Et maman, elle est vivante la statue??" entendait-on dire sur un ton naïf et étonné. Les ateliers de création d'objets typiques mexicains, les différents stands et les projections de films sur un rideau d'eau ont rassemblé tout autant de monde, visiblement satisfaits de célébrer la Toussaint autrement. Après une première phase aussi réussie, la Toussaint mexicaine a clôturé avec entrain ses festivités Marseillaises au Théâtre Toursky le dimanche 4 novembre pour continuer du 6 au 7 à Lyon et le 8 novembre à Carnoux en Provence.

Le Toursky à l’heure Mexicaine

Quinze heures sonnaient et le hall d’entrée du Théâtre Toursky s’ornait de toute la gaieté des décors de la Toussaint mexicaine et de toute une ribambelle de personnes venues découvrir cette autre fête des morts. Autel aux couleurs criardes, Montserrat en statue fantomatique et Ramon déambulant avec son chien en peluche, le Mexique avait envahi l’antre du théâtre par son âme bariolée et sa chaleur humaine. Côté cour et côté jardin, au balcon ou à l’orchestre, la salle de spectacle était généreusement remplie. Le spectacle, composé par les quelques trente artistes mexicains présents, pouvait commencer…C’est le groupe Tribu qui inaugura les réjouissances avec leurs musiques et leurs sons oniriques qui ont entrainé le spectateur vers des sphères éthérées, mystérieuses et envoûtantes. Le texte et le théâtre s’invitait aussi à la fête par une lecture théâtrale et dansante de la légende du Quetzalcoatl sur les sons de Tribu. Après cette première création qui a amplement conquis le public, Ramon fit son entrée sur scène et il ne lui fallu pas plus d’une minute pour rendre l’ensemble de l’auditoire rieur et enchanté. Jouant ses grands classiques et improvisant au gré des opportunités, son intermède humoristique satisfit le plus grand nombre. Les festivités allaient se clore par les pérégrinations extravagantes de la troupe Mascaras entre sombras, qui nous présentait un spectacle inspiré des traditions de la Toussaint mexicaine où les géants – protagonistes de l’histoire - mêlaient coutumes mexicaines et humour désopilant, voire grotesque.
Après plus de deux heures de spectacle, les animations ont continué sur la terrasse du théâtre dans une ambiance carnavalesque et typiquement mexicaine – tacos, tortillas et bière « Corona » garantis – pour le plus grand bonheur des petits et des grands ! Non décidemment, fêter Toussaint au Mexique ne manque pas de piquant !!!

Pierrot l'éternel gamin

2007-10-17T11:40:00.000-07:00

Le 16 octobre dernier, le Théâtre Toursky accueillait celui qui réunit les générations autour de chansons douces, pétillantes, malicieuses et dénonciatrices. Pierret Perret – cet ami de Brassens - qui fête cette année ses 50 ans de carrière a littéralement épris les spectateurs de 7 à 77 ans…

Quand le théâtre devient chorale

Du haut de ses 73 ans qu’il porte à ravir, Pierre Perret – Pierrot dans le cœur de ses acolytes - a la bouille tendre et émerveillé d’un gamin espiègle. Débutant son tour de chant par la plus célèbre des cages, celle aux oiseaux, il a d’emblée donné le ton. Enfantin, coquin, mais aussi accusateur, tel serait le penchant de ce concert. De chansons métaphoriques à d’autres revendicatrices, cet être humble et humain a chanté l’amour et l’humour en poésie dans un spectacle résolument interactif. Car Pierret Perret c’est aussi l’échange et la proximité avec son public. Malgré une voix fragilisée par un rhume, il a chanté tant qu’il a pu devant un public marseillais qui l’a ovationné. Répondant aux assauts malins et à l’énergie de l’artiste, le public – enfin sorti de sa timidité - s’est mis à chanter et le théâtre est devenu chorale. Des enfants aux ainés, tout le monde a entonné ses refrains connus que sont Le zizi, Les colonies de vacances, Lily, Mon petit Lou ; mais aussi des chansons récentes dont Liberté Zéro où l’ami Pierre chante les injustices qu’il combat…

« Elle croyait qu’on était égaux Lily, Au pays de Voltaire et d’Hugo Lily »

Mais Lily avait tort et Pierrot le sait bien. Car l’artiste, en poète éclairé, est avant tout près de l’humain et de ses souffrances. Un des rares avec qui la vulgarité et la sexualité deviennent lyrisme, un de ceux qui chantent en clamant les injustices de ce monde, usant de l’humour quand le sujet est grave. Parler de tout en chanson, en tendresse et avec ironie pour « être attentif à la misère des autres et la ressentir avec son cœur et ses tripes ». Pierrot est généreux, sincère, sensible et son public sait le lire dans son regard – reflet de l’âme dit on – à la fois bienveillant, rêveur, réaliste et triste aussi. Il chante l’immigration, la misère, la violence et le racisme avec le chagrin dans la voix mais l’espoir dans le mot, le regard toujours droit devant pour avancer et combattre. Combattre les décadences et les errances d’un XXIème siècle naissant avec la douceur, la délicatesse et l’amour comme fer de lance. Un seul mot : Merci Pierrot!!!

Circo Paradisio

2007-10-15T09:23:00.000-07:00

Circo Paradisio, c’est une troupe de neuf artistes, un ensemble loufoque – quasi psychédélique – qui nous entraîne dans l’Histoire du cirque. Mais l’Histoire du cirque revisitée par Circo Paradisio, ça n’est pas un récit chronologique mais plutôt une fresque désopilante de laquelle on retient que le cirque « ça se transmet de génération en génération ».
Tout commence en 1664 – date bien connu des messieurs selon l’Auguste, animateur pour l’occasion – avec la famille Desjardins. Le premier de la famille entame son tour de piste et ses pseudos descendants feront de même tout au long des 2 heures de spectacle. Funambules volants, trapézistes, jongleurs, chanteurs, danseurs et même une femme sirène composeront peu à peu cette photo de famille des plus étranges. Le ton est plaisantin, très – trop ? – léger, bohème. On s’y moque de la religion – « Et si jamais Dieu existait, il faudrait s’en débarrasser » s’écrie l’Auguste -, on compare les humains aux poules – qui envahissent d’ailleurs le plateau – et les protagonistes parviennent même à rire de leurs propres blagues. C’est un cirque en folie qui a envahi le Toursky en cette soirée d’automne. Une folie qui atteindra son apogée avec le tableau final, digne des dernières minutes du film « The full monty ». Les costumes sont magnifiques, les arrangements musicaux originaux et adéquats, les artistes au sommet de leur art mais l’ensemble pêche par manque de cohérence, de structure. On retiendra néanmoins l’effort esthétique de l’ensemble, le talent des interprètes et le déroutant moment où l’Auguste, hypnotiseur à ses heures perdues, endormira une poule devant des yeux ébahis. On regrettera par contre un humour un peu flasque, parfois trop grotesque, qui laissera perplexe les adorateurs de la subtilité, de la finesse dans le rire.
Circo Paradisio, un spectacle qui, quelques arrangements effectués, pourrait évoluer en paradis du cirque…

La cruche cassée

2007-10-13T03:57:00.000-07:00

Texte d’Heinrich von Kleist, mis en scène par Frédéric Bélier-Garcia et adapté par Arthur Adamov. Théâtre national de Marseille La Criée du 10 au 13 octobre 2007. Durée du spectacle : 1h50.

« C’est qui qui, qui a cassé la cruche ? » s’exclame sur un ton plaisantin le greffier. Telle est la question, véritable épine dorsale de cette farce à la fois rocailleuse, grotesque et subtile. Cette farce qui prend sa source dans une estampe de Debucourt vue par l’auteur lors d’une visite en Suisse. Une œuvre représentant une scène anodine de justice villageoise.
Adam, juge désinvolte et enfantin de la province d’Utrecht, au fort penchant pour le vin et la bonne bouffe, se retrouve en train d’instruire son propre procès. Celui-ci a malencontreusement cassé une cruche alors qu’il s’enfuyait de la chambre de la jeune Eve – fille de la douce folle Dame Marthe - après avoir tenté de la corrompre lors d’une visite nocturne. Mais c’est que cette cruche n’est pas n’importe quelle cruche aux yeux de Dame Marthe. Elle a traversé les époques, les coups du sort sans que rien ne lui arrive…jamais. Il faut punir l’auteur de ce crime. Car à ses yeux, s’en est un ! La venue du conseiller de justice Walter, en tournée d’inspection dans les tribunaux de la région, va rendre périlleuse la situation de ce juge-jugé. Une maudite arrivée pour Adam, coupable de péché mortel, au-dessus de la tête duquel semble flotter une épée de Damoclès. Epée d’ailleurs symbolisé par trois poutres de tailles différentes qui ondoient sans cesse au-dessus du plateau, comme une sentence prête à tomber. La cour se transforme lentement en véritable cirque où le juge épuisera tous les subterfuges possibles pour s’innocenter. Le jeune paysan Ruprecht, vulgaire mais amoureux de la fragile Eve, fera les frais des efforts démoniaques mis en place par celui-ci pour se disculper. Des arguments cocasses, loufoques, souvent sans queue ni tête, qui entraînent indéniablement le spectateur dans une jouissive jubilation. A cour d’inspiration dans son plaidoyer, Adam sera peu à peu découvert, ne pouvant cacher ses blessures et son pied-bot, preuves de sa culpabilité. Cette farce folle aux personnages bien définis et affirmés, s’achève sur un plateau devenu pénombre où Dame Marthe reste là, statique et larmoyante en s’écriant « Ne faut-il pas que justice soit rendue à ma cruche ?! »…Celle-là même qui n’a rien compris au drame qui s’est joué, offre avec un irrésistible humour toute sa place au double sens attribué au mot « cruche » !
Derrière une bouffonnerie de bon aloi, se cache un tête à tête vétilleux et impertinent entre les deux justices – celle de dieu et celle des hommes - et l’auteur du péché. Un procès où Adam et Eve, personnages centraux, procèdent à un véritable jugement de l’humanité. L’homme y est présenté comme sinueux et immoral, la femme comme une victime des travers de celui-ci. Une farce où finalement, Adam et Eve, les deux croqueurs de pomme se retrouvent face aux mêmes contradictions. Celle des bonnes mœurs de l’époque et celle des désirs personnels. Un thème qui prête encore à méditation aujourd’hui…
Sans surprise, cette pièce du dramaturge Allemand Heinrich von Kleist a outré l’opinion lors de sa parution en 1805. Elle est la première pièce de son Œuvre. Un ouvrage inachevé par un décès prématuré – il s’est suicidé avec sa femme à l’âge de 34 ans – où il laisse néanmoins à la postérité huit pièces dont une inachevée. Des œuvres paradoxales, ambigües et bien souvent provocatrices pour un auteur en quête d’absolu. Un absolu qui le conduira à accompagner sa femme dans la mort et choisir en guise d’épitaphe « Maintenant, ô immortalité, tu es toute à moi ! » - vers tiré de sa dernière pièce Le Prince de Hombourg. Sa constante tentative du dépassement et son éternelle dualité entre subjectivité et réel installeront ce maître de l’entrelacement entre l’infini et la barbarie comme un auteur dans la droite lignée de Shakespeare. A raison certainement…

Face de cuillère

2007-10-07T09:29:00.000-07:00

De Lee Hall, texte français de Fabrice Melquiot, mise en scène de Michel Didym. Avec Romane Bohringer.

Samedi dernier, dans la soirée du 06 octobre, c’est une étonnante petite fille qui occupait les planches du Théâtre du Jeu de Paume, à Aix-en-Provence. Cette singulière gamine, c’est Face de Cuillère ou Steinberg de son vrai nom, mais personne ne l’appelle plus comme ça. Au périlleux exercice que celui de jouer une enfant malade, c’est Romane Bohringer qui s’y est attelé, avec audace, générosité et sensibilité sans jamais tomber dans le pathos ou le larmoyant dans cette histoire pourtant tragique.

Un Etre hors du temps

Face de Cuillère, c’est une petite fille sans âge chez qui tout va de travers. Une enfant condamnée dès sa naissance à porter ce drôle de nom en raison de son étrange frimousse ronde. Toujours ailleurs et disposant de facultés « géniales », elle est une sorte de mystère sans réponse que les docteurs qualifient d’autiste. Elle qui pourtant a tant de choses à nous dire, à nous apprendre. Imitant tour à tour sa mère, vouant un culte à la vodka et son père qui se saoule, lui, des effluves du corps d’une étudiante - elle se moque de ce monde d’adulte. Elle qui est à la fois, une gosse, une ado et une femme. Une gosse qui émeut par son langage enfantin, familier, brut et qui nous sert des évidences avec la joie d’ingénieuses découvertes. Le temps ne semble pas effleurer celle que le cancer condamne pourtant à une courte vie. Face de Cuillère n’évoque les faits que dans l’approximation : « Il y a un bail »…comme si le temps devait être oublier. Elle est une incroyable leçon de philosophie. Elle, qui traite du beau, de la religion, de la maladie, de la mort avec ces tics langagiers typiques des adolescents : « Et tout ça », « Tu vois le truc ? ». Face de Cuillère c’est une sacrée môme que la vie n’épargne pas mais qui affronte son destin avec une maturité démente. Une sorte d’Antigone des temps modernes convaincue que « Les choses les plus tristes ça te remplit à fond ». Une adoratrice de La Callas et des chanteuses d’opéra qui finalement s’éteindra en musique, comme elles, ces grandes dames aux bustes prégnants...

Une formidable leçon de vie

Le spectacle s’étire sur plus d’une heure et Face de Cuillère nous prend comme confident, à moins qu’elle ne s’adresse à un ami imaginaire. Quand bien même, elle nous tutoie... Elle est proche et lointaine dans ce décor intimiste et minimaliste. Un décor ou la froideur des couloirs d’hôpitaux se mêle à l’intimité de ce monde intérieur symbolisé par un fond de scène parsemé de nuages. Un univers de « grand » où celui de l’école est tout juste matérialisé par un bureau qui tourne le dos au public, comme si l’école était déjà si loin pour elle. Car nous avons beaucoup à apprendre de cette gosse. Elle qui a compris « qu’il n’y a qu’une chose absolument sûre c’est que l’on est sûr de rien » et « qu’être différent c’est être soi ». C’est une môme avec des questionnements d’adultes qui, dans son malheur, reste convaincu de la beauté de la vie. Parce-que « peu importe comme on meurt, c’est quand même magnifique d’être vivant », tu vois le truc ? Elle a compris que le plus important est de trouver l’étincelle qui donne du sens à tout ça, à ce que l’on nomme la vie. Cette étincelle que même la mort ne peut enlever…notre monde intérieur, notre imagination. Ce « papillon » comme l’appelle si justement Jean-Dominique Bauby dans son livre « Le Scaphandre et le Papillon ». Elle nous prouve que les petits enfants sont bien plus courageux que les grands. Car pourquoi avoir peur de partir alors que l’on n’a pas eu peur de venir ? « Dans la mort, plus rien n’est séparé. On est tout, et c’est rien ! »

Une Romane Bohringer pudique et juste

Dans ce rôle difficile d’enfant malade, où elle se lançait pour la première fois dans l’expérience du monologue, Romane Bohringer est magnifique. Dans son jogging rouge, son bonnet enfoncé jusqu’au bas des oreilles, elle est expressive, fragile, réservée et infiniment juste. L’émotion toujours au bord des yeux, elle avance sereine jonglant habilement avec mélodramatique et humour. Une prouesse de comédien qui vient enjoliver le texte déjà saisissant de l’auteur anglais Lee Hall, traduit ici par Fabrice Melquiot. Dans cette mise en scène dynamique où l’heure passe comme sa moitié, le spectateur est ému par cette force de la nature qu’est Face de Cuillère. On y apprend à parler de la maladie et de la mort avec beaucoup d’ironie et à voir la vie pour ce qu’elle a de meilleur à offrir. « Dans le ménage, je laisserai tomber les étagères où l’on ne va jamais voir » nous dit Face de Cuillère. De cette œuvre théâtrale contemporaine, on ressort empli d’une irrépressible joie de vivre. Conscient que dans la vie, il ne faut donc pas s’encombrer de choses qui ne font qu’éteindre nos étincelles…

L’Odyssée du Danube – septembre 2007

2007-09-30T11:44:00.000-07:00

Il y a des expériences qui nous confrontent de plein fouet à l’incommensurable limite des mots, s’il en est une, je vous présente l’Odyssée…

Un rêve de gosse

L’Odyssée du Danube, troisième volet d’une biennale débutée en 2001 à l’initiative de l’Institut International du Théâtre Méditerranéen, s’est achevé le 15 septembre dernier après quinze jours de navigation entre Vienne et Bucarest. Quinze jours durant lesquels la vieille Europe et les nouveaux entrants que sont la Bulgarie et la Roumanie ont été rassemblé par l’intermédiaire des arts. Quinze jours d’une épopée épique qui nous a amené dans les grandes cités Slaves - Vienne, Bratislava, Budapest, Belgrade, Svishtov - jusqu’à proximité de la mer noire avec la Roumanie. Parmi les quelques cents personnes embarquées à bord, saltimbanques de tout pays – journalistes - hommes de lettres ou politiques, me voici donc, enthousiaste, émerveillée et emplie de la conviction qu’être ici est une chance. Le périple ne viendra que confirmer ce pressentiment. Quel meilleur message en effet que celui de paix à l’heure où la guerre ronge, parfois en silence, certains pays. A l’heure où la bêtise humaine enfle au péril de trop nombreuses vies. Le Theodor Körner, navire fluvial sur lequel nous allons embarquer, est un bateau pour la paix, un vaisseau lumière dans une société fantôme qui porte en lui l’espoir d’un avenir meilleur. Un avenir où l’Homme serait réconcilié avec lui-même et où l’humanité reprendrait sa place centrale pour une intercompréhension entre les peuples…

Plus qu’un drapeau, un symbole

Une première soirée s’est écoulée où chacun a pu prendre ses repères dans les couloirs du Theodor. Ca y est, le départ est proche et tout le monde se presse sur le pont pour observer ce symbolique instant. Après un solennel discours de Richard Martin, directeur du théâtre Toursky, instigateur de ce projet et maître des lieux, le drapeau arborant le message « Un bateau pour la paix » se hisse lentement et en musique à l’avant du navire tandis que celui-ci prend le large. Aurevoir Vienne…Bonjour le Danube…Nous voguons à présent en direction de la Slovaquie. Cette cérémonie passée, l’aventure pouvait commencer forte de son message fraternel et emplie d’un doux effluve de paix qui semble déjà envahir les participants. L’atmosphère n’est que quiétude et chaleur humaine, chacun se parle, se regarde, s’interroge…s’apprivoise. Dans le Panoramic Bar, cet espace cossu affichant sièges en cuir, décorations florales et moquette estampillée « TK » pour Theodor Körner et non pas pour Toursky – fabuleux hasard que le metteur en scène Wladyslaw Znorko ne manquera pas de relever - chacun prend sa place et ce lieu se transforme vite en un univers surréaliste où se chevauchent toutes les langues dans un rocambolesque brouhaha. Français, anglais, espagnol, arabe, allemand, roumain et j’en passe…Comme dirait le rappeur Soprano, nous sommes entrés en « Cosmopolitanie ». Chacun prend ainsi peu à peu sa place ; leader ou suiveur, expressif ou timoré, acteur ou spectateur. Comme une micro société, rassembler des humains dans un bateau pendant des jours constitue un véritable laboratoire d’étude des comportements. Mais fermons cette fascinante parenthèse ! Dans cette ambiance bon enfant, ce navire fluvial, cet inconnu, va se transformer en quelques heures en véritable antre familiale où chacun semble se sentir à son aise. Et ça n’était que le début…

L’art pour l’échange entre cultures

C’est donc dans cette apaisante ambiance que le périple continua, de minutes en minutes, d’heures en heures, de jours en jours…Car il faut savoir qu’ici le temps avait perdu sa montre. Les heures se métamorphosaient en minutes et les minutes en secondes, comme si le bonheur se voulait toujours trop fuyant, trop fugace ! Même les jours avaient perdu leur ordre…Mais quel jouissif abandon que cette perte de repères ! Nos escales étaient rythmées - plutôt trop que pas assez d’ailleurs - entre les représentations de nos artistes embarqués et les cadeaux culturels que nous offraient nos accueillants. C’est ainsi que nous eûmes droit à des instants d’une émotion si forte qu’on peut parler ici d’instants d’éternité. Le spectacle de Richard Martin, Marie-Claude Pietragalla, Julien Derouault, Didier Lockwood et Caroline Casadesus autour de l’enivrant texte de Léo Ferré « La mémoire et la mer ». Une performance où se mêlent avec une symbiose ultime la poésie, la musique, le chant et la danse, donnant au texte encore plus de corps. Ou bien encore au travers des « flammes du désir », spectacle pyrotechnique dansé proposé par Raymond Laub du groupe F et la danseuse Chimène Costa, au sein duquel la femme est sublimée pour devenir l’icône de l’infinie sensualité. Mais aussi, « Rubayat » mis en scène par Maïa Morgenstern qui incarnait il y a quelques mois Marie, mère de Jésus, dans « La passion du Christ » de Mel Gibson. Elle nous présentait ici, accompagnée de son fil Tudor Istodor, cette pièce tragique du philosophe-poète Omar Khayyâm. Cette œuvre tourmentée qui nous entraîne comme un tourbillon dans nos questionnements, nos angoisses les plus profondes. Quelle est ma place dans l’univers ? Pourquoi suis-je ici ? Pourquoi dois-je mourir ? Autant de spectacles pour autant de moments de partage entre les saltimbanques, ces « Odysséens », et les autochtones des différentes contrées traversées. Entre culture du sud et du nord, de l’ouest et de l’est, entre humains tout simplement…

De ces lieux où l’on se promet de revenir…

Les jours se succèdent et au hasard des escales, il y a des lieux qui nous bouleversent. Des lieux où une remise en question, une remise en place de la pensée s’impose. C’est ce que j’ai ressenti, éprouvé même comme une blessure en entrant dans Belgrade et comme un enchantement en foulant l’herbe trempée du port culturel de Cetate. Entrer dans Belgrade (Beograd en serbe translittéré signifiant la ville blanche) procure une bien étrange sensation…C’est à la fois un plongeon direct, sans concession, dans les horreurs de l’histoire et une confrontation avec une pauvreté omniprésente à laquelle se mêle la sensation de voir se dérouler devant nos yeux les images vieillies d’un film en noir et blanc. Belgrade est une de ses villes où la classe moyenne n’existe pas. Quel choc que de voir des murs portant encore les traces de balles, de passer à côté de bâtiments éventrés par les bombes et les noirceurs des anciens feux de haine…De ces anciens feux de la bêtise humaine – qui ne se sont toujours pas éteints. La télévision banalise les images de violence au point que nous en oublions la réalité qui, ici, nous rattrape vite, nous devance même. S’il est bien un endroit où l’Odyssée devait faire escale s’est ici, auprès de ce peuple meurtri qui porte, plus de dix ans après, les stigmates de la guerre. Insécurité nocturne voire diurne, contrôles draconiens des étrangers et méfiance de la part des serbes planent ici, comme si l’éminence de nouveaux affrontements était effective. Belgrade est la ville des contrastes, des paradoxes où les rues marchandes occidentalisées jouxtent les anciennes rues de la ville dévastée, et où les jeunes femmes au look européen côtoient des mendiants aux traits tirés…Après trois jours passés au cœur de cette ville, le cœur gros et l’âme torturée par les visions auxquelles renvoie cette escale, je quitte Belgrade en me promettant d’y retourner. Notre voyage continue en direction de la Roumanie. Pays qui allait nous offrir un fabuleux trésor…Cetate. Cetate a été l’escale mémorable pour l’ensemble des « Odysséens ». Un véritable paradis sur Terre où nous sommes arrivés sous une pluie battante, dans cette sorte de brouillard accompagnant souvent la rive des fleuves par temps de pluie, de ces embruns qui renvoient à des univers enchantés, peuplés d’elfes et de bonnes fées. Ici, ça n’était pas des fées qui nous accueillaient mais de généreux musiciens Tziganes qui jouaient des airs traditionnels sous cette terrible averse, le sourire jusqu’aux oreilles. Quel fantastique accueil, surréaliste même ! Nous débarquions dans la propriété du poète Mircea Dinescu, personnalité Roumaine bien connue ayant échappé de peu à la mort sous le régime de Ceausescu. Cet endroit perdu quelque part sur une rive du Danube, niché au cœur d’une forêt dense où réside de temps à autre des artistes, où les animaux sont légion et où l’amour règne en maître. Un « no man’s land » du bonheur où le temps s’est arrêté, où le premier distributeur de banque est à 30 kilomètres. Un « ailleurs » indicible où un port a même été crée pour l’occasion alors qu’aucun bateau n’avait accosté ici depuis 50 ans. De l’abyssale limite des mots je ne disserterai pas, elle est effective…ici.

Un véritable laboratoire artistique mouvant

Ce sont de ces rencontres fraternelles, de ces lieux uniques, de ces moments partagés que les artistes se nourrissaient pour enrichir les créations de ce laboratoire artistique. Car le Theodor Körner était bien un lieu d’expérimentation où une ambiance onirique venait nourrir les âmes créatrices. Musiques du monde avec l’Orchestre International qui, à chaque escale, proposait son concert, toujours plus étoffé dont les airs ont d’ailleurs envahi nos têtes jour et nuit pendant et après le voyage. Mais aussi, le marathon de la poésie où tout un chacun pouvait venir lire des textes de théâtre, des poèmes…Une rencontre quasi quotidienne qui va donner naissance d’ici quelques mois à une anthologie de la poésie. Ce laboratoire flottant a véritablement fait voguer les âmes et révéler les essences créatrices pour que la musique résonne jusqu’au bout de la nuit, lorsque les novices improvisent avec les musiciens confirmés pour créer et rêver toujours plus, sans limite…Le dramaturge Eugène Ionesco avait bien raison : « Les idéologies nous séparent, mais rêves et angoisses nous rapprochent »…

Fraternité n’est pas qu’un mot

La descente du drapeau dans la nuit du 14 au 15 septembre scelle la fin de l’aventure. Symboliquement l’Odyssée, notre Odyssée de l’humain s’achève ici, maintenant… En cette heure tardive sur ce pont que le vent de la nuit vient rafraîchir, le Theodor Körner songe déjà à son quai d’amarrage. L’émotion est grande, outrancière même et me pousse alors au retranchement. En cette dernière soirée, le Panoramic Bar, le salon de notre nouvelle demeure, nous accueille une dernière fois pour nous offrir un ultime moment de délicieuse fraternité. Nous sommes à Giurgiu en Roumanie, notre dernier port d’attache et nous rejoindrons demain Bucarest d’où nous nous envolerons pour rejoindre nos contrées respectives. Quinze jours se sont ainsi écoulés sur ce bateau devenu, le temps d’un doux rêve, notre maison. Quinze jours entre partout et nulle part. Dans un ailleurs qui n’existe qu’ici, entre ces deux rives du Danube, sur ces eaux magiques, à la fois calmes et tourmentées – généreuses et secrètes qui nous ont transporté aux confins d’un univers utopique, enchanteur et enchanté, qui a sans nul doute réveillé nos cœurs endormis par cet individualisme grandissant. L’Odyssée est un pays sans frontières où toutes les barrières sont levées. Main dans la main, bras-dessus bras-dessous, ceux qui ne se connaissent presque pas s’enlacent déjà dans un tourbillon d’amour fraternel, les yeux rêveurs et le sourire aux lèvres. L’Odyssée du Danube est un Odyssée du cœur, un univers mouvant et sans limite où se rejoignent en chœur tous les possibles ! Inopinément et de manière insoupçonnée, cet Odyssée a révélé une humanité méconnue et bouleversante. Fraternité, partage entre culture, joie de rencontrer cet autre finalement si semblable…j’y croyais comme on croit en un doux rêve…maintenant je le sais, l’Odyssée est un chamboulement qui change irrémédiablement le rapport à l’autre et le regard sur l’humain. Fraternité n’est pas qu’un mot, elle se ressent, se vit, se partage comme un nouveau souffle vers l’éventualité d’un avenir meilleur…

Première foulée pour le marathon de la poésie

2007-09-02T01:37:00.000-07:00

La course est enfin lancée…Une première réunion s’est effectivement tenue, aujourd’hui, au centre culturel de Hainburg, à proximité de Vienne en Autriche. La « Fabrique à culture » (Cultural Fabrik) et Piero Bordin ont reçu l’ensemble des poètes, poétesses et comédiens embarqués à bord du Theodör avec tous les hommages et leur amitié. Dans ce nouveau lieu de la culture en Autriche, les premières pierres ont été posées et scellées dans un élan de fraternité.
Ce marathon, véritable chevauchée poétique, permettra à n’en pas douter aux saltimbanques de faire découvrir les textes de Méditerranée et d’Europe qu’ils portent haut et fort dans leur cœur. Avec partage, fraternité et sensibilité comme maître mot, l’échange poétique interculturel s’annonce artistiquement et humainement riche. Que les frontières politiques, institutionnelles et culturelles s’abattent sous les vers de nos artistes des mots. Que le pouvoir de la rime résonne dans les esprits et les cœurs jusqu’au bout du périple et après…pour la paix et l’amour entre les peuples.

Quelque part au-dessus de la Terre...

2007-08-31T01:52:00.000-07:00

C’est ici que tout commence…Enfin, ça y est nous sommes partis, il est 13h nous nous apprêtons à survoler la Suisse. Premier vol en avion et une incroyable impression de flotter au-dessus d’un champ de coton ou de voir se dévoiler sous mes pieds un paysage recouvert d’une épaisse pellicule de neige dont seules les montagnes viennent ôter la virginité.
Si les nuages peuvent symboliser l’univers du rêve et de nos désirs les plus profonds, ce trajet qui me conduit vers l’Odyssée du Danube commence donc symboliquement dans les airs…
Face à cette immensité nébuleuse, ma première pensée est que nous ne sommes vraiment que des pions…Perdue en plein air, survolant tour à tour les plus hauts sommets des Alpes, le lac de Zurich et les grandes étendues verdoyantes du sud de l’Autriche, on devient à la fois tout puissant et bien peu de chose. Un pion lancé dans l’air et abandonné aux caprices de la nature et de la technique créée des mains de l’Homme…en ce jour de départ pour un rêve, cela me semble aussi effrayant que superflu.
Je ferme les yeux et m’imagine alors hors de cette carlingue. Je flotte librement et trace mon chemin à travers les routes, célestes et sinueuses, que dessinent les nuages. Telle une face cachée, secrète, mystérieuse et insoupçonnée de la planète Terre, ce paysage qui s’offre à moi semble clandestinement habité. Par qui ? Par quoi ? Certainement par la poésie de la nature qui, laissée à sa propre expression, semble dire beaucoup…Dieu que c’est beau la Terre vue du ciel !

"Vie en kaleidoscope" reprend vie...

2007-08-21T12:24:00.000-07:00

Non, non...Je n'ai pas abandonné mon blog! Celui qui me permet d'écrire comme je veux, comme je peux, reprend du service en cette soirée d'août!
Il s'en est passé quelques semaines sans avoir le temps d'écrire le moindre mot et comme à l'accoutumée, cela commence terriblement à me manquer...
Prise et éprise par le projet Odyssée du Danube sur lequel je m'attele depuis maintenant plus d'un mois, le temps m'a manqué pour venir enrichir mon "p'ti média". Mais c'est promis je suis résolument de retour!

Le périple sur le Danube approche donc puisque nous partons dans dix jours maintenant. Mon dieu que l'excitation est grande! Je me sens presque comme une enfant qui ne trouve pas le sommeil la veille de nöel! Les préparatifs s'accélèrent et le projet a bien pris forme...Beaucoup de travail, d'acharnement (de fatigue aussi)...mais surtout beaucoup de fierté finalement de contribuer et participer à un tel projet, incommensurablement riche sur le plan artistique et humain. Dans la masse de travail que l'Odyssée représente, je n'ai pas oublié la beauté de cette initiative fraternelle et surtout que sans certaines personnes, je ne serais pas de la partie! Alors encore une fois...Merci!

Au fil des escales, j'essaierai donc de vous retranscrire mon quotidien sur le bâteau, mes ressentis, les temps forts, les rencontres...Comme un carnet de bord, j'essaierai de vous faire vivre ce qui sera pour moi une expèrience résolument unique. De celles qui restent à tout jamais gravées dans l'esprit, dans le coeur. Une aventure qui, à n'en pas douter, viendra nourrir mon âme, modifier ma vision de l'humain et ouvrir toujours plus le champ des possibles...

Le caméléon Nosfell envoûte Le Poste à Galène

2007-07-05T08:04:00.000-07:00

Labyala Fela Da Jawid Fel, plus communément appelé Nosfell, artiste éclectique et mystérieux, âgé d’à peine 28 ans s’est déjà incarné comme un guitariste hors pair et comme une emblème de la nouvelle scène rock alternatif Française. Le 27 juin dernier il était parmi nous à Marseille, venu envoûter les planches du Poste à Galène…

Un univers fantasmagorique

Nosfell, fils de Lugina, l’une des sept forces de l’île de Klokochazia, est un Être des plus atypiques. Une véritable énigme qui fait de lui un musicien à l’aura démentielle. A chaque concert, à chaque nouvelle chanson, il nous entraîne dans son univers psychédélique perdu dans les contrées du pays de Klokochazia. Klokochazia, cette île entourée de plusieurs petits îlots, bouts de terres non gérés par des hommes, mais par leur propre histoire. Cette histoire prend vie sur scène, au travers des paroles de Labyala Nosfell, « celui qui marche et qui guérit ». Car Nosfell est autant chanteur que conteur. Et ce n’est pas sans plaisir que le public se délecte des intermèdes narratifs qui escortent ses chansons. Ses chansons où le Klokobetz, langue de Klokochazia, se mêle allègrement à l’anglais et au français. « On n’y comprend rien », diront peut-être certains. Mais l’important n’est pas ici de comprendre, mais de percevoir et de s’approprier comme l’affirme l’artiste. Un univers où l’imaginaire de chacun peut donc résonner en toute liberté.

Une « bête » de scène

Mais Nosfell n’est pas qu’un chanteur…Aussi habile avec sa voix, ses instruments que son corps, il est une véritable bête de scène qui captive partout où il passe. Lui qui a d’ailleurs déjà fait les premières parties de Tryo ou bien encore des Red Hot Chili Peppers. Véritable caméléon vocal déambulant sur scène tel un reptile, il impressionne autant qu’il peut faire peur. Sa voix tantôt virile peut, le temps d’un accord, se muer en voix féminine ou enfantine. Capable d’enchaîner vocalises d’une finesse époustouflante et cri guttural au son de la guitare…Est-ce que cette voix sort bien de ce corps ? Pourrait-on se demander tellement ces mutations lui semblent aisées. Dans cette valse sonore, on passe de paroles slamées à du beat box pour revenir à un rock, puissant et féroce. La musique de Nosfell, tel un tourbillon, se vit et transcende. Maître de « l’auto-sampling », il boucle ses voix et les instruments en direct pour une expérience acoustique toujours renouvelée. Non décidemment, ce drôle d’animal venu d’une étrange planète mérite bien les applaudissements qu’il récolte…

Vous pourrez redécouvrir ou découvrir cet artiste hors norme lors des nombreuses scènes qu’il va ensorceler à partir de cet été. Retrouvez toutes ses dates sur son myspace : http://www.myspace.com/nosfell

Max Black : un concerto pour explorateur effréné

2007-07-05T03:24:00.000-07:00

Hier soir encore, le festival de Marseille nous offrait un de ces joyaux du théâtre contemporain aussi saugrenu qu’ingénieux au travers du nouveau spectacle de Heiner Goebbels, Max Black. Heiner Goebbels, celui-là même qui nous exposait l’an passé Eraritjaritjaka reçu alors avec succès, en remet donc une couche aux côtés de son acteur fétiche André Wilms. Embarquement pour un peu plus d’une heure dans le cerveau black de Max…

Une machinerie de l’esprit

Max Black, scientifique Russe ayant réellement vécu, est la trame de ce système tortueux offert à nos sens. Non seulement à la vue, mais aussi à l’odorat, l’ouïe…le toucher presque. Max Black est une machinerie de l’esprit élégamment portée par les écrits de Paul Valéry, Ludwig Wittgenstein et Georg Christoph Lichtenberg. A la question : Que fais-tu tout le jour ?, Paul Valéry répondait : « Je m’invente » et Max Black, en philosophe pyromane, s’invente au fil de sa mathématique visionnaire, de ses lectures et de sa machinerie infernale, véritables stigmates de sa pensée alambiquée. Max est une sorte de génialissime professeur fou, enfermé dans son laboratoire aux allures invraisemblables d’un vivarium, de cabaret des 50’s et d’un entrepôt abandonné. Affairé à la recherche de la vérité universelle, il enchaîne ses réflexions à une rapidité démentielle, les mots fusent, filent et s’enfuient. Témoins des entrelacements de son âme et de sa pensée psychédélique. « Je fais tout vite ou je ne fais pas » nous confie t-il. Tel le feu, la pensée de Max Black est fugace, insaisissable car « La nature a horreur du vague ». Les choses n’existent que dans l’immatérialité, l’instantané…et là se trouve les secrets du monde et les mystères de l’Homme.

Un engrenage bien ficelé

« Max Black c’est assez rock’n roll » concède donc André Wilms, oui mais un rock dont les pas sont comptés. Tout dans cette machinerie déstabilisante est orchestré avec génie et dextérité. Des sons énigmatiques, aux effets de lumière en passant par les diverses animations pyrotechniques, tout est synchronisé à la seconde près. Avec Heiner Goebbels comme maître d’œuvre tout s’anime comme par enchantement, les paroles, les objets, les feux, les ombres et les sons. Ces sons, tantôt fait de bric et de broc en frottant un archer sur le bord d’un vinyle, tantôt rappelant l’atmosphère anxiogène des films de Kubrick, nous entraînent dans le bouillonnement de Max. Les carreaux lumineux s’allumant de temps à autre au sol, véritable échiquier à taille humaine, venant certainement nous rappeler que nous ne sommes que des pions et que la vérité universelle, telle le feu, est pour nous imperceptible. Sur ce plateau désordonné, qui finalement ne l’est pas tant, André Wilms a littéralement mis le feu aux planches, au sens propre et figuré. Heureux de profiter de la liberté formelle que lui offrent les œuvres de Goebbels, il met visiblement tout son cœur à l’ouvrage. Nous regretterons juste l’utilisation du micro, dont la nécessité peu avérée altère la voix du comédien et par la même le réalisme du ton. Mais dans les rouages d’un spectacle aussi bien mené, il faudrait bien plus pour mettre de l’huile sur le feu…

Dawta Jena & Urban lions célèbrent la musique

2007-07-04T07:51:00.000-07:00

Une petite vidéo de Dawta Jena & Urban Lions, groupe dont vous pouvez toujours retrouver l'interview de Jena, leur leader, dans la rubrique du mois d'avril. Cette séquence de concert prise lors de la fête de la musique, vous donne un avant-goût de la chanson phare de leur nouvel album Halleluhjah...N'hésitez plus, il est dans les bacs!!!

Tosca : de Rome à Peynier

2007-07-03T11:33:00.000-07:00

Pour cette deuxième édition des Nuits musicales de la Sainte-Victoire, le village de Peynier a reçu six soirées avec un point d’orgue les 28 et 30 juin lors de la représentation de Tosca en version de concert, Eve Ruggieri dans le rôle de récitante. Un moment magique dans un décor aussi mystérieux qu’envoûtant…

Un théâtre hors pair

Une forêt énigmatique dans les hauteurs du pays d’Aix, une forêt dense au pied de la montagne Sainte-Victoire, cet amas rocheux qui a inspiré tant d’artistes. Et là, posé en plein milieu un théâtre de verdure, orfèvrerie paysagère qui opère la rencontre entre l’art et la nature. Les Nuits musicales de la Sainte-Victoire, ce tout jeune festival, c’est la rencontre de l’art lyrique et d’un lieu atypique. Un de ces endroits où l’on s’attend à voir une fée clocheter derrière le tronc d’un arbre centenaire, un de ces endroits où le talent est forcément au rendez-vous. Séduit par ce projet atypique Christian Burle, maire de Peynier, a alors mis tout son enthousiasme dans sa réalisation. Et cette année, Eve Ruggieri, personnalité du petit écran qui a voué sa carrière à la découverte de la musique est venue soutenir le projet. Cette voix coutumière, pour les épris de grandes œuvres lyriques, est venue nous conter l’histoire de Tosca tandis que l’orchestre de l’Opéra national de Lviv en Ukraine et son chef d’orchestre Grigori Penteleitchouk débarquaient en France pour nous offrir tout leur talent.

A la découverte de jeunes talents

A leurs côtés, de jeunes talents, déjà connus ou en voie de le devenir. Une occasion unique pour eux de partage avec le public dans cette atmosphère qui se veut intimiste. Une première Tosca même pour le cadet de notre quatuor, Andeka Gorrotxategi-Azurmendi. Un jeune espagnol de 29 ans à la tessiture de ténor, casté il y a quelques mois par Eve Ruggieri au Cnipal (Centre national d’insertion professionnelle d’artistes lyriques). Une voix rêvée pour ce rôle de Mario Cavaradossi, peintre dont la cantatrice Floria Tosca est éprise. Car la Tosca de Giacomo Puccini, c’est tout d’abord une histoire d’amour à mort. Un amour impossible qui mènera la cantatrice Tosca jusqu’au suicide. Tosca, opéra en trois actes, créé le 14 janvier 1900 au Teatro Costanzi à Rome et troisième œuvre de l’artiste Puccini constitue la première tentative qui relève du Vérisme. Le Vérisme, ce mouvement artistique Italien de la fin du XIXème qui rejetait tout idéalisme. Ainsi, de Rome à Peynier, un siècle d’histoire plus tard, Mario Cavaradossi et Floria Tosca (Adina Aaron) ont enthousiasmé le public de ce théâtre de verdure par la puissance et la justesse de leurs voix. Seul un Imer Katcha avec une voix un peu affaiblie, dans le rôle du baron Scarpia, a alangui la performance. Mais dans ce lieu surprenant, véritable invitation au lyrisme, la musicalité de l’œuvre de Puccini et le talent partagé l’ont néanmoins emporté. Nous souhaitons donc de longues années d’existence à ce festival qui se veut un appel à la découverte de l’art lyrique avec un prix d’entrée unique de 20€.

Konnecting Souls

2007-07-02T12:19:00.000-07:00

L'an dernier, Franck II Louise proposait 1st Konnexion dans le cadre du festival de Marseille, un spectacle reçu alors avec succès par le public. Pour cette douzième édition du festival, le danseur et chorégraphe a transformé l'essai avec Konnecting souls présenté au parc Henri Fabre. Un spectacle "ovni" utilisant avec brio le talent des danseurs et les potentialités offertes par les technologies numériques.

S'éloigner du hip-hop pour mieux l'étudier

Franck II Louise, aujourd'hui installé à Marseille, est un pionnier de la scène hip-hop en France. D'abord danseur, il s'adonne rapidement à la composition musicale en tant que DJ et créera des musiques pour les plus illustres compagnies hip-hop. Se lançant dès 1998 dans la création chorégraphique, l'envie de lier ses deux passions que sont la danse et la musique s'imposera naturellement d'elle même. Cette singulière envie devenue forte obsession ne le quittera plus. S'éloignant alors de la culture hip-hop dont il est issu, il entamera ses recherches en tant que chorégraphe. Ses deux premières compositions Instinct Paradise et Drop It, où le maître II Louise sera à la fois chorégraphe et compositeur, seront un véritable succès et pousseront l'artiste à expérimenter plus encore l'alliance du mouvement et du son. "Un corps qui danse est un corps qui chante, mais muet. J'avais besoin d'entendre plus que ça" déclare celui-ci. A ce désir d'une plus grande musicalité du mouvement, les technologies numériques sont venues rendre un fier service. Six ans de recherche avec l'IRCAM (l'Institut de recherche et de coordination acoustique/musique) ont néanmoins été nécessaires pour mener à bien cette aventure hors du commun où danse et musique sont en parfait équilibre. Les différents capteurs en place et le geste devient note. Un système qui n'est pas novateur puisque des tentatives ont été expérimenté par d'autres danseurs, chorégraphes ou performeurs, mais un projet mené avec conviction et à la sueur de leurs fronts après des heures de réglages pittoresques et de répétitions pointilleuses.

De l'animalité à l'humain androïde

Dans ce spectacle irrémédiablement singulier, Franck II Louise nous propose un humain à la fois animal et robot. Bestial dans ses déplacements au ras du sol, déambulation proche de celle du singe. Robot par l'arsenal de câbles et de capteurs qui recouvrent la peau de ces danseurs. Une dualité abordée avec audace dans cette pièce qui offre une conception nouvelle de la danse hip-hop. Une conception bien éloignée du hip-hop tel qu'il est né dans les ghettos noirs New-yorkais, comme une danse qui mêle aspects festifs et revendicatifs. Ici Franck II Louise se sert du hip-hop pour sublimer les corps et pour qu’ils se transforment en véritables human beat boxes. Equipés de capteurs de mouvements, les quatre danseurs créent les sons en temps réel pour un rendu époustouflant, voire invraisemblable dans les premières minutes de représentation. Les sons créés s'apparentent alors à de vraies mélodies, à du beat box ou bien encore à des bruits que l'on croirait sortis de la bouche de primates. Un spectacle impressionnant tant sur le plan artistique que technique où les danseurs sont au sommet de la maîtrise de leurs corps. Pas un faux pas, pas une fausse note! Littéralement embarqué sur un vaisseau ovni, le public ne voit pas passer l'heure de spectacle. Dans l'univers du maître II Louise, le temps a perdu sa montre et l'homme est devenu mutant, à la fois tout puissant sur son art et rendu à son état primaire. Danse et théâtre se mêlent donc dans ce rendez-vous chorégraphique d’un nouveau type où la recherche ne se limite pas la danse mais aux thématiques abordées. Konnecting souls, pour des âmes connectées...Entre elles? Avec les corps et la musique? Avec le public? Dans cet univers inédit et surprenant oscillant entre celui du reportage animalier et celui de Matrix, à vous de choisir...

crédit photo : Agnès Mellon

L'important c'est d'aimer...

2007-07-01T10:49:00.000-07:00

Il y a des périodes où l'encrier est vide et d'autres où les idées fusent et nous assaillent sans prévenir, en voici une...Une qui m'a surpris et a jailli dans ma tête dimanche dernier dans ma salle de bain (comme ça vous saurez tout...). Une idée qui ne m'a pas laché jusqu'à cet après-midi où le temps m'a permis de lui donner vie. Envie donc de tenter d'écrire un poème avec les titres de chansons qui me touchent ou m'ont touché, des chansons qui ont jalonné ma vie jusqu'à présent. Après une petite sélection bien obligatoire, voici le résultat (sans trop de surprise finalement pour moi quant à la signification finale)...mais je vous en laisse juge. Bonne lecture!

Une lettre à France où c'est un peu la zizanie,
une lettre à une France décalée où l'on a pu mourir pour des idées.
J'accuse l'homme pressé d'avoir perdu son sixième sens,
de ne plus rêver et de ne choisir entre vivre ou survivre.
Personne ne sait où l'on ira,
mais c'est une belle journée.
Un instant suspendu dénué de temporalité.
Encore un matin ou un samedi soir sur la Terre
Et alors...Qui sait? Qui saura de quoi demain sera fait?
Moi dans ma soif de la vie, j'ai tout oublié.
Allez viens! Soyons zen...
Les copains d'abord et un zeste de courage
3 nuits par semaine et encore & encore,
même à bout de souffle on continuera en chantant...
notre chanson pour l'Auvergnat.
Souvenir d'enfance mais des souvenirs devant!
Même si de temps en temps, mon sos d'un terrien en détresse vient demander à la lune de nous souffler un mistral gagnant,
il y a des moments où l'on y peut rien.
Moi j'ai choisi de vivre et lutter jusqu'au bout de mes rêves...
Les mots dans le coeur, dans la peau comme une question d'équilibre.
Sans contrefaçon, l'important c'est d'aimer!!!

Odyssée du Danube : Une épopée pour la paix

2007-06-29T02:07:00.000-07:00

Cela fait un bon moment que je n'ai pas trouvé le temps d'écrire et là ça n'est vraiment plus possible...Trop énervée de ne pas prendre le temps, trop envie de revenir tapoter sur ce petit clavier! Durant ce mois de juin, dieu sait qu'il s'en est passé des choses pourtant! Mes premiers pas derrière un micro de radio, dix petits jours de vacances pour un retour aux sources et des vadrouilles deci-delà, mais surtout une nouvelle qui m'a fait hurler et sauter de joie un certain lundi de juin...

Il y a des fois où l'on a l'impression que la vie ou je ne sais quoi vous fait un énorme cadeau...et là, pour moi, c'est un peu le cas! J'aurais pu faire un simple article de présentation de ce projet d'Odyssée 2007 qui me ravit, m'enchante au plus haut point...mais je suis trop emballée, impliquée mais surtout trop reconnaissante pour me limiter à ça...Alors ce sera une présentation de projet à vous lecteur afin que vous preniez connaissance de la ferveur qui anime cette escapade poétique sur le Danube, mais aussi un article en guise de grand merci à ceux qui me permettent d'y participer! Je sais que pour les personnes qui se reconnaitront en lisant ceci, ce qu'ils ont fait n'a rien d'exceptionnel, mais pour moi sincèrement si...Merci de m'avoir appuyé et soutenu en valorisant mon travail, merci de croire en moi et de m'offrir cette chance! Plus globalement, merci de considérer autrui comme une fin et non comme un moyen ou un quelconque faire valoir, comme c'est bien trop souvent le cas! A vous qui vous reconnaissez...MERCI!!!

L'Odyssée 2007 sur le Danube est la suite logique des deux précédents Odyssée en Méditerranée de 2001 et 2003. Un véritable "prolongement légitime" comme le dit Richard Martin, directeur du théâtre Toursky, qui suit les même pistes de réflexion autour des enjeux de la création théâtrale contemporaine et sur le rôle de l'artiste à l'aube de ce troisième millénaire. Le "Theodor Koërner", navire fluvial sur lequel nous allons embarquer, accueillera ses passagers le 1er septembre et partira de Vienne le lendemain pour quinze jours de navigation jusqu'à l'arrivée à Bucarest le 15 septembre. Six pays traversés pour neuf escales au total (Vienne, Hainburg, Bratislava, Budapest, Belgrade, Turnu Severine, Cetate, Svishtov et Giurgiu/Bucarest). Neuf rendez-vous organisés entre la population locale, les artistes locaux et les saltimbanques embarqués à bord. Neuf rencontres qui se veulent humaines et fraternelles pour rapprocher les nouveaux entrants dans l'Europe des anciens de ce vieux continent, connecter l'art à l'espoir et finalement unir l'humain à l'humain dans un élan de paix et d'espérance. Voici l'engagement et le projet idéaliste de cet Odyssée. Une aventure mise en place par l'IITM (Institut International du théâtre Méditerranéen), organisme né en 1990 en réponse à l'appel prononcé par José Monleon à Mérida. Un appel qui a placé le théâtre contemporain et l'art en général au centre de notre dynamique historique actuelle quelque peu difficile. L'art comme espace de dialogue, comme une voie ouverte pour une voix collective. L'art pour sublimer nos différences et en exalter la richesse autour d'un projet commun, ou comme le dit si bien Richard Martin : "L'art [...] pour convertir en acte l'immense générosité de nos différences [...] là pour cimenter nos utopies et nos rêveries".

Un projet artistique et humain de la première heure et de la première importance à une époque où la guerre fait rage par le simple non respect de son prochain et par la non acceptation de la différence. Cette différence à laquelle la poésie et l'art veulent rendre sa superbe, bien loin de l'égoïsme de nos sociétés, pour une culture indivisible et fraternelle. Une aventure qui, par son engagement, a déjà mobilisé de nombreux partenaires mais qui a encore besoin de la contribution de ceux qui se sentent investis d'une mission similaire pour être encore mieux portée. Pour plus d'information : http://odyssee.unbateaupourlapaix.org/ ou http://odyssee.iitmfrance.org/. Par mail à iitmfrance@free.fr.

Le Scaphandre de Jean-Do

2007-06-10T02:26:00.000-07:00

Le Scaphandre et le papillon, film de Julian Schnabel, est enfin arrivé dans nos salles le 23 mai dernier! Sacré au festival de Cannes par le prix de la meilleure mise en scène, ce film sensible, juste et criant d"humanité n'est pas sans rappeler Mar adentro d'Alejandro Amenabar ou bien encore Je vous demande le droit de mourir de Vincent Humbert. Un film à voir d'urgence!

Un travail de longue haleine

Jean-Dominique Bauby, communément appelé Jean-Do par ses amis, a vu sa vie basculer le 8 décembre 1995. A l'époque, journaliste et rédacteur en chef du magazine féminin ELLE mais aussi père de deux enfants, il est victime du locked-in-syndrom à la suite d'un accident cardio-vasculaire. Le locked-in-syndrom, terme utilisé par Plum et Posner à partir de 1965, est une pathologie rarissime qui entraîne une incapacité à se mouvoir sur l'ensemble du corps et une impossibilité à communiquer. D'où une situation d'enfermement au-dedans puisque le patient, dans la majorité des cas, reste totalement conscient de son état mais demeure emmuré dans son propre corps. Hospitalisé à l'hôpital de Berck à l'âge de 44 ans, il conserve donc toutes ses capacités intellectuelles. Ne voulant se résoudre à cet enfermement qu'il n'a pas choisi, il échafaude rapidement le projet d'écrire un livre. Ouvrage qu'il pourra réaliser lettre par lettre par le langage codé de sa seule paupière restée mobile. Un travail de longue haleine et de patience tant pour Jean-Do que pour Claude Mendibil, celle qui lui permettra de mener à terme ce projet en lui épelant plusieurs fois par jour cet alphabet dans lequel il pourra choisir ses lettres. Un alphabet mis en place par l'orthophoniste de Berck qui classe les lettres par ordre décroissant d'utilisation : E, S, A, R, I, N, T, U... C'est en novembre 1996 que le livre est enfin achevé pour le plus grand bonheur de nos deux protagonistes. "Jamais je n'aurais pu écrire une ligne de plus" avoue Jean-Do, soulagé, à Claude Mendibil. L'ouvrage paraîtra le 6 mars 1997 et Jean-Dominique Bauby s'éteindra trois jours plus tard. Ayant certainement dit tout ce qu'il avait à dire...Le Scaphandre et le papillon sera le succès littéraire de l'année 1997. Traduit dans plus de trente langues et vendu à plus de 370000 exemplaires dans le monde entier, ce livre allait bouleverser bon nombre de lecteurs.

De l'écrit à l'image

Ce fut le cas pour Julian Schnabel qui décida de le mettre en image. "La boucle est bouclée" s'écrie, satisfaite, Claude Mendibil dont l'expérience a bouleversé sa vie. Elle, recrutée alors par les Editions Robert Laffont pour son calme, sa douceur et sa patience, s'étonne aujourd'hui de devoir arpenter le tout Paris à la recherche d'une robe satisfaisant les exigences des marches Cannoises. Car le film primé à Cannes mérite bien ses lettres de noblesse. Sensible, humain, réaliste et émotionnellement juste, il évite allègrement l'écueil du pathos qui vient bien souvent alourdir cette thématique déjà difficile. Mathieu Almaric dans la peau de Jean-Do est criant de vérité dans ce rôle pourtant pas aisé. Les angles de prise de vue installent avec génie et délicatesse le spectateur à la place de Jean-Dominique Bauby. Nous devenons lui avec une réelle sensation d'étouffement, d'enfermement et d'énervement qui saisie aux tripes. En tout cas, ce fut l'effet produit sur moi...Saisissant, dérangeant, émotionnellement fort mais un film dont on ressort avec une incommensurable envie de vivre, conscient que nos petits bobos quotidiens ne sont que bien peu de choses. Comme un apprentissage forcé et cynique de la détresse...Mais comme le dit Jean-Do : "Faut-il la lumière d'un vrai malheur pour éclairer notre vraie nature?". Pour cet homme, tel un naufragé échoué sur les rives de la solitude et du silence, les mots sont à la fois tendres, ironiques, sarcastiques, désenchantés mais toujours intenses, sincères et beaux. Des mots qui vous enserrent le coeur dans un scaphandre commun mais dans lequel le papillon vous rend le sourire. Ce papillon, seule échappatoire à ce scaphandre. Ce papillon que sont l'imagination et la mémoire. De ce voyage aux confins de l'humain, de l'histoire de cet être que le destin a fait chavirer aux confins de la vie, nous en ressortons irrémédiablement touchés. Un film qui, sans pour autant tirer des larmes aux spectateurs, prête à réflexion au sortir des salles obscures. Une rencontre avec Jean-Do...pour une rencontre avec soi-même...

Pour plus d'informations :
- sur le locked-in-syndrom --> http://alis-asso.fr/
(Association du locked-in syndrome, créée en mars 1997 par la volonté et l'énergie de Jean-Dominique Bauby)
- pour lire le livre --> voir aux Editions Pocket ou Robert Laffont

Parfum de Cannelle à la Gare Franche

2007-06-03T03:21:00.000-07:00

« La Gare Franche ouvre en grand » tel était le titre affublant leur affiche…et c’est bien le moins que l’on puisse dire ! Bel espace avec des volumes généreux pour une acoustique hors pair. De quoi permettre de prometteuses et audacieuses mises en scène !

Un lieu insolite et enchanteur

La Gare Franche, lieu d’expérimentation artistique niché au coeur des quartiers nord de Marseille, a enfin été inauguré. Acquise depuis 2003 au chef de gare et capitaine de la compagnie du Cosmos Kolej (comprenez chemin de fer du cosmos en Polonais) Wladyslaw Znorko, il l’a depuis réhabilité pour en faire un lieu où « pour peu que l’on sache regarder, le quotidien pourrait devenir merveilleux ». Implanté dans un no man’s land au confins du 15ème arrondissement sur une zone dite sensible, le théâtre se veut avant tout social. Dans ce théâtre, il y a de la place pour tous ! Perché entre une usine désaffectée et une ancienne maison de maître, ce lieu synonyme de rupture et de paradoxe semblait tout particulièrement destiné au personnage qu’est Znorko, à la fois fantasque, invraisemblable mais terre à terre. Un lieu qui promet de belles aventures humaines pour une approche humaniste et populaire du théâtre.

Une senteur enivrante

Ce sont Les boutiques de Cannelle qui était à l’affiche en cette fin de mois de mai. Un spectacle proposé ici par la Théâtre Massalia et celui du Merlan, mais d’ores et déjà représenté sur plus de dix scènes en France et à l’étranger. C’est Wladyslaw Znorko, chef de cette gare, qui en assurait la mise en scène d’après l’œuvre originale de Bruno Schulz et assurément il y a mis toute sa rêverie et toute sa folie ! Les boutiques de Cannelle se déroule au sein d’une ville réelle et rêvée. Un couple de commerçants se rend au théâtre un dimanche avec leur fils lorsque le père, ceci dit défunt, a oublié son portefeuille. Son fils part alors le chercher mais se voit transporté dans une drôle de dimension parallèle. La ville et ses rues ont changé, plus rien n’est à sa place. Oubliant ainsi sa mission, il redécouvre cette ville qui est en fait la sienne, la ville de ses rêves, son univers intérieur ! Le public est alors convié à l’exploration progressive de cette cité, loufoque et surréaliste, et assiste à l’émerveillement de cet être face à sa soudaine liberté.
Dans cet univers abracadabrantesque que l’on ne saurait dater, tous les repères ont été effacés. Suspendu entre Alice au pays de merveilles et La petite maison dans la prairie, à la fois contemporain et rétro, le temps a ici perdu la tête. Les évènements s’enchaînent sans logique aucune, les langues se conjuguent…Français, Italien, Allemand…pour n’en former qu’une seule ! Pour Znorko, « c’est un théâtre à ne pas prendre aux mots tant le langage est imagé ». Et la réalité est en ce lieu réinventée au gré des rêveries de chacun.
« A la Gare Franche le climat, la lumière, les sons et les odeurs ne sont pas du tout les mêmes qu’ailleurs. Même le temps s’écoule différemment » nous avertit le maître des lieux. Les nombreux effets scéniques viennent en effet servir ce monde d’illusion avec majesté et finesse. Plateau délicatement enfumé, lumières oscillant entre ambiance saloon et cabaret et bruitages plus que réalistes en font un spectacle esthétiquement magnifique ! Mais cette âme Slave qui tend à réunir mémoire et imaginaire, réel et chimère, rend la compréhension parfois difficile. Toutefois y a-t-il ici quelque chose à comprendre ou chacun peut-il au gré de son héritage y apporter sa signification ?
La Gare Franche nous propose ainsi une pièce enivrante au titre lui-même trompeur puisqu’il ne s’agit pas de l’épice Cannelle, mais de la couleur Cannelle que prennent les devantures boisées usées par le temps. Un spectacle qui saura indubitablement séduire les pensifs et multiples songeurs éveillés, mais qui prend néanmoins le risque de rebuter les adeptes d’un théâtre plus formel ! Dans cet espace de liberté, à vous de faire le choix…

Histoire de mon corps (Théâtre du Tétard)

2007-06-01T03:17:00.000-07:00

Hervé Guibert, journaliste homosexuel et séropositif décédé à l’âge de 36 ans des suites d’une tentative de suicide, a marqué son court passage ici-bas par son arrogance, son narcissisme, son entêtement…peut être tout simplement par son incroyable franchise. Histoire de mon corps est celle de sa vie, de sa lente déchéance, de ses périodes de doute, de dépression et de complaisance dans ce mal. C’est le journal d’un Etre duel à la psychologie complexe qui, plus de dix ans après sa mort, fascine autant qu’étonne. Un Etre qui, abandonné par ce corps qui l’entraîne inexorablement vers la mort, décide d’en raconter l’histoire puisque sa vie spirituelle demeure à présent liée au devenir de celui-ci.
Cette pièce, à l’image de l’auteur, est emplie d’un humour brut, à froid, sans concession. Un humour qui se joue de tout et même de la mort, un humour qui fait rire autant que pleurer. Cette œuvre est le parcours de cet ange déchu, promu à un brillant avenir, si la vie n’en avait pas décidé autrement. Histoire de mon corps est un conte cruel, celui de sa vie…de la naissance à la mort. Des moments de douceur, souvenirs de la petite enfance où le rapport à ses parents n’était qu’amour et volupté. Une époque où son corps n’était que bien-être en opposition franche avec les douleurs provoquées par les traitements contre le sida. Un lien qui, avec les années, se transformera en une rancœur et une haine froide où Hervé s’imaginera même à plusieurs reprises les tuer pour être libre. Puis arrive la période ingrate de l’adolescence, celle où l’on se cherche. La découverte d’une homosexualité devenue évidente ; la difficulté d’en parler à ces parents, devenus plus étrangers que de véritables inconnus. Son mal-être grandissant avec l’âge, il sera à la fois tourmenté par ses successives conquêtes et complaisant dans cet équilibre toujours bancal.
Ecrivain, journaliste et photographe, son premier amour restait néanmoins l’écriture. Cette nécessité de trouver le mot juste, celui qui donnera le ton, le réalisme à l’émotion, ce mot unique qui seul à sa place dans cette phrase. Cette passion de la littérature où lire quelques lignes d’un livre puis le refermer procure une jouissance indescriptible, cet amour des mots qui plus que tout donne le sentiment d’être vivant ! Hervé Guibert était un écrivain de l’absolu, condamné par la vie, il fallait écrire pour l’usurper, lui faire un pied de nez pour lui montrer que le sort n’est rien. Guibert était un « trompe la mort » comme disait certains. Un homme qui, à la différence de Thomas Bernhardt ou Albert Camus tout deux atteints de la tuberculose qui ont utilisé leur maladie pour parler de la mort, lui utilisait l’écriture pour la braver. Non, il n’a jamais été victime du sida ! Le sida c’est la manifestation incroyable et inattendue de son véritable désir de mourir…Comme un cadeau venu le délivrer de cette vie qu’il qualifiait « d’horreur merveilleuse »…Voici toute l’ambivalence du personnage qui, tenace et dépravé, ira même jusqu’à filmer son atroce déchéance depuis son lit d’hôpital. Un trait de personnalité que reprend avec dextérité cette adaptation lorsque l’on croit Guibert mort et où il se relève brusquement en criant dans une diction entrecoupée d’un rire nerveux « Je suis heureux, Je suis heureux »…
Cet Etre atypique, éternel adolescent, torturé et génialissime…difficile à représenter par la complexité de sa psychologie a été joué avec un talent démesuré, presque insolent par Laurent Kiefer de la Compagnie Le studio de l’aube. Racontant cette lente décadence avec lucidité et détachement, à la manière de Guibert, le public a été progressivement attendri, touché puis carrément bouleversé. Dans ce plateau plongé dans une quasi obscurité, reflet du ton de la pièce, le décor est presque absent mais Laurent Kiefer occupe avec une aura démentielle tout l’espace. Seuls subsistent une photo de Guibert enfant, une chaise et cette couverture blanche, doudou de l’enfance, venu stigmatiser ce désir d’éternelle jeunesse. Une mise en scène juste et suffisante pour une prestation de génie de laquelle Laurent Kiefer sortira d’ailleurs bouleversé, les larmes s'annonçant à la commissure de ses yeux. Preuve que les compagnies de théâtre régionales possèdent de bien belles ressources, où l’émotion tel un leitmotiv est à son apogée...

Un Panier bien garni!

2007-06-01T01:11:00.000-07:00

Pour la deuxième année consécutive, le quartier historique du Panier s’illumine aux couleurs du théâtre forain du 30 mai au 11 juin dans le cadre du Festival des 13 Paniers. A l’initiative de l’association Les tréteaux du Panier, soutenue par le centre international pour le théâtre itinérant et par le Comité du pilotage du Panier, ce festival réunit une quinzaine de corporations culturelles et sociales implantées dans le quartier. Organisé entre la Place de la Major et les deux théâtres insolites que sont la Posada et le Théâtre volant, ce rendez-vous culturel et artistique se place sous le signe de la convivialité, de la découverte et de l’échange.

Un festival héritier des traditions du théâtre forain

« Nous voulons faire des 13 Paniers un festival de théâtre convivial et tous publics, rendre le spectateur heureux, l’impressionner, l’émouvoir, sans barrière d’âge ou d’origine sociale » déclare Frédéric Mulh, directeur artistique du festival, et le ton était d’emblée donné en cette soirée d’ouverture. La compagnie des Carboni, troupe créée en 1993 et implantée dans le quartier, nous a livré une représentation de Scaramuccia l’Européen haute en couleur, en interactivité et en émotion. Un spectacle à la croisée des chemins entre le conte, le film de cape et d’épée et la fable philosophique. Une histoire intemporelle, anachronique presque, où le spectateur oscille avec plaisir et délicatesse entre un XVIIIème siècle révolu et une contemporanéité démentielle. Le public prit au jeu et devenu comédien malgré lui s’invite au centre de la Posada où s’opère avec brio la magie de ce spectacle vivant et populaire. Le coeur tout sourire et le sourire jusqu’aux oreilles, chacun est ressorti ravie de ce plongeon en enfance et de l’abattement de cette frontière parfois trop présente entre le public et les artistes. Une approche résolument populaire aux antipodes du théâtre élitiste que veulent instaurer certains. Une démarche responsabilisante pour le spectateur qui par le grotesque parvient à cerner les questions clés, fondatrices de la tradition foraine.

Une programmation riche et protéiforme

Bien qu’ancré dans une logique de proximité, le festival offre un panel d’artistes issus d’horizons divers et une multiplicité de spectacles considérable. La compagnie Pile ou Versa, celle du Mystère bouffe ou encore le Théâtre du Maquis venus de la région et d’ailleurs seront tous présents pour nous éblouir. Mais le Festival des 13 Paniers, ça n’est pas que du théâtre…Projections vidéo, ateliers, one man show, contes et matchs d’improvisation égayeront également cette programmation. 13 Paniers…soit un pour chaque jour de la durée du festival…De quoi les remplir allègrement de bons souvenirs, d’émotion et de partage entre tous. Loin d’un théâtre électif et préférentiel mais beaucoup plus proche de la vocation première de celui-ci à savoir échanger, communiquer, rapprocher ; cet évènement donne résolument du baume au coeur ! 13…Un chiffre hautement symbolique qui placera, nous l’espérons, cet évènement sous les meilleures auspices…

Christina Rosmini au Toursky

2007-05-31T05:14:00.000-07:00

Christina Rosmini, chanteuse Marseillaise aux origines Espagnoles, Corses et Italiennes, effectuait le 15 mai dernier son tour de chant sur la scène du théâtre Toursky. Artiste sensible, généreuse et proche de son public, elle a emporté dès ses premiers morceaux l’enthousiasme de la salle, comble ce soir là. Par sa voix suave, à la fois chaude et rocailleuse, et son décor digne des mille et une nuits, nous voici parti vers un pays imaginaire mêlant la chaleur et l’exotisme de l’Andalousie, la souffrance des peuples nomades et la douceur de la méditerranée. Méditerranée, titre d’une de ses chansons, mer aimée et aimante qui a forgé sa culture.
Mais Christina ne fait pas que chanter. Ancienne élève de l’école de danse de Roland Petit à l’Opéra de Marseille, elle utilise sur scène son savoir et enchante ses compositions de quelques pas inspirés du flamenco et des danses Orientales. Un spectacle haut en couleurs et riche de sonorités diverses. De la reprise de Hijo de la luna de Mecano aux morceaux phares de son album Sous l’oranger, les cultures se mêlent allègrement durant cette représentation.
Spectacle par ailleurs teinté d’humour puisque Christina n’en manque pas…Mêlant comédie et sensualité, originalité et volupté, elle a su faire rire et parfois même provoquer l’hilarité dans l’assistance. Un spectacle absolu et protéiforme pour un embarquement vers une croisière Méditerranéenne ou une invitation au rêve sous l’ombrage d’un oranger…

Une épopée Cannoise...[1]

2007-05-28T05:00:00.000-07:00

60ème anniversaire oblige...la rédaction, toujours assoiffée des meilleurs scoops, a envoyé le meilleur de ses éléments en reportage à Cannes...notre pigeon voyageur embarqua donc en ce petit matin du 26 mai dans le train qui allait le conduire vers les peoples, la Croisette, les paillettes...et les marches!!!

9h02: Arrivée au pays des stars et du cinéma

Petit tour d'horizon des rues Cannoises...Boutiques chics, hôtels affublés d'étoiles, plages privées, resto où le turbot pour deux personnes est à 96€ , cabas à 4000€...Mon portefeuille faisait grise mine...Peut-être ferais-je mieux d'aller roucouler sous d'autres auspices...

11h00: Montée des marches

Parvenu non sans mal au pied des mythiques marches revêtues du tapis rouge...me voici en train de me demander comment pourrais-je bien parvenir à rentrer dans le palais des festivals. J'aurais bien volé jusqu'au toit...mais la sécurité est ici omniprésente...L'entrée est officielle ou n'est pas! Voici soudain qu'un couple m'aborde et me propose une invitation pour la séance de midi qui présente le film de Naomi Kawase, Mogari no mori (la forêt de Mogari)...j'accepte évidemment bien qu'abassourdi par cette aubaine!!! Je vole, virevolte et m'envole au plus vite vers l'entrée de ce palais (qui d'ailleurs ressemble plus à un gymnase ou à une piscine communale mais bon...à la télé ce sera beau...promis!). Et me voici, sur les marches où je croisa mes deux premiers peoples (si si, ils sont connus et reconnus!!!) :

Après avoir convenu d'une interview ultèrieure avec eux, je m'engouffre dans ce lieu qui a vu défiler bon nombre de personnalités, des plus émérites au plus insignifiantes...

Une épopée Cannoise...[2]

2007-05-28T04:09:00.001-07:00

13h30: Fin de séance

Ce film, qui a obtenu le grand prix du jury, m'a littéralement assommé...Rythme très lent, dialogues sans profondeur, redondances, inadéquations...même l'émotion, qui semblait être le leitmotiv de la réalisation de ce long métrage, ne m'a pas atteint! Peut-être que ma méconnaissance du cinéma Japonais est à la source de cette incompréhension...Quand bien même, je repars satisfait d'avoir pu monter ces marches et pénétrer dans cette salle de cinéma ausi grande que la tribune Ganay du Vélodrome (On est pigeon Marseillais ou on ne l'est pas!). La tête dans les nuages et l'estomac dans les talons, me voici parti à la recherche d'un lieu pour me restaurer à moindre coût...Mieux vaut donc s'éloigner quelque peu de la Croisette!

14h00 : Heureuse trouvaille

Heureuse trouvaille que cette petite brasserie du centre de Cannes qui m'a permis de déjeuner pour la modique somme de 9,40€ , en terrasse qui plus est...Ce que c'est bon de savoir se contenter de peu! Attablé pendant deux bonnes heures nécessaires au rétablissement de mon énergie vitale...les oreilles baladeuses et les yeux voyeurs, me voici spectateur du film qui se joue dans les rues...Groupe d'étudiants en cinéma à gauche qui s'imaginent déjà sur les marches, couples de femmes à droite se prenant elles aussi pour des stars et vieux poivrot en face qui marmonne quelques insanités entre deux gorgées de rouge! Quel tableau...Cannes est vraiment une bonne source d'inspiration pour qui aime observer la nature humaine! Une fois les piles rechargées, me voici reparti sur la Croisette à la rencontre d'hypothétiques peoples...Sous mes yeux ébahis d'oiseau non coutumier des défilés, me voici devant un spectacle de strass, paillettes et tenues plus loufoques les unes que les autres..."Mais qui ressemblera donc le plus à une star?!!!"Tranquillement en train de bronzer, je retrouve mes deux stars croisées sur les marches ce matin, l'interview débute donc...

Une épopée Cannoise...[3]

2007-05-28T03:49:00.000-07:00

18h00: Pressons, pressons...c'est bientôt la montée des marches!

Une fois l'interview achevée et avoir récupéré les propos de ces deux stars du show-biz admiratifs de ma liberté...Et après avoir obtenu une invitation pour la soirée privée sur la plage que je convoitais pour le soir même (décidemment ma bonne étoile me suis de près aujourd'hui!!!)...je me dirige vers les marches que je montais ce matin même...Maintenant j'y aperçois PPDA, Lio, Jane Fonda, Emir Kusturika et Virginie Effira qui prend un sacré pied à se pavaner devant la clique de journalistes et photographes présents en bas des marches! Hormis la magnifique robe de couturier qu'elle arbore...que fait-elle là? "Virginie, le Pavillon Baltard...c'est à Nogent-sur-Marne, pas à Cannes!" Enfin, ça marche comme ça ici......l'image, l'image et l'image! Me voici donc en position, serré, piétiné (énervé?) par des badauds venus admirer les STARS (que l'on aperçoit ceci dit très mal)! La populasse venue admirer le "beau" monde...Une frontière invisible se dresse entre les marches et nous, ces même marches que mes pattes ont pourtant foulé! Agacé par l'avilissement des gens devant ces peoples, qui sont bel et bien des individus comme les autres...quelques photos en poche je préfère m'éclipser pour rejoindre la plage qui m'accueille ce soir...

Festival de Cannes - la montée des marches
envoyé par Muriel13

20h00 : Dj Roudoudou sur la plage Macé

Un peu mal aux pattes d'avoir déambulé toute la journée...je m'affale dans ces transats étendus pour nous sur cette plage (remercions au passage le conseil régional d'Ile-de-France, sans lequel j'aurais dû m'assoir dans le sable! Ca alors...trop dur la vie!!!). Je m'apprêtais donc à me détendre aux sons des musiques de films des 70's délicieusement mixées par un Roudoudou décidemment très doux, quand s'installent à mes côtés les deux stars rencontrées aujourd'hui...Stupéfait et agréablement surpris, la conversation s'entame hors du crépitement de mon dictaphone...Elles me livrent alors leur désir d'un retour à l'anonymat, d'une vie plus calme et plus libre, loin des flashs des paparazzis et des autographes à signer...Une vie où l'on se satisfait des petits bonheurs quotidiens et où l'on s'étonne de recevoir un quelconque honneur ou privilège. Franchement étonné par ces révélations, je salue leur humanité et quelque part l'humilité qu'ils n'ont pas perdu...La soirée continue, une frontière s'étant abattue...

Une épopée Cannoise...[4 & fin]

2007-05-28T02:58:00.000-07:00

23h00: Direction "Chez Freddy"

Après ce petit concert qui devait être suivi d'une projection de film, que le vent a empêché...Cédant alors aux caprices de la nature et aux gargouillements de mon petit corps...je pris la route du restaurant "Chez Freddy" afin de déguster les fruits de mer dont je rêve depuis mon arrivée ici! Mes nouveaux amis m'emboitant le pas...Le repas fini et la fatigue toujours plus présente, nous décidâmes d'une petite sieste sur la plage! Cette sieste devenue courte nuit se clôtura par un réveil brutal vers 4h30 lorsqu'une dameuse , à peine à 2 mètres de nos corps, nous fonçait dessus!!! Fuyant le temps de la laisser passer à l'endroit qui fut notre lit, s'en était déjà trop pour notre sommeil qui était irrémédiablement fini! Debout, la tête à l'envers et les yeux pas franchement en face des trous, nous prîmes la direction de la gare sncf! Fabrice et Muriel, c'était leurs prénoms, avaient pris leur décision...Finis les strass et les paillettes...Ils iraient à Marseille pour fuir cet univers surfait! Adieu les talons trop hauts à porter, les tenues qui vous empêchent de respirer et les neufs papillons...

06h00 le 27 mai : Mon envol...

Heureux de mon épopée Cannoise, des opportunités et des rencontres qu'elle m'a offert...Je prie mon envol vers d'autres contrées! Laissant à la gare mes deux amis, ex-star du cinéma, prêt à savourer la simplicité de la vie : le soleil qui brille, les oiseaux qui chantent, une bonne douche bien chaude...Prêt à travailler dur pour gagner forcément moins...mais libre avant tout!!!

Car pour moi, ma liberté est plus importante que tout, je la porte dans mes ailes...laissant ici la palme d'or et cette vie de people qui n'existe pas...loin du miroir déformant de la télévision qui donne à cet escalier une majestuosité qu'il n'a pas, à ce palais des festivals une solennité pourtant inexistante...Sous d'autres tropiques, je m'en vais donc roucouler, bien heureux d'être qui je suis...

Le Toursky au rythme du flamenco

2007-05-25T02:25:00.000-07:00

Concert de Duquende au Toursky (14)
envoyé par Muriel13

Duquende, de son vrai nom Juan Rafael Cortés Santiago, est né à Sabadell en 1965 au sein d'une famille gitane. Chantant déjà à l'âge de huit ans auprès de Camaron qui l'accompagnait à la guitare, sa carrière professionnelle prit véritablement son envol en 1992. Fort du soutien de Paco de Lucia et Tomatito, il a chanté sur les plus grandes scènes des théâtres et auditoriums Français et étrangers, parcourant l'Europe et le continent Américain.

Et le voici en cette soirée du 25 mai sur les planches du théâtre Toursky...Un timbre de voix à la fois rocailleux et suave, un duende naturel associé à une technique sans faille, une humilité et un sens du partage évident en font une personnalité étonnante et attachante, proche de son public et de l'état d'esprit du lieu l'accueillant ce soir.

Savoureux mélange de rythme hispanisant et de culture gitane, sa musique nous entraine dans les confins des Terres Espagnoles ou Catalanes, autour de feux de joie où les âmes ennivrées entonnent ensemble un chant empli des cicatrices laissées par la vie et de la force de l'espoir...Tout simplement magnifique...

Comment Wang fô fut sauvé

2007-05-20T00:42:00.000-07:00

Après avoir rencontré un vif succès lors de ses premières représentations en 2006, Wang fô, vieux peintre Chinois, revient sur les planches du Badaboum pour la plus grande joie des enfants petits et grands. Comment Wang fô fut sauvé, conte initiatique Chinois, est la première nouvelle du recueil intitulé Nouvelles orientales de Marguerite Yourcenar. Passionnée de la culture Grèce et profondément attirée par l’Orient, elle écrira ce récit en 1938 aux côtés d’autres légendes authentiques.
Sur cette scène centrale revêtue d’un tapis parsemé de grains de riz, apparaissent comme par enchantement trois individus. A la fois présents et irréels, ce sont Wang fô, son disciple Ling et la femme de celui-ci. Femme qui mourra peu après, ne supportant pas le choix de son mari de suivre cet artiste qui a su lui faire voir le monde au travers du filtre de l’art. Leur périple nous est conté par des comédiens à la fois protagonistes et conteurs de leur propre histoire. Les deux hommes errent alors sur les routes de l’Empire de Han jusqu’au jour où les gardes de l’empereur, mi-homme mi-dragon, les arrêtent. Ils apprennent alors que celui-ci a grandi avec les toiles de Wang fô, imaginant un monde idyllique et enchanté, bien loin de la réalité de la vie. Trompé toute son enfance par la beauté de ces toiles, l’empereur ne supporte pas la trivialité du monde à sa sortie du château à l’âge de seize ans et se met en tête de mutiler celui qui a fait de lui l’empereur impuissant de ce monde imparfait. Ling tente alors de protéger son maître Wang fô, devenu bourreau bien malgré lui, et engage un coup de poignard en direction du dragon céleste. Un garde intercepte alors son élan meurtrier et décapite Ling. Wang fô en sortira vivant, s’enfuyant sur une mer de jade bleue qu’il a lui-même peinte.
Car « Wang fô a le don de donner vie à ses peintures » nous confie Ling…Et la pièce prend vie sur le sol. Où se passe l’histoire ? Devant nous, avec ces comédiens qui déambulent dans cet espace vierge de décor ou sur le sol où les ombres Chinoises de leur corps s’animent dans le décor projeté sur le tapis ? L’espace scénique tel une peinture devient comme par enchantement un véritable tableau vivant…

Une nouvelle courte dans la durée mais longue d’enseignements. Une pièce où sont présents tous les codes de la philosophie Chinoise : du maître et de son disciple, de la lenteur outrancière jusqu’au personnage fantasmagorique du dragon empereur. Tout est en effet lenteur, dissection du mouvement et du texte, envol et retombée, douceur et violence, stupeur et rire. Le Badaboum nous présente ici un univers poétique, enchanteur et désenchanté, aux confins des Terres Chinoises. Un monde où si l’on ferme les yeux, on se laisse aisément porter par ces doux tintements musicaux pour un voyage imaginaire sur les flans de la muraille de Chine. Une pièce où les règles de la simple réalité se délitent et où la poésie emporte le récit, les personnages et le public. Tel Wang fô qui disparaît dans son étendue bleue, toile peinte devenue voile de bateau, le spectateur est emporté par ce flot de douceur et d’esthétisme. Difficile de distinguer le vrai du « fô » dans cette œuvre où chacun y trouve sa propre réalité et y apporte son propre sens! Wang fô meurt-il à la fin et par là même assistons-nous à une esthétisation de la mort ? Ou bien cela atteste-t-il de la primauté de l’art ? Le mystère reste entier et c’est bien là tout l’intérêt…Un beau travail de mise en scène qui ravira tout esthète par la finesse de la vidéo et le travail sur la lenteur du mouvement…Bien que conseillée pour les enfants de plus de cinq ans, il apparaît néanmoins que la pièce est plus adaptée pour un public plus âgé, afin de saisir les multiples références et la philosophie dissimulée derrière le texte.

Mer agitée dans les calanques Marseillaises...

2007-05-16T09:05:00.000-07:00

VIDEO VERS CALLELONGUE
envoyé par Muriel13

Méditerranée...

2007-05-14T12:39:00.000-07:00

Chers lecteurs (puisque vous êtes de plus en plus nombreux à me dire que vous me lisez régulièrement, ce qui me touche d'ailleurs vraiment beaucoup!!!), voici plus d'un mois que je ne vous offre que des articles à lire alors pour changer un peu et surtout pour vous faire profiter de la beauté de ce paysage, voici quelques vues de la Méditerranée telle qu'elle apparaît dans les calanques entourant Marseille... Tout simplement magique!

Marseille au son du reggae

2007-05-12T05:21:00.000-07:00

Les représentants de « reggae music » sont nombreux dans la cité Phocéenne, des vieux de la vieille aux jeunes qui montent. Pour vous, j'ai souhaité comprendre l’origine de cet engouement aussi bien du côté des spectateurs que de celui des acteurs de ce mouvement. Le mois dernier, nous avions rencontré Dawta Jena & Urban lions, groupe créé en 2002, qui insuffle avec leur reggae un délicieux message de tolérance et d’unité. Aujourd’hui, continuons ce chemin à la rencontre des vibes positives d’une toute jeune formation, Messengers, groupe qui nous entraîne par leur son roots et délicat dans un voyage immobile vers des contrées apaisées.

Rencontre avec Jean-Christophe et Julien, membres du groupe Messengers :

Depuis quand existe le groupe et quelle est son histoire ? Pourquoi le choix du nom Messengers ?
J.C : C’est seulement en juillet 2006 que nous avons lancé le groupe sous le nom Messengers. Mais le groupe est né de ma rencontre avec Paul (qui joue également avec Dawta Jena) en septembre 2004. Nous avons commencé à composer ensemble et nous avons quitté respectivement nos groupes pour créer Messengers. C’est Paul qui a choisi ce nom en référence au message humaniste des rastas dans la lignée desquels nous souhaitons nous placer. Le batteur et moi jouions également dans un groupe ensemble.
Julien : Les autres membres sont arrivés peu à peu au hasard des rencontres pour arriver à la formation actuelle où nous sommes huit. Pour ma part par exemple, c’est né de la rencontre improbable avec un Burkinabé qui était ami de Jean-Christophe. Je cherchais alors un groupe reggae et l’idylle est né ce jour là (rire). Pour les cuivres qui font partis du groupe depuis deux semaines, ils viennent du groupe Mistraelite.

Quel est le message que porte votre musique ? Comment la définissez-vous et quelle(s) particularité(s) affichez-vous ?
Notre musique porte l’idée que les humains sont frères et sœurs. Elle dit que chacun peut s’intégrer à la communauté et en faire partie. Nous souhaitons également l’intégration de l’Homme à la nature. Il ne faut pas que les Hommes aient des a priori. Il faut vraiment essayer de se connaître au lieu de s’affronter…voilà le message de notre musique. Notre reggae est tout simplement du reggae roots mais notre particularité c’est que notre chanteur est Anglais. Notre reggae est donc purement Anglophone. Mais ce n’est pas une musique figée, elle est en constante évolution et dans un futur proche ce sera très métissé avec des sons ressemblants aux musiques Américaines des 60’s. Nous sommes très ouverts et très curieux des autres musiques. Même si on adore le reggae, nous ne sommes pas des fanatiques !

De nombreux artistes s’inscrivent dans la mouvance reggae sur Marseille. Est-il aisé de se faire connaître sur Marseille ? Une réelle unité existe-t-elle entre chaque membre de ce réseau reggae Marseillais ?
Heureusement que certaines radios sont ouvertes et existent car l’accès aux radios commerciales est bouché. Trouver des dates n’est pas non plus évident et en cela, le réseau peut évidemment aider. Mais malgré le partage d’idées humanistes, de tolérance et de paix, le reggae n’applique pas toujours ses propres principes. Cela fait plaisir lorsqu’un artiste ne veut pas seulement se faire connaître et se montrer mais faire découvrir et partager. Je ne pense pas qu’il y ait un vrai rastafarien à Marseille sauf peut-être Jo Corbeau…C’est dommage le manque d’entraide, par exemple les Gang Jah Mind ont un talent fou mais ils ne sont jamais vraiment sortis…

Quels sont vos projets d’avenir ?
Nous sommes pour le moment en fin de préparation, puisque la forme finale n’est que très récente. Mais nous avons deux dates pour le mois de juin. Le 23 à la fête de Lançon de Provence et le 29 à Salon de Provence au camping Nostradamus. Nous finissons également l’enregistrement de la nouvelle démo, nous ferons un véritable enregistrement plus tard lorsque notre travail sera plus abouti. Mais ce sera certainement dans l’année…

Messengers, un groupe naissant qui poursuit la route ouverte par ses aînés et qui fait écho au message lancé par Bob Marley, première star du reggae. Bob Marley, artiste qui était à l’honneur en ce jeudi 10 mai au cinéma Les Variétés. Un évènement organisé par l’association La plage sonore, structure Française domiciliée dans le 6ème arrondissement Marseillais qui œuvre dans le secteur de la musique depuis 1989. Sa principale activité se concentre autour de l’accompagnement de groupes mais elle travaille également à l’organisation de soirées évènementielles alliant cinéma et musique telle que celle mise en place en cette douce soirée de mai.
En ce jour de commémoration de l’abolition de l’esclavage et à la veille de l’anniversaire de la mort du maître du reggae, le public était au rendez-vous malgré une communication minimaliste. La ferveur derrière ce mode de pensée, cette philosophie de vie, cette religion est impressionnante…enthousiasmante à vrai dire. Des individus…amis ou inconnus, rastafariens dans l’âme ou simple curieux d’apprendre de ce grand homme venus se rassembler autour d’une même pensée humaniste ! Une bien belle chose en notre temps de décadence ! Retour sur l’origine du rastafarisme…
La Jamaïque, terre d’origine du mouvement rasta a essuyé la colonisation par l’Espagne au début du XVème siècle. Après avoir épuisé la population Indienne locale, les Espagnols firent importer des esclaves Africains pour remplacer cette main d’oeuvre devenue trop lente. C’est en 1655, que l’Espagne fut dépossédée de la Jamaïque par les Britanniques et celle-ci y laissa ses esclaves. Ceux là se soulevèrent alors contre la domination Anglaise, première lutte acharnée pour leurs droits. La force de ce combat résidait dans la cohésion existante entre les combattants et leur forte volonté d’indépendance. Cette bataille fut menée par Sam Sharpe, forte puissance charismatique de ce groupe d’Africains. C’est lui qui décida en 1831 de mener une grande rébellion qui devait aboutir à l’abolition de l’esclavage. Se suivirent alors plusieurs rébellions successives qui forgeront la tradition de résistance à l’autorité du peuple Jamaïcain, tradition que l’on retrouve dans le rastafarisme. Mais ce mouvement deviendra véritablement religion après la déclaration de Marcus Garvey en 1916. Discours au cours duquel il déclara Haïlé Sélassié, alors empereur de la plus ancienne dynastie du monde l’Ethiopie, seigneur des seigneurs, roi des rois et Dieu du peuple rasta. Dans son sens le plus absolu, le rastafarisme est une religion messianique basée sur Haïlé Selassié, humain de la première heure, qui a lutté toute sa vie avec un incommensurable héroïsme pour la libération et l’unité de son pays. Son prophète étant Marcus Garvey, qui a valorisé la négritude permettant par la même l’affirmation des noirs dans toute l’Amérique au même titre que Martin Luther King ou Malcolm X.
C’est donc empreint de cette idéologie que Bob Marley a mené sa vie et que nous voici quelques 25 ans plus tard rassemblés pour lui rendre hommage. Pour saluer le message de paix qu’il a voulu transmettre par la musique, ce langage universel. Réunis pour célébrer l’humanité au-delà des frontières et des pseudo différences devant ce documentaire inédit en France qui nous a emmené pendant une heure trente dans un monde où harmonie rime avec lutte pacifique pour un monde plus juste. Un univers où seul le combat pour la liberté prime, la liberté individuelle pour la liberté confraternelle ! Loin de l’image erronée et réductrice d’un mouvement où tout tourne autour de la Ganja (l’herbe), celle qui ferait voir la vérité du monde selon Bob, le rastafarisme est une idéologie humaniste et fraternelle…fraternité présente dans notre triptyque laïque mais trop peu palpable dans cette société contemporaine qui voue un culte à la différence par ses stéréotypes et multiples étiquettes. La pensée rasta rassemble à Marseille, ville multiculturelle et multicultuelle par excellence, et il serait bon de la répandre dans le monde entier…

La laïcité en danger

2007-05-05T09:02:00.000-07:00

Le 10 avril dernier, le Théâtre Toursky organisait un débat public autour du thème « la laïcité en danger ». Avec Richard Martin, directeur des lieux, comme chef d’orchestre de cette université populaire, la rencontre s’annonçait engagée et instructive afin comme il le dit « de tenir éveillée l’idée de laïcité, d’éviter la bêtise et de conserver ce qui est le fondement de notre république ». Fondement à défendre, héritage précieux obtenu par la lutte de nos ancêtres qui demeure aujourd’hui incompris, malmené voire ignoré.
En effet, si nombreux sont ceux qui affirment savoir ce qu’est et ce qu’englobe la laïcité, d’aucun par contre ne saurait en donner une définition ou du moins une représentation précise. Retour sur ce tournant décisif de l’histoire de la république Française…
La loi du 9 décembre 1905 marque la séparation franche entre l’Etat et les Eglises. L’Etat garantit alors la liberté de conscience et le libre exercice des cultes à chacun, tout en s’interdisant de s’immiscer dans la sphère du religieux comme l’Eglise s’abstiendra d’intervenir dans celle du politique. Peut-être une évidence pour certains aujourd’hui (bien que plus souvent bafouée que respectée), mais une véritable révolution à l’époque. Une révolution dont la généalogie de l’idée de séparation remonte au XVIIIème siècle et plus exactement à 1789. Dans la nuit du 4 août 1789, l’Eglise est dépossédée de ses privilèges fiscaux et ses biens sont nationalisés. La brèche est alors ouverte et cette première fissure deviendra lentement fossé. De l’affirmation de la liberté d’opinion à la constitution civile du clergé en 1790, en passant par la légitimation du pouvoir sans fondement religieux et surtout la laïcisation de l’enseignement sous l’influence de Condorcet et Lakanal ; l’idée fait son chemin amenant peu à peu un mouvement de sécularisation de la société Française. L’attitude du pouvoir pontifical après 1814 entraînera un combat anticlérical mené par les républicains à la fin du XIXème siècle. L’affaire Dreyfus viendra à son tour montrer la limite de l’entente entre l’Etat et l’Eglise, et témoignera de la nécessité d’une séparation pacifique de ces « deux France ».A l’orée de cette mutation de la république Française, trois hommes viendront alors jouer un rôle primordial : Emile Combes, en tant que président du conseil à l’époque du vote de la loi ; Aristide Briand, rapporteur de la commission parlementaire chargée de la préparation de la loi et Jean Jaurès qui assurera la cohésion de la majorité parlementaire et rédigera l’article 4 de la loi.
C’est donc en toute logique que Richard Martin inaugura ce débat public par la lecture des écrits de ce grand leader socialiste qu’était Jaurès. Engagé, révolté et saisissant d’implication tout au long de son intervention, Richard donna d’emblée le ton de la soirée, sensible, grave et solennel. « Nous sommes tous des soldats de la laïcité » affirme-t-il. A un tournant politique de notre pays, un tournant où la laïcité est oubliée des débats politiques, le citoyen doit jouer son rôle de vigilance et de respect de cette loi. Ce débat n’était donc en rien un meeting…mais plutôt une sorte de café philosophique, une scène ouverte qui n’était pas sans rappeler l’Agora de la Grèce Antique. Un lieu, élément essentiel du concept de Polis, où chacun pouvait exposer ses idées librement. Tour à tour, trois intervenants (Pierre Cassen, Michèle Vianes et Henri Pena Ruiz), acteurs culturels et sociaux experts de la question, ont exposé leurs axes de réflexion pour que la salle puisse, par la suite, réagir en toute liberté à leurs propos.
La laïcité, bien qu’ancrée dans l’histoire du monde, « ce n’est pas hier, ce n’est pas aujourd’hui, c’est demain » affirme Raymond Mallet, président des rencontres de la cité. Face aux intégrismes grandissants, aux maltraitances exercées sur les femmes pour des dogmes religieux, la laïcité, cette pierre angulaire de notre socle républicain est menacée. Dans le monde Arabo-musulman, les femmes n’ont même plus le droit d’ouvrir Internet seules chez elles. A leur domicile, elles ne sont plus libres. Comme le souligne Michèle Vianes, responsable du collectif femme 13, la femme est la première victime des reculs laïques. Ferry avait semble-t-il raison en affirmant « Celui qui tient la femme tient tout », et certaines religions l’ont bien compris. De plus, par le voile on accède à une sorte d’ethnicisation de la république et par définition la république laïque et démocratique ne conçoit pas de communautarisme. Comme le dit si bien Jaurès « Laïcité et démocratie sont deux mots identiques », défendons ainsi la laïcité autant que nous revendiquons notre démocratie. Car la réhabilitation de ce combat laïque ne date que de 2003, preuve qu’il faut en arriver à des offensives cléricales massives pour entraîner enfin une prise de conscience de l’importance d’un coup d’arrêt. Mais comment rendre cette idée, si peu comprise, accessible à tous ? Montrée comme une idée vieillotte et faussement entendue, la laïcité a été exclue de la campagne électorale. La réinstaller dans le discours politique assurerait sa défense sur la scène publique. Lorsque l’on voit qu’au Canada, « l’accommodement raisonnable » concède à la religion une supériorité sur l’Etat, il convient comme le souligne Pierre Cassen de « prendre nos responsabilités et de tenir bon pour mener les autres pays ».
Un débat instructif et incommensurablement citoyen, où la laïcité a été fêtée jusque dans le principe. Un exemple à suivre pour que la laïcité, seul bouclier contre l’intégrisme et seul moyen de préserver la paix civile, la liberté de tous et la justice sociale soit préservée. La laïcité, c’est une lutte d’aujourd’hui pour une paix de demain. Il est temps que soient réaffirmés la liberté de conscience, la liberté de croire ou de ne pas croire, et l’universalisme de la loi commune. Parce que la laïcité ne se dit pas mais se vit et se partage, l’action est le seul remède contre la confusion existante entre l’ordre social et l’ordre individuel, pour rendre à la république sa dimension universelle, réconcilier l’Europe avec l’Europe et au-delà, l’humanité avec l’humanité. Richard Martin souhaite ainsi lancer l’année prochaine une fête annuelle de la laïcité à Marseille…Adressons lui tout notre soutien, pour qu’à la manière de Voltaire, « nous puissions braver les diables fantastiques qui sont autour de nous »…

La concessione del telefono

2007-05-03T17:20:00.000-07:00

Un projet du collectif Kati Bur mis en espace par Olivier Maltinti d’après le roman d’Andrea Camilleri

« Choisir un texte au théâtre, c’est comme quand on tombe amoureux, le coup de foudre ça n’existe pas, au début ce qui nous touche ce sont des petits détails, des petites nuances […] et après un jour sur le plateau, comme en amour, on entre dans la matière alors c’est du corps, du corps et encore du corps » avoue Olivier Maltinti. Ainsi, ce texte d’Andrea Camilleri, Olivier en est tombé amoureux et a voulu, dans une lecture mise en espace, nous en livrer les nuances pour faire corps avec lui. Un véritable défi où trouver la juste mesure entre la lecture du texte écrit et le jeu scénique est primordial pour que le public soit captivé.
L’histoire se déroule entre juin 1891 et août 1892 à Vigàta, ville imaginaire de Sicile. Le négociant en bois, Filippo Genuardi surnommé Pippo, souhaite obtenir une ligne de téléphone à usage privée. Pour ce faire, il écrira à trois reprises une lettre au préfet, paranoïaque et susceptible, afin de lui demander les instructions pour effectuer cette installation. Changeant malencontreusement un « m » en « p » dans le nom de celui-ci, Pippo se verra alors suspecté d’être un dangereux agitateur. Entre passage en prison, quiproquos divers et intrigues invraisemblables, la mafia viendra peu à peu, par l’ombre du mystérieux Don Lolo, se mêler à cette histoire aussi curieuse que loufoque. Un univers où règne la dépravation et l’immoralisme. Un système où les fonctionnaires loyaux sont récompensés en étant rétrogradés et où les corrompus gravissent les échelons d'une carrière.
Un spectacle fidèle au texte d’Andrea Camilleri, sicilien natif de Porto Empedoche, qui, à 82 ans passés, est un des auteurs les plus populaires en Italie. Grand maestro du roman policier il sait aussi, comme il le prouve dans La concession del telefono, traiter des thématiques comme les abus du pouvoir, la vénalité des individus, l’absurdité de certains principes religieux ou encore l’immoralité de la mafia. Une mise en scène où telle la plume du romancier, les comédiens alternent entre retranscription de la forme épistolaire et scènes dialoguées. Un texte plaisant où se croisent une écriture subtile et un dialecte cru et populaire. Une lecture mise en espace qui aurait pu être aussi grandiose que les plus grandes tragédies classiques, à quelques détails près…
Mettre en scène un texte aussi riche n’est pas chose aisée et des coupures, parfois franches, s’imposent. Olivier Maltinti a eu le parti pris de conserver, non pas tout le texte, mais une grande partie de celui-ci…Amenant le spectacle à plus de deux heures et demie, contrairement à l’heure trente annoncée ! Le spectateur, surpris, s’impatientant alors et regardant frénétiquement sa montre au grand dam de ce qui se joue sur le plateau. Et quel jeu…Les trois comédiennes, souriantes et motivées, semblent pourtant trop peu concentrées, à tel point qu’à moment donné l’une d’entre elles a dû montrer à sa camarade de scène à quelle ligne se trouvait son texte. Par des bafouillages trop répétitifs et des hésitations récurrentes, le public a vite perdu le fil de ce téléphone…Fil déjà difficile à suivre par la multitude des personnages aux noms alambiqués. On comprend difficilement qui est qui et qui fait quoi. L’usage, parfois inopiné et inapproprié de la musique, contribue à aggraver une compréhension du texte déjà aventureuse. « Je ne comprend rien, je ne comprend rien… » ai-je entendu à plusieurs reprises dans l’assistance.
En bref, un constat doux amer au sortir de cette représentation d’un conte réputé trivial, insolent, savoureux et surtout jamais ennuyeux. Une scénographie contemporaine et audacieuse faite de voilages qui, bien qu’esthétiquement agréables, n’ont en rien un rapport avec l’œuvre. Une mise en scène quelque peu rigide et prévisible, qui ne laisse que trop peu de place à l’effet de surprise. Saluons tout de même la tentative audacieuse d’Olivier Maltinti qui s’est attaqué à un genre littéraire relativement ardu, et accueillons également avec respect cette adaptation pour ce qu’elle a de contemporain, d’original et d’impliquée. Car impliqué et amoureux de l’oeuvre, Olivier l’est…Espérons pour les prochaines représentations qu’il saura nous offrir un corps à corps aux accords plus harmonieux où le texte sera écourté, la musique atténuée et le jeu de comédien moins hasardeux…pour que le téléphone ne soit pas, à l’inverse de ce soir, raccroché trop tôt !

La marraine Sergent est de retour chez Tatie

2007-05-01T07:27:00.000-07:00

Les 27, 28 et 29 avril derniers, Marianne Sergent effectuait son retour au théâtre de Tatie dont elle est la marraine. Cette passionnée d’histoire qui aurait voulu en faire son métier revient pour nous livrer ici une revue de presse détonante et enlevée. Interdite de télévision pendant plus de 25 ans pour avoir osé effectuer son sketch sur la recette de la fellation au théâtre de l’Empire, elle n’a pas perdu à cinquante ans passés son franc-parler et sa diatribe contestataire. Féministe et politiquement impliquée, jamais elle ne s’est permise de monter sur scène par narcissisme.
Dans ce spectacle haut en couleurs qui se module en fonction de l’actualité, les sketchs et caricatures s’enchaînent dans un rythme effréné entre la lecture de quelques pages du journal du jour. Les journalistes en prennent d’ailleurs pour leur grade lorsque leurs papiers aussi vides de sens qu’illusoirement brillants provoquent franchement l’hilarité. Reprenant quelques sketchs interdits à l’époque, elle revêt un temps la robe d’avocate en prônant le pour afin d’affirmer le contre. Elle s’amuse tour à tour à jouer un individu raciste, à raconter avec ironie l’histoire du papa de Nicolas (Sarkozy, bien entendu), émigré Hongrois et interprète son célébrissime et désopilant sketch sur la recette de la fellation. Changeant avec génie de tonalité comme de costume, elle nous fait passer du rire au frisson en clôturant sa représentation par un poème émouvant écrit de sa propre main. Elle y prône avec douceur et sensibilité l’amour infini de l’humanité et la liberté de chacun. Preuve qu’au jeu de la critique, l’amour de l’autre occupe une place essentielle.
Un one-woman show paradoxalement assassin mais tendre. Un texte sans langue de bois qui décrit avec justesse et humour les dérives actuelles de la politique, de la justice, de l’économie, du star system et du sexe. Une galerie de portraits dans lesquels chacun pourra incontestablement y reconnaître certains de ses travers. En bref, une heure trente de pur plaisir où l’on rit copieusement de cette critique si juste et nécessaire des grands archétypes de notre société contemporaine.
Retrouvez la au festival Off d’Avignon (du 6 au 28 juillet) avec son nouveau spectacle Trente ans de carrière sans passer chez Drucker à la Chapelle du collège de la salle. One woman show qui sera par la suite joué à Paris, si Avignon lui offre succès et reconnaissance. N’hésitez donc plus, cette humoriste dont les années n’ont que bonifié le talent vous fera rire, indubitablement.

Rencontre avec cette artiste humble et sincère à quelques heures de son retour sur les planches du théâtre de Tatie:

Quel est le but, le message lancé par ce one woman ?
Dans ce spectacle, il y a une volonté de lutter contre le racisme, contre les procédés barbares de la corrida et d’encourager les individus à lutter pour la planète. Tout ce qui est dit est véridique. Et si le jeu de comédien me pousse à extrapoler, ce n’est que pour mieux rendre compte de ce que j’ai ressenti face à tel ou tel évènement. Et plus généralement, dans tous mes one woman show je souhaite que les gens garde le goût de l’absolu. Je leur dis qu’il faut s’aimer tous ensemble et aller dans la vie en avançant. Il faut savourer ses années. Je veux aussi dénoncer l’économie capitaliste et la place des femmes. Il est important pour une femme de montrer que l’on peut vivre de ce métier pendant 30 ans.

Vous écrivez vous-même vos textes. Comment se passe cette étape de la réalisation d’un one woman show ? Visualisez-vous la mise en scène en écrivant ?
Je ne suis pas une grande imaginative donc j’ai toujours du mal à trouver mes sujets, mes entrées. Par exemple, pour mon spectacle sur la Commune, je maîtrisais le sujet mais j’ai mis du temps à trouver comment l’appréhender. Pour la mise en scène, c’est très variable. Disons que je pense toujours au public, c’est pour moi l’essentiel.

Est-ce que le sketch qui vous a valu trente ans d’interdiction de télévision est mieux reçu aujourd’hui ?
A l’époque de ce sketch sur la fellation, j’avais 25 ans et j’avais déjà eu d’autres problèmes avec d’autres sketchs. Ce soir là, c’était au théâtre de l’Empire et il y avait tous les cadors du petit écran, Drucker, Martin…Aux répétitions, ils m’avaient dit de ne pas jouer ce sketch, mais tous mes amis étaient dans la salle et c’était ma deuxième télévision, j’ai voulu les épater. Et paradoxalement, c’est le sketch que l’on me réclame à chaque fois aujourd’hui.

Les mots sont des gadgets avec lesquels vous jouez allégrement. Est-ce par amour des mots ou par amour du jeu ?
Plus par amour des mots mais j’aime le jeu aussi. Par amour de la langue Française aussi. J’aime dire des choses énormes avec beaucoup de facilité…

Quelles sont vos perspectives d’avenir ?
Le one woman show est limité dans le fond. Les années passant, j’ai eu envie d’autre chose. Même si ma réputation s’est faite là-dessus, je désirais faire de vraies pièces de théâtre. C’est ce que j’ai réalisé avec « La Commune ». Je veux aussi me diriger vers le cinéma. Pour cela, je vais reprendre contact avec mes amis Auteuil, Bacri…J’ai aussi fait un livre et un cd il y a quelques années qui ont été interdits. Je souhaite relancer le livre après le festival d’Avignon, en espérant que mon spectacle y soit bien reçu…

"Il y a de l'eau dans le...gaz entre le jazz et la diva"

2007-04-29T09:32:00.000-07:00

En ce vendredi soir, me voici au théâtre Toursky pour une représentation du Jazz et la diva ayant remporté le Molière 2006 du meilleur spectacle musical aux Victoires de la musique. Ce spectacle, comme tout ceux inscrit dans le cadre du projet « Margose, invitation au voyage » a pour objectif de favoriser la mixité des cultures et de promouvoir la découverte de l’autre en cette année de fête de l’Arménie en France. Embarquement pour deux heures de pur plaisir…

Sur ce plateau dénudé où une douce lumière offre au décor une dimension sacrée, trois individus entonnent une introduction musicale faites de piano, de violon et de chant lyrique. Ce sont Dimitri Naïditch (pianiste), Didier Lockwood, violoniste aux 35 ans de carrière et Caroline Casadesus, chanteuse lyrique soprano, descendante d’une grande famille de musiciens. Didier et Caroline, époux à la scène comme à la vie, donnent d’emblée le ton du spectacle par une présentation humoristique de leur vie commune et de leur rencontre. Ce soir, c’est leur 13ème anniversaire de mariage…Comme chaque année, Didier s’apprête à offrir à sa compagne son cadeau, une treizième mélodie d’amour. Ce sera Colchique dans les prés, que Caroline ne trouve pas vraiment à son goût. Pendant que Dimitri précise ironiquement que dans son pays d’origine, l’Ukraine, ce même classique se nomme Colchique dans la toundra, Caroline se moque de la chanson. Le couple s’enferme alors dans un échange houleux. Didier, pour se faire pardonner, demande à Caroline de chanter puisqu’elle le fait si bien, allant jusqu’à dire qu’il accepterait tout si elle le demande en chantant. Maligne et espiègle, celle-ci s’essaye alors à un : « Sors la poubelle et rince la baignoire » lyrique et profond. Fous rires dans la salle ! De cette discussion naît le débat qui oppose nos deux artistes…leurs préférences musicales. Didier, fervent adepte du jazz, dénigre le classique: « Le classique, ces musiciens qui jouent des morceaux déjà joués des milliers de fois ». Elle, chanteuse lyrique, défend ardemment la rigueur du classique et taxe le jazz de « musique de sauvage » et de « parfaite musique d’ambiance pour ascenseur ». Vexé, Didier se lance dans une série de blagues sur les compositeurs classiques : « Mozart, Beethoven et Bach vont boire un coup. Bach prend un whisky. Beethoven demande alors à Mozart ce qu’il veut boire. Celui-ci dit, je veux un baby comme Bach (baby come back) ». L’hilarité saisit à nouveau l’assemblée ! Il y a de l’eau dans le…gaz entre le jazz et la « diva ». Dans cette opposition d’idées, seul Dimitri juge que le principal est le message transmis et non pas l’étiquette du style. Touchés par ce compromis, les deux époux tentent d’alterner entre jazz et classique pour le plus grand bonheur des mélomanes présents dans le public. Public qui est d’ailleurs invité à siffloter des airs pour inspirer les artistes. La représentation se clôture par un solo de chacun. Caroline dévoile la puissance de sa voix et la profondeur de son vibrato. Dimitri effleure avec brio les octaves de son piano. Et Didier, aussi majestueux qu’effrayant de génie se lance dans un solo de violon intitulé « Globe trotter » où l’instrument, manié avec aisance tel un gadget, dévoile une multitude de nuances et de sonorités surprenantes. Naviguant de musiques aux accents exotiques à d’autres plus orientales, en passant par les cris de mouettes, les vagues qui s’échouent sur les récifs ou encore le sifflement des trains, Didier qui va même jusqu’à se mêler à l’assistance est à couper le souffle. La représentation s’achève sur un « Dieu bénit tout ceux qui s’aiment »…Un message en adéquation avec l’œuvre entreprise par le projet « Margose, invitation au voyage » pour une mixité pacifique des cultures.

On rigole généreusement de cet humour aussi raffiné et mondain que léger et désopilant. Didier Lockwood est à mourir de rire dans son jeu d’acteur aux mimiques extrapolées, aux petits pas dansés et aux blagues à un sou. Caroline Casadesus est époustouflante dans cette diva qui est aussi décontractée qu’on pourrait la croire « cul pincé ». Et Dimitri Naïditch est fabuleux dans ce costume de pianiste nonchalamment talentueux au fort accent Ukrainien qui affiche un humour so british. Eclats de rires à volo et standing ovation de la part de cette salle comble qui remercie la troupe pour ce spectacle fantasque, original et empli de génie. Les deux heures de représentations sont passées comme une seule, dans une composition résolument sans fausse note. Un spectacle, source de nombreuses images mentales pour une invitation officielle au voyage et au mélange des cultures. Le spectateur ressort enjoué et souriant de cette représentation oscillant entre concert et pièce de théâtre. Une représentation où les mots sont en musique et la musique, devenue jeu comme les mots, se transforme en véritable échange entre acteurs. Tout simplement divin…

Festival Reflets : la compréhension, reflet de la création

2007-04-24T15:43:00.000-07:00

Pour la 6ème année consécutive, Marseille s’apprête à célébrer le festival Reflets du 2 au 6 mai prochain. Avec pour slogan « Des films d’aujourd’hui pour penser demain », cet évènement aux thématiques lesbiennes, gays, bi et trans œuvre pour que chacun et chacune découvre sa place et agisse avec d’autres pour un avenir meilleur. Créée en 2002 par l’association MPPM pour Moving Project / Projets en mouvement, dirigée par Michèle Philibert, cette fête célèbre les genres et la liberté sexuelle de chacun. L’association, elle, fondée en 1998 a pour objectif de contribuer au « développement et à la diffusion de différentes formes d’expressions artistiques et intellectuelles, dans le cadre d’une action culturelle destinée à tout public ». Suivant cette ambition, MPPM a d’ores et déjà signé plusieurs productions et organisé plusieurs projets qui vont de la région Paca jusqu’à l’échelon national. Plus qu’un simple producteur/diffuseur, elle s’intéresse à la formation des publics et aux pratiques éducatives artistiques. Située à la Friche de la Belle de Mai, son action est soutenue par la ville de Marseille, le ministère de la culture et de la communication, la région Paca et le conseil général des Bouches du Rhône.

Pour cette nouvelle escale, Reflets a posé la majorité de ses bagages au cinéma Les Variétés mais élargit cette année ses lieux de résidence. L’édition 2007 offre une programmation enrichie avec quinze films inédits à Marseille, dont deux cartes blanches offertes au festival Mix Brasil de Sao-Paulo et au festival de Marseille. Aux côtés de ces films, seront également présentés onze courts métrages dont ceux de Mix Brasil, James Brighton et d’autres. Des histoires multiples et insolites venues du monde entier seront au rendez-vous pour un dépaysement certain. Comme à l’accoutumée, le festival exposera également ses coups de coeur ; Imagine me and you revisité pour l’occasion et Summer storm. Des séances lycée seront pareillement proposées autour de la thématique de la découverte de soi. Pour mener plus loin encore la réflexion autour des sujets de Reflets, deux documentaires Français suivis d’un débat seront présentés afin de discourir des discriminations, des combats d’hier et d’aujourd’hui. « Hier encore et aujourd’hui toujours ! » Preuve qu’un long chemin est encore à parcourir dans l’acceptation des différences et des choix sexuels de chacun.

Tel le reflet de la société actuelle, le festival cultive sa différence en diversifiant sa programmation hors des salles obscures. Avant et pendant le festival, des soirées musicales et festives, expositions et rencontres-débats seront organisés avec de nombreux partenaires de la ville. Cette année, aux côtés des alliés habituels que sont les 3G, le Trash et La Casa no name, deux nouveaux lieux se sont joints à l’évènement. La multiplication des espaces favorisant ainsi la rencontre de différents publics autour de propositions artistiques audio-visuelles et musicales éclectiques.

Aux antipodes des gays pride affichant l’homosexualité dans une déferlante rose stéréotypée, ce projet artistique et humain conduit à une réflexion et à une ouverture en douceur sur ces sujets encore tabous. Résolument invitation à un voyage en images et en musique, cette manifestation originale et ambitieuse a essentiellement pour vocation de faire évoluer les mentalités. Un festival au programme de qualité à découvrir de toute urgence quelles que soient nos différences et préférences…pour qu’à l’inverse de ce que disait Chamfort, la vie ne soit pas seulement un miroir dans lequel l’homme ne peut voir que le reflet de lui-même.

L'Inattendu de Fabrice Melquiot

2007-04-20T14:19:00.000-07:00

Fabrice Melquiot, trentenaire rêveur et solitaire, comédien de formation s’est rapidement tourné vers l’écriture. Y consacrant aujourd’hui l’exclusivité de son temps, il crée des pièces de théâtre aux accents lyriques qui lui ont valu la reconnaissance de ses pairs et du public. Oscillant entre suivi des répétitions, écriture et voyages comme source d’inspiration, Fabrice Melquiot nourrit ses textes du monde qui l’entoure. Ayant rejoint la Comédie de Reims en 2002, il y créera L’inattendu en collaboration avec Emmanuel Demarcy-Mota, metteur en scène et ami. Jouant ici et ailleurs sur la thématique de l’acceptation de la mort par la prise de conscience de cette décomposition qui nous guette tous, il nous propose des œuvres qui naissent de la société pour mieux s’en élever sans jamais rien laisser au hasard, à l’inattendu... (© photo : Alain Hatat)

Dans une danse d’amour, un homme à la peau basanée dépose sur son lit une femme svelte, vêtue de noir, à la tignasse ondulée aussi sombre que son habit. Sur le plateau, la sobriété est de mise. Quelques doux rayons de lumières et une musique d’une profondeur déchirante, enivrante et saisissante. Une chambre et ses quelques meubles, un lit, une vitrine emplie de bouteilles colorées, une penderie, une table et des voilages. Liane s’éveille dans ce lit si désert ; veuve trop tôt, elle est dévastée et enragée. S’adressant à son homme, elle l’implore de revenir sans se rendre compte de l’absurdité de son plaidoyer. Consciente pourtant « qu’il faut parfois s’éloigner pour mieux se retrouver et se toucher »…
Touchante, assurément elle l’est, allant même jusqu’à dire la souffrance avec le sourire. A la fois femme enfant et femme mûre éperdument amoureuse, elle touche les cordes les plus profondes de l’imaginaire et de la sensibilité de chacun. Retrouvant chaque jour des bouteilles colorées au pied de son lit, comme des bouteilles à la mer, elle assimile cela à des messages envoyés par son mari. Elle décortique ce signe pour lui offrir une signification. Ce sera ainsi : chacune de ces fioles renfermera désormais un souvenir partagé avec ce cher disparu. Alternant soliloque et monologue dirigé vers cet absent, perdue dans cet amour à mort, elle frise à plusieurs reprises la folie. Répétant mainte fois « Je vais me laver les oreilles », « les mains géantes de mon mari », « Je vais effilocher des hamacs », elle témoigne du manque provoqué par l’absence et du laisser-aller que celle-ci entraîne inexorablement. Avec une sensibilité à fleur de peau, elle nous laisse pénétrer dans cet univers où elle tente du mieux qu’elle peut de survivre à la mort de son mari, son « petit chou, son tigre ». « Interdit le bonheur dans ce monde » dit-elle. Son avenir ? L’improbable retour de cet amour, de cet absent. Les années passent, elle se languit toujours plus. Prisonnière de son monde intérieur, elle efface la réalité qui l’entoure, oubliant même que la guerre fait rage au bas de ses fenêtres. « Mon tigre, dis moi que ce n’est qu’un mauvais rêve ». Faisant fi des malheurs du monde, enfermée dans son propre sort, cette Terre lui paraît bien étroite, telle une camisole de force. Son avenir est noir, elle ne souhaite que mourir sans pour autant s’octroyer cette délivrance. « Je radote mon petit chou et sur le radeau, c’est toi qui tiens les rames ». Liane, bien plus qu’un prénom, un véritable « lien » qui, tel une plante vivace, la cadenasse dans cet univers intime et sombre.
Puis un nouveau jour s’élève et ces fioles, symboles d’une vie passée, deviennent l’évidence d’un avenir à construire seule. Tels les lois et les codes, tout y est inscrit. La rencontre avec un certain Jésus, boucher de profession. Dans ces flacons, commence alors une nouvelle vie. Partir devient une évidence. Partir pour trouver les clés de ces menottes qui l’entravent, partir pour ne plus croire à Jésus et pour se rincer l’œil du malheur des autres afin d’oublier le sien... Cinq années s’écoulent, devenue photographe, elle revient de ce tour du monde. Témoin des guerres, des ravages du sida en Afrique et de toute cette misère, lourde est l’éponge de son œil. Bouleversée et grandie par cette prise de conscience, le deuil est fait. Son épopée l’a métamorphosée. « Revenir à soi et reconnaître une autre. Revenir à toi et ne plus te reconnaître ». L’ombre planante de son mari a disparu de cette chambre. Consciente que de cet amour il n’y a plus rien à espérer, elle entre à nouveau dans la vie.
Fabrice Melquiot nous offre ici toute la richesse de son art. Une écriture fluide, poétique, où se côtoient un raffinement de l’expression et un vocabulaire d’une quotidienneté évidente. Le texte, débité avec une subtile énergie, est parsemé de rimes fraîches et innocentes à l’image de l’héroïne. Wilma Lévy joue avec brio ce rôle de Liane, une femme à la fois triste, drôle, touchante et excessivement émotive. Cette pièce permet à chacun de sonder les rapports troubles entre l’autre et soi, entre la personne et le citoyen et tente de faire réfléchir autour de la question : Comment trouver un équilibre entre son individualité, sa relation à autrui et sa conscience civique ?

Reçue par un tonnerre d’applaudissement, la comédienne une fois son habit de scène jeté, émue jusqu’aux larmes, en demeure bouleversante. Le coeur soulevé de manière « inattendue », le public reste rêveur de la prestation de cet archétype féminin totalement anachronique, à la fois Antigone, Pénélope et femme d’aujourd’hui...« Inattendu…un mot pour tenir debout aujourd’hui. Ni souvenir, ni avenir ».

Marseille en fête

2007-04-18T03:05:00.000-07:00

La ville de Marseille organise pour la 12ème année consécutive son festival. Celui-ci s’articulera autour de quarante soirées du 19 juin au 13 juillet et se déroulera dans neuf lieux insolites de la ville. Cet évènement né en 1996, a pour ambition de « favoriser l’éclectisme, l’émergence de nouveaux talents et contribue à la candidature de Marseille au titre de capitale Européenne de la culture » selon Jean-Claude Gaudin, maire de Marseille.
Pluridisciplinaire et originale, la programmation offre des créations de premier choix produites par des professionnels confirmés venus d’horizons divers. Danse, expositions, cinéma, concerts et ateliers variés se rencontreront autour du « je », pronom à la fois singulier et pluriel. Suivant ce thème, le public pourra au fil des représentations creuser sa vie, replonger en enfance, rêver, s’inventer, se métamorphoser. Douce glissade du « je » au jeu ou profond questionnement sur l’explication de soi-même, chacun trouvera sa place dans ce spectacle. Ces manifestations auront lieu tour à tour au parc Henri Fabre, au théâtre de la sucrière, au cercle des nageurs, au théâtre de La Criée, à l’espace muséal Villeneuve-Bargemon, à l’auditorium du Pharo, au studio Kelemenis et au Musée d’art contemporain. Par la diversité de ces espaces, le festival de Marseille sera réellement, comme le souligne Apolline Quintrand – directrice du festival, « un lieu de rencontre, de partage et de découverte ».
Cette année vingt-cinq artistes, inspirés par cette idée du double « je », ont répondu présents à l’appel. Méditatif ou perturbateur, chacun d’entre eux a su avec une incommensurable inventivité recréer son univers. De la navigation chorégraphique en 3D de Seule avec loup à la jouissive complexité du pyromane Max Black, en passant par l’extase de la lenteur proposé dans Waterproof, tout semble en adéquation avec cette citation, véritable axe de réflexion du festival : « Que fais-tu tout le jour ? Je m’invente » (Paul Valéry).
Comme le mentionne Alain Hayot, vice-président du conseil régional – délégué à la culture, « La culture, c’est le coeur d’un projet de société ». En cela, de nombreux partenaires publics ont su se mobiliser pour offrir à cet évènement les moyens nécessaires à sa réalisation. Tout d’abord, la ville de Marseille, les mairies des 15ème et 16ème arrondissements, le conseil régional, le ministère de la culture, la préfecture des Bouches-du-Rhône et Euroméditerranée. A leurs côtés, de nombreux mécènes nationaux dont les principaux sont la Caisse d’épargne avec la Fondation Ecureuil et la Société Marseillaise de crédit mais aussi des mécènes étrangers : l’Institut Néerlandais, l’Ambassade des Pays-bas et le British Council. Cette année, le festival a également acquis quatre nouveaux mécènes venus soutenir certains spectacles: Voyage du monde, Agence Encore nous, Omniciel et Pom.
Ainsi Marseille, chef lieu de la deuxième région culturelle de France, doit être aux yeux de son maire « fraternelle, généreuse et culturelle ». Ville cosmopolite, métropole au patrimoine considérable au carrefour des cultures entre les deux rives de la Méditerranée, en recevant des artistes internationaux Marseille perpétue son identité. Par ce festival aux allures contemporaines, le « je » devenu jeu, multiple et singulier, offre à la cité phocéenne, unique mais plurielle, toute la splendeur de sa diversité. Dans un souci de proximité avec les habitants et dans une volonté d’accès accru à la culture, le festival de Marseille aura lieu dans de nouveaux espaces l’année prochaine, réintégrant ainsi le périmètre Euromed.
La location des places est d’ores et déjà ouverte sur Internet, et à partir du 2 mai sur les lieux de vente et par téléphone. Les billets pourront également être achetés sur le lieu de spectacle une heure avant le début de la représentation.

Une bouffée d’Oxygène au port autonome

2007-04-17T10:56:00.000-07:00

Oxygène d’Yvan Viripaev, mis en scène pas Galin Stoev, était présenté du 11 au 14 Avril par Le Merlan au Port autonome. Un lieu atypique pour un message novateur et inspiré. Accueillis dans une atmosphère feutrée de rose, les spectateurs ont d’emblée bénéficié d’une ambiance de douceur et de volupté. Après un petit verre, Jean-Marc Diebold a gentiment incité le public à rejoindre ses places par un « Dirigez-vous vers la porte pour l’embarquement et bon voyage ». Le ton était donné, nous partions pour un certain périple…Et les voyages forgent la jeunesse…
Sur scène, un Dj, trois comédiens et autant de micros…Mis à nu, avec pour seules lumières quelques spots placés au-dessus des micros, le plateau offre toute sa simplicité d’existence. Tout commence par la narration de Sacha, qui raconte l’histoire d’un ami qui a tué sa femme à coups de pelle. De cette histoire singulière où l’on nous présente les poumons humains comme des danseurs va naître toutes les compositions de la pièce. Dix tableaux à la manière des dix commandements bibliques, ou plutôt dix contre commandements qui s’attellent à dépeindre les crises mondiales de ce XXIème siècle décadent. « Tu ne tueras point », « Tu ne commettras pas l’adultère », « Tu ne jugeras point », « Ne jugez pas et vous ne serez pas jugés »…Autant de commandements pour autant de critiques de la société. Alternant entre monologue, dialogue et échange avec le public, Sacha et Sacha nous livre un impulsif concert de pensées et d’inquiétudes sur ce monde qui ne tourne pas rond. Dans un rythme endiablé, leurs paroles sont offertes au public à la manière du Slam. La musique, comme la danse, viennent s’adapter à la cadence du texte comme pour mieux le soutenir. Leurs propos sont entrecoupés d’un refrain insurgé, loufoque et distinct pour chaque composition : « Ne regarde pas avec convoitise, cela veut dire ne convoite pas dans ton coeur. Celui qui regarde une femme avec opacité ne convoite pas et est cadenassé. Celui qui regarde une femme avec opacité ne cherche pas à la combler mais à se vider », « Un gars qui passe la nuit à se branler sur la photo d’Anna Kournikova, ou à enculer un célèbre présentateur de télé, et qui le jour suivant fait voter des lois pour lutter contre la pornographie ». Des exemples osés, des termes sauvages pour condamner tour à tour la mauvaise foi, la société de consommation, la religion et ses dogmes, les idées préconçues, les évènements du 11 septembre, les guerres, ceux qui en leur nom se permettent de juger pour tous et le sens qui a perdu son sens. Pris par ce rythme trépidant, l’heure de spectacle semble n’être que quelques minutes. La représentation s’achève alors sur une ultime composition intitulée Le casque sur les oreilles, seuls les musiciens entendent la musique…leur propre mélodie, celle qui vient de l’intérieur. Une litanie qui amène à la question du choix de vie : « Où serais-je si je n’étais pas là ? Qui serais-je si… ? » Ouverture du hangar sur le port qui nous livre ses intimes lumières nocturnes, leurs reflets dans l’eau et ce grand silence qui laisse à chacun le temps d’assimiler le message. Cette chronique de deux fruits de l’arbre céleste capturés dans la nudité de leurs ressentis s’achève sur le récit de leur histoire : « Deux Etres humains de la jeunesse actuelle, Sacha et Sacha, qui vivaient paisiblement…mais arriva le XXIème siècle…Ils cherchèrent alors l’oxygène ».

Céline Bolomey, Gilles Collard, Stéphane Oertli et Antoine Oppenheim (Dj) offrent avec talent, le seul élément nécessaire à la vie…celui que l’on trouve dans l’amour : l’oxygène. De ce don, le spectateur repart avec un peu plus de liberté, conscient qu’aucun élément qu’il consommera ne sera aussi fort que celui-ci. Car être conscient de respirer, c’est réaliser que l’on vit et qu’il faut respecter la vie. Dressé contre cette main invisible qui contrarie la liberté, l’Oxygène permet de ne pas suffoquer à cause des injustices qui gouvernent le monde.
Un lieu brut, un langage familier voire grossier pour un message cru, brutal mais tellement juste et justifié. Accueillis sur des bancs d’école pour mieux se mettre au ban de cette société que l’on décrit et décrie ici, le spectateur oscille entre l’intime et le global. Oxygène du préfixe oxy-, du grec ancien oxus : aigre, acide et du suffixe –gène du grec ancien gennan : qui engendre. Semblable au nouveau-né qui crie à sa première bouffée d’air, l’oxygène engendre donc dans la douleur. Tel est le ton de la pièce…Oxygène contribue à une prise de conscience amère du grand désordre mondial tout en ouvrant les portes d’une renaissance vers un monde meilleur. Un univers où chacun chargé de son propre oxygène peut entreprendre librement sa vie en écoutant sa propre voix. Ce théâtre provocateur, vindicatif mais doucement drôle s’adresse à cette génération du XXIème siècle sur « la tête de laquelle, quelque part dans le froid cosmos, vole à une énorme vitesse une gigantesque météorite » (Ivan Viripaev). Une pièce finalement pleine de fraîcheur et d’espoir dans cette société qui à elle seule se sclérose. Un message de paix pour tous et pour soi-même que Le Merlan perpétue en offrant au sortir de la représentation une bouffée d’oxygène en sachet. Comme une trace de ce qui fera, si on le préserve, danser longtemps encore nos poumons…

Premier long métrage pour Bernard Werber...

2007-04-13T03:21:00.000-07:00

Né en 1961 à Toulouse, Bernard Werber écrit sa première nouvelle à l’âge de sept ans. Il commence l’année de son bac la rédaction de l’ouvrage qui deviendra un best-seller mondial, Les fourmis. Se lançant un temps dans le journalisme, il reviendra à son premier amour, l’écriture, dès 1991 en commercialisant Les fourmis. A la croisée de la prospective, de la sociologie, de l’anthropologie et de l’exploration des mythes, il porte un regard novateur et profondément original sur l’homo sapiens du début du XXIème siècle. Après avoir commencé par l’écrit, il persévère avec le théâtre en 2004 pour arriver au cinéma par des courts métrages, puis avec ce premier long métrage produit par Claude Lelouch…Nos amis les Terriens qui débarque dans nos salles obscures le 18 avril.
Après avoir progressivement scruté l’Homme par le regard des fourmis, des anges et des dieux…Nos amis les Terriens, long-métrage à la fois fiction et documentaire, dépeint ici l’Humain au travers des commentaires d’un extraterrestre, auquel Pierre Arditi prête sa voix. La question clé est : Que pourraient bien penser les extraterrestres s’ils nous observaient ? Tout commence dans une pièce obscure, suspendue dans le néant, où est séquestré un couple d’Etres Humains…petit A et petit B. Par l’analyse de ces deux spécimens « Terrienaux », les thématiques abordées sont celles de l’avenir de l’humanité, des rapports dominants / dominés, des codes du jeu social et du poids du regard de l’autre. Sur un ton ironique et un tantinet provocateur, tout ce qui compose notre quotidien est scruté au travers d’un télescope étranger. L’effet miroir déformant est troublant. Enfermés comme des animaux, car telle est la comparaison souhaitée par le réalisateur, ces humains sont rendus à leur propre nature. Les extraterrestres, après observation de leurs agissements envers ceux que l’on nomme les « bêtes », vont agir de la sorte avec ces humains. L’extraterrestre devient l’humain, l’humain devient à son tour l’animal. Leur offrant, au fur et à mesure, des vêtements pour cacher cette nudité qui semble les gêner, une roue pour se divertir tel un hamster, des toilettes car l’humain ne rend pas ses déjections à la nature…. Tel est le ton du film…Autant de constatations qui répondent aux diverses interrogations de ces étrangers venus observer la bizarrerie humaine. Les Terriens sont-ils comestibles ? Sont-ils étanchent ? Sont-ils intelligents ? Comment gèrent-ils leurs déchets ? Des questions plus loufoques les unes que les autres qui, sous leur apparente légèreté, nous poussent à jeter un regard inquisiteur sur notre propre mode de fonctionnement. Nos homologues débarqués d’ailleurs vont peu à peu offrir des congénères aux premiers cobayes…comme lorsque nous offrons à notre animal de compagnie un de ses semblables pour éviter son éventuel ennui. De ce mélange va se créer des tensions, des relations de domination conflictuelles qui aboutiront à la mort de l’un d’entre eux. Coincé dans son rôle, l’humain éprouve les plus grandes peines à modifier son rang, la violence devenant alors un outil. Aux travers de différents traits Terriens, le réalisateur nous montre que l’Homme mord là où il a peur d’être mordu. Les peurs de chacun nourrissant les rapports de force, venant à leur tour compliquer la vie de Terrien. Bernard Werber nous livre une douce critique de l’humain et de ses agissements. Il nous dépeint le portrait d’Etres qui nous ressemblent…Ce film « Ovni », tel que le qualifie le réalisateur, transforme ceux qui le voient. Il entraîne par le choc des images et la véracité criante de celles-ci, vers une introspection à la fois provocante et séduisante…

Rencontre avec celui qui, par ses œuvres, tente de répondre à la question :

Qui sommes-nous ?

Ce film se place dans la continuité du court métrage et de la pièce de théâtre Nos amis les humains. Comment est né ce projet de long métrage ? Claude Lelouch en tant que producteur est-il un choix personnel?

J’ai toujours voulu faire du cinéma, avant même d’écrire des livres. Les fourmis étaient un scénario avant de devenir un livre. Beaucoup de producteurs ont eu peur de ce projet, seul Claude Lelouch a été intéressé et est allé jusqu’au bout. Ce que je fais dans mes livres ressemble beaucoup à du cinéma Américain et coûte donc cher à mettre en scène. Cela rebute les producteurs. Je n’ai donc pas choisi Claude Lelouch, mais c’est un Etre humain génial. En fait, il avait tellement ri devant le court métrage Nos amis les humains, qu’il a souhaité poursuivre l’aventure. Il l’a produit avec ses propres économies. Claude m’a dit : « Comme ça on n’a pas de compte à rendre ». On est donc allé jusqu’au bout.

Ce film dépeint l’homme dans tous ses comportements. Quelle était votre volonté pour ce film ? Quel message souhaitiez-vous transmettre ?

J’ai souhaité dans toutes mes œuvres observer les Hommes différemment. Je recherche un effet miroir avec une perspective. J’ai aussi souhaité montrer que ce que l’on fait aux animaux est malhonnête. Pour moi ce film est une autodérision complète dans laquelle cohabite trois niveaux de langages : ce que l’on voit, la voix off et la musique. Ce film est un tel Ovni, que je ne sais pas si le public sera au rendez-vous. Il est fait pour les curieux et en cela c’est un film fragile qui a pour but de proposer autre chose avec toute la difficulté de proposer autre chose.

Comment s’est déroulé le tournage ?

Il y a eu 3 mois de tournage. Au début nous étions seulement quatre. Au téléobjectif, j’observais les gens dans la rue et puis les autres allaient demander leur autorisation pour être filmés. Pour toutes les scènes de rencontres entre humains, nous étions alors vingt dans l’équipe. Pour les scènes en studio, nous sommes alors devenus un gros village de 200 individus. Un défi à gérer. Ces scènes en studio concernent les effets spéciaux qui représentent ¼ du coût du film.

Les acteurs ne sont pas connus pour la plupart. Comment expliquez-vous ce choix ?

Nous avons effectué un casting avec 400 personnes. Il fallait que les acteurs ressemblent aux gens dans la rue. Puis c’est mon premier film, autant que je fasse connaître autre chose, d’autres personnes. Et je ne vois pas pour quelle raison les extraterrestres devraient en particulier rencontrer des célébrités… (Rire)

Nouvel album pour Dawta Jena & Urban Lions

2007-04-09T17:15:00.000-07:00

Dawta Jena, artiste d’origine Arménienne de 24 ans, écrivant des textes depuis l’âge de 14 ans s’est lancée très tôt dans l’aventure musicale dans la ville où elle a grandi, à Vitrolles. Chantant Brel, Brassens et Barbara dans les premières parties de sa professeur de chant, elle s’est rapidement éprise pour la scène. Aujourd’hui, femme sensible, touchante, inspirée, citoyenne du monde et révoltée, elle nous offre son message de paix. Dawta Jena & Urban Lions, groupe né en 2002 à Marseille de l’amitié entre Jena, Vince, Fab et Alex, nous livre une musique du monde dans laquelle se mêlent harmonieusement reggae roots, jazz et sonorités orientales. Une fusion des genres où les sentiments et le message occupent la première place. A présent accompagnée de ses huit musiciens, Dawta Jena vient de sortir son second opus intitulé Halleluhjah. A l’occasion de ce nouvel album, j'ai souhaité rencontrer cette artiste engagée qui délivre si délicieusement son souffle de tolérance dont l’humanité a bien besoin…

Muriel Tancrez : Le groupe existe depuis 2002, la musique a-t-elle toujours été une évidence pour toi ?

Dawta Jena : Non, la musique n’a pas toujours été une évidence. Je n’ai pas appris la musique mais j’ai grandi dans la musique. Lorsque j’étais dans le ventre de ma mère, elle me passait du Bob Marley. Ce qui compte pour moi, c’est l’expression. A l’âge de 14 ans, j’étais déjà dans l’observation des injustices, et pour moi la musique était la forme la plus universelle pour faire passer mon message, pour toucher le maximum de personnes.

M.T : Lorsque l’on vous écoute jouer, on se dit : « Ce reggae là est différent de ce que l’on a l’habitude d’entendre ». Comment expliques-tu cette différence ? Et comment définis-tu ton style musical ?

D.J : C’est une musique qui a une âme. C’est la seule ligne conductrice. C’est un message de paix, d’unité et de tolérance. Dans l’histoire de l’humanité tu as énormément de peuples, d’ethnies qui ont déjà une âme…Toutes ces influences là ont, dans l’esprit universel dans lequel je vis, un impact sur ce que je réalise. « Musique du monde » est une expression qui me plaît, car c’est la musique du « Monde ». Je ne peux pas me situer dans un style car je ressens des émotions trop variées. Pour le choix de la dominante reggae, là c’est mon goût personnel qui s’exprime. Ma musique est quelque chose de très intuitif. Ce que j’écris est très intime. On ne peut pas vraiment dire que nous sommes dans une mouvance de groupe. Chaque musicien a sa place et s’épanouit à sa place.

M.T : La présence d’un violon dans une musique à dominante reggae est plutôt rare. D’où est née cette idée ?

D.J : Je cherchais un violoniste car quand j’écris ma musique, j’ai déjà tout dans la tête. Si tu veux j’avais un violon dans ma tête (rire). J’ai donc cherché un musicien et Sitraka m’a répondu. Je n’aurais pas pris non plus n’importe quel violoniste. Sitraka est quelqu’un qui humainement a une richesse énorme. Puis, il est d’origine Malgache, venant d’une famille immigrée, on a donc des ressentis assez proches. Sa rencontre m’a d’autant plus poussée à lancer mon album solo, très acoustique où les textes suivent une respiration et ne sont pas esclaves d’une rythmique. Et j’ai aussi créé une autre formation, avec certains de Urban Lions, pour cet album qui se nomme Brillant échec que l’on enregistre actuellement.

M.T : Quel est le but, le message que toi et le groupe souhaitez faire passer ?

D.J : Je regarde l’histoire dans sa globalité et je me dis qu’il y a une harmonie possible. On peut y arriver, ce n’est pas une utopie, et si c’est une utopie...il faut y arriver. Il faut toujours être très utopique, c’est là qu’il y a les plus beaux trésors. Ma devise c’est : « Ne jamais essayer de rentrer chez soi avec les clés du voisin ». Chaque personne a sa propre clé. En étant soi-même, on peut trouver l’harmonie avec les autres.

M.T : Bon nombre de tes textes reprennent les thématiques des grands génocides, une certaine critique de la société et de l’humanité telle qu’elle se comporte. Que voudrais-tu voir changer dans nos modes de vies et dans la société actuelle ?

D.J : En fait, j’aimerais que tous les jours les individus aient conscience d’être vivants. Qu’ils considèrent l’autre comme l’autre et non pas comme un moyen ou un obstacle. Si les personnes sont heureuses, elles seront heureuses d’être sur Terre et ne continueront pas à la détruire. C’est ça que j’aimerais changer…

M.T : Tu te définis sur ton site comme quelqu’un de « rebelle, nerveuse et toujours heureuse ». Mais qui est exactement Dawta Jena ?

D.J : (rire)…Je suis Jena. Mes parents m’ont appelé Julie à la naissance. C’est le prénom qu’ils m’ont donné sans me connaître. Aujourd’hui, je peux dire moi-même qui je suis et je suis Jena. Je pense que je suis à la fois actrice et observatrice…à la fois blanche, à la fois noire. Je suis toutes les contradictions de ce monde. Je suis à la fois stable et déséquilibrée…et je suis quand même pas mal équilibrée finalement (rire). Je fais partie de ce monde mais je suis aussi un peu dans la lune…et c’est ma seule richesse en même temps. Je suis une femme et à la fois un bébé…Je n’ai pas d’entrave. Je suis libre comme un bébé qui a juste besoin de manger, de boire, de voir sa mère, qui aime s’amuser et qui pleure aussi pour des caprices…ou parce que le monde est trop injuste.

M.T : On observe dans tes textes un attachement profond aux origines Arméniennes transmises par ton père. D’où vient cet attachement si fort ? T’es-tu déjà rendue sur la terre de tes ancêtres ?

D.J : Non, je n’y suis jamais allée. Mais ce sera fort le jour où j’irai. Je ne me sens pas appartenir vraiment à un endroit de la Terre et pourtant il y a quelque chose qui m’attire là bas. Pourquoi j’y suis attachée…j’aime les personnes qui m’ont transmis cette culture, tout simplement. Cette culture qui est faite d’une grande liberté au niveau de la foi et du mysticisme, d’être un peu l’esprit et de faire partie d’un esprit, une certaine légèreté face à la vie et un recul face aux Etres humains.

M.T : Ton nom est Jena Nersessian, mais ton nom de scène est Dawta Jena. Que signifie Dawta ?

D.J : Dawta car je suis très influencée par la culture rasta depuis toute petite. Je voulais le mettre en avant sur mon nom de scène, mais je ne voulais pas m’appeler Sista car ça a une connotation trop religieuse. Dawta c’est la fille, et je me sens la fille de Jah, de l’esprit universel et de mère nature. Et puis c’est un titre qui est peu utilisé contrairement à d’autres. Dawta c’est libre…et ça rime (rire).

M.T : Lorsque l’on s’adresse à toi, tu es calme et parles posément. Une fois sur scène, une énergie incroyable se dégage de toi. Pour reprendre les termes de certains spectateurs « tu as l’air en transe » et tu as une aura époustouflante. D’où te vient cette force ?

D.J : J’ai conscience de ça car on me l’a dit. Pour savoir qui je suis, il faut me voir sur scène… Ceux qui sont impressionnés par moi le sont peut être car, contrairement à certains qui s’enferment dans des carcans par peur d’être jugés, moi je suis juste libre d’être ce que je suis. Alors je ne sais pas si c’est tellement honorable, c’est peut être juste qu’il y a certaines personnes qui aimeraient avoir cette liberté. En tout cas, je ne cherche pas à plaire. Mais c’est vrai qu’en société, je me montre plus « clean » (rire)…Sur scène, il n’y a pas de passé, de présent et de futur…Le temps est suspendu…comme les jardins de Babylone.

M.T : Sur ton site, on peut lire que tu es influencée par Gandhi. En quoi exactement ?

D.J : Je suis née dans une famille athée, je n’ai pas eu d’éducation religieuse. En grandissant, je me suis intéressée à ces rassemblements de gens autour de religions. A l’est, j’ai fini par voir Gandhi, un pacifiste. Quand je parle de paix, je pense à Gandhi. Je pense que l’on a pas mal de choses à apprendre de cet homme. Il a dit cette phrase que j’aime beaucoup : « Si la non-violence est l’avenir de l’humanité, le monde appartient aux femmes ».

M.T : La France et Marseille fêtent pendant un an l’Arménie. Que représente pour toi cet évènement ?

D.J : Mon grand-père n’a pas eu le temps de voir la reconnaissance du génocide. Alors je n’ai pas de rancœur, mais l’année de l’Arménie en France…L’Arménie, je la vis au travers de ma propre famille…Et en même temps, je trouve ça bien que l’on montre aux divers émigrés de France qu’on reconnaît leur histoire et que l’on a une pensée pour eux. Il faudrait que le métissage soit constant, que le terme d’égalité existe une fois pour toute.

M.T : Le reggae est un style musical où les voix dominantes sont majoritairement masculines. Est-il difficile pour une femme de s’affirmer et de se faire connaître dans ce registre musical ?

D.J : Je suis une femme et je pense être en même temps toutes les autres femmes qui vivent sur cette Terre. Ces femmes que l’on mutile, que l’on bat à mort, à qui l’on met un voile sur la bouche pour ne pas qu’elles parlent. Je ne suis pas torturée mais je suis consciente que notre monde doit évoluer avec la femme. Tout simplement être une femme et chanter ce style de musique se réduit à peu de choses. Je suis Arménienne mais j’aurais pu être noire…Donc un homme qui va mal me juger parce que je suis une femme, cet homme-là malheureusement je ne peux même pas le considérer car on n’évolue pas sur la même sphère.

M.T : Ton deuxième album Halleluhjah vient de sortir fin mars. Quel est le message principal qu’il transporte ?

D.J : Il ne porte pas de message précis, il est une continuité de la pensée globale lancée par le premier album. Toutes les œuvres à venir sont dans cette continuité, se nourrissent d’émotions multicolores et se nourriront en plus de mes expériences de vie à venir.

M.T : Le premier album, Feelin’ roots, n’avait pas été commercialisé. Vas-tu à présent le commercialiser ? Une date de sortie est-elle prévue ?

D.J : Le premier album sera commercialisé bientôt, tout de même en tant que premier album. Il y a une grande cohérence entre les deux albums. Tout comme dans la logique des plasticiens…pour comprendre le cheminement de ma pensée, il faut reprendre les oeuvres dès le début.

M.T : Comment vois-tu évoluer le groupe à l’avenir ? Un troisième album est-il déjà en projet ?

D.J : Un troisième album avec des rythmes Africains est prévu, Amazone, sur la condition de la femme justement. Comment je vois évoluer le groupe…J’ai confiance en moi et j’espère vraiment par amour et par amitié que les musiciens avec qui je travaille continueront à me suivre. Actuellement, j’aimerais trouver des choristes pour m’accompagner comme des touches de couleur sur certains morceaux. Peut-être que ce seront les musiciens du groupe qui participeront à ça.

M.T : Pour clore cette interview, si tu devais adresser un message à nos lecteurs. Quel serait-il ?

D.J : (réflexion) J’espère que la page qu’ils vont tourner les ramènera à moi…

Retrouvez leur album Halleluhjah (Production : Dawta Jena / Distribution : Mosaïc music) dans toutes les Fnac de France, les Planète Saturn et par commande sur le site du groupe et Virgin.

Venez les découvrir :
- le 21 avril à La machine à coudre à 21h30
- le 26 mai à la faculté Saint-Charles à partir de 22h (concert organisé pour soutenir l’association de solidarité internationale Phenix, gérée par des étudiants de l’IUP environnement, technologie et société ; qui participe à l’amélioration des conditions d’hygiène, de santé, d’éducation et de gestion de l'environnement de populations en difficulté)
- le 23 juin à la Maison pour tous - La grognarde
Retrouvez les autres dates sur http://www.dawta-jena.com/

La création d'entreprise au féminin

2007-04-08T03:28:00.000-07:00

Les 26 et 27 mars derniers se tenait au Parc Chanot la 9ème édition du forum régional de la création d’entreprise. Cette manifestation organisée par l’association Génération entreprendre rassemblait 100 exposants et 5 villages de stands regroupant les acteurs de l’aide à la création. Pour la première fois cette année, le forum a décerné aux côtés de ses prix habituels le prix coup de coeur de la création et de la reprise au féminin. Face au fossé subsistant encore entre hommes et femmes à des postes de direction, en particulier dans l’univers de la culture, quel est le positionnement de la région en matière d’aide à la création ?

Interview de Michèle Tregan, conseillère déléguée à l’emploi à la région et présidente de la commission d’appel d’offres

Muriel Tancrez : La création d’entreprise est un axe majeur des politiques économiques régionales. Qu’en est-il en région Provence-Alpes-Côte d’Azur ? Quels sont concrètement les types d’aides apportés ?

Michèle Tregan : La création d’entreprise est en effet une priorité en PACA dans le cadre d’une économie sociale et solidaire, et dans celui de la politique de l’emploi car elle permet de sortir du chômage. Toute création d’entreprise est louable et appuyée à condition d’être pérenne et de ne pas créer plus de précarité par la suite. Et en cela, la région offre un accompagnement financier, psychologique, marketing et managérial. Pour ce faire, nous proposons des aides directes sous forme de prêts à la création et de prêts à la transmission pour assurer la filiation des entreprises. A leurs côtés, nous finançons d’autres aides indirectes pour lesquelles des opérateurs sont choisis afin d’accompagner les porteurs de projets. La Région délègue également cette activité par le biais des bassins d’emploi, des chambres de métiers et des relations de proximité. Elle finance certaines structures de créance pour pallier le manque de prise de risque des banques en matière d’accompagnement à la création. Aux côtés des banques, de nombreux organismes soutiennent la création notamment les 22 plateformes d’initiative locale présentes en PACA par l’intermédiaire d’un prêt d’honneur. Prêt pour lequel il n’y a ni intérêt, ni la nécessité de garanties personnelles. L’ADI, entreprise spécialiste en gestion alternative s’adresse, quant à elle, à ceux qui n’ont pas accès aux prêts d’honneur. Le CPEM (Centre de promotion de l’emploi par la micro-entreprise) accompagne, quant à lui, dans toutes les démarches de création d’entreprise et aide à l’obtention des financements nécessaires à la réalisation d’un projet. Nous mettons également en place des dispositifs de capital risque pour les entreprises à potentiel. Le conseil régional finance aussi les couveuses qui permettent de tester au préalable l’activité. Ces agencements peuvent d’ailleurs être utiles dans la création d’entreprise culturelle, afin d’offrir un accompagnement et de tester le potentiel de développement. Ce sont l’ensemble de ces formes d’aides qui s’inscrivent dans l’économie sociale et solidaire de la région.

Muriel Tancrez : Les chiffres sont éloquents, 70% des chefs d’entreprises sont des hommes contre 30% de femmes. Face à ce constat, quel est le positionnement de la région en matière de création d’entreprise au féminin ?

Michèle Tregan : La place de la femme est très importante pour la région, c’est un combat général. Nous menons une véritable lutte contre la discrimination homme/femme au sein des entreprises. L’exemple est d’ailleurs montré au sein du conseil régional puisque nous appliquons la parité totale. Les principaux freins auxquels sont confrontés les femmes sont culturels, liés au problème des enfants mais aussi au manque de confiance des créanciers dans la gente féminine. La région s’interroge sur comment lever les freins de la création d’entreprise par les femmes. Et pour ce faire, nous avons la volonté de mener une véritable réflexion de fond sur cette thématique en collaboration avec tous les acteurs sociaux et économiques. Je pense que les femmes doivent aller dans le tronc commun de la création. Une femme n’est pas différente d’un homme en matière de création. Je pense que la place des femmes dans l’entreprise est très liée finalement à celle qu’elles occupent dans la société, et en cela elle est un indicateur du développement d’un pays. En France, depuis 30 ans des organismes spécialisés dans l’information des droits des femmes les aident à mener à bien leurs projets. Le Centre d’orientation, de documentation et d’information des femmes (CODIF) accompagne les femmes d’un point de vue juridique, tandis que le centre national d’information sur les droits des femmes et des familles (CNIDFF) contribue à une prise en compte des problématiques exprimées par les femmes et à un accompagnement dans le cadre du fonds social Européen.

Muriel Tancrez : Cette année pour la première fois a été remis le prix coup de coeur de la création d’entreprise et de la reprise au féminin lors du forum régional de la création d’entreprise. Pourquoi ce nouveau prix cette année ? Quels autres événements sont organisés pour susciter la création au féminin ?

Michèle Tregan : Le prix coup de coeur de la création d’entreprise et de la reprise au féminin a été crée après le constat de ne voir que très peu de femmes dans la création d’entreprise. Nous espérons que ce nouveau prix attirera de nouvelles prétendantes. Aux côtés de cette récompense, le projet Européen « Entreprendre à part égale à Marseille » porté par le fonds social Européen vient apporter des solutions adaptées aux démarches entreprenariales des femmes. Cette action a pour but de permettre davantage de pérennité et d’efficacité aux entreprises touchées par la discrimination hommes/femmes par le biais d’opérations de repérage, d’essaimage social et de sensibilisation. A l’échelle de la ville, la mission locale de Marseille apporte elle aussi un soutien aux femmes.

Muriel Tancrez : Le secteur culturel est particulièrement touché par la discrimination homme/femme aux postes de direction. Quelle est la place de la culture dans la politique d’aide à la création lancée par la région ?

Michèle Tregan : La culture est un secteur économique important et qui de plus possède une âme. Elle demande un grand professionnalisme et en cela c’est un secteur très difficile et précaire. Mais elle permet la continuité du lien social et crée néanmoins de l’emploi. Lorsque l’on parle d’économie culturelle, c’est aussi d’économie au sens large que nous parlons. Ainsi, en tant que secteur de l’économie régionale, le conseil régional est prêt à soutenir toute initiative, en partenariat également avec l’appui apporté aux pépinières et aux incubateurs locaux.

L’Ignorant et le fou

2007-04-07T08:23:00.000-07:00

A présent en stage dans une revue culturelle, spécialisée dans le théâtre, vous retrouverez ici quelques unes de mes critiques...

L’Ignorant et le fou présenté du 29 mars au 13 avril 2007 au Petit théâtre de La Criée. D’après le texte de Thomas Bernhard, mise en scène de Célie Pauthe. Durée : 2h / Public : adulte / Genre : Théâtre contemporain, musique.

Dans une loge de théâtre, alors qu’une représentation de La flûte enchantée doit commencer, on attend encore la cantatrice qui doit chanter La reine de la nuit pour la 222ème fois. Le père, un vieillard à moitié aveugle et blasé qui retransmet son idéal de réussite dans sa fille, trompe l’angoisse et l’ennui en s’enivrant d’alcool et du discours obsessionnel d’un médecin…malade bien malgré lui. Les deux comparses laissés à leur solitude au sein de cette petite loge, se laissent aller à leurs travers. Le médecin tentant de comprendre l’état psychique de la diva qui, depuis quelques temps, aurait changé en décortiquant d’une précision effroyable les entrailles du corps humain. Il déambule frénétiquement, allant même jusqu’à déchirer dans un élan discursif sa chemise. Le père, lui, écoute entre deux gorgées ce discours insensé en répétant dans une sorte d’écho des parcelles de phrases de ce bien étrange docteur. Comme à son habitude, la diva arrive enfin bien qu’en retard. Grandiloquente et caractérielle, si suffisante mais si impuissante, elle assène son père de reproches. Tentant dans une succession de gestes mêlés à des spasmes nerveux de se maquiller et d’échauffer sa voix, elle semble fatiguée de jouer sa vie. Le médecin, lui, continue son pseudo monologue, alternant entre réflexion sur le désarroi apparent de la diva et discours obsessionnel décrivant une autopsie médico-légale. Arrive le tour de chant de la diva, les deux hommes sont laissés à leur solitude dans cette loge qui s’obscurcie peu à peu. Le médecin est au sol, étendu de tout son long, perdu dans les méandres de sa folie. Le père, lui, est lentement transporté dans une certaine torpeur angoissante. Jetée de rideau, l’obscurité a envahi le plateau et la salle, à l’exception du père qui, pris de spasmes, sombres dans ses propres ténèbres. Les dernières paroles entendues par le public sont répétées et projetées dans un écho lointain et psychédélique qui nous transporte à la limite de la raison et de l’angoisse. Changement de décor. Attablés, les trois comédiens partagent un repas qui lentement dégénère sur les préoccupations nébuleuses de chacun. La vaisselle faisant les frais de leurs états d’âmes. Le désarroi devient plus fort encore. La fille décide de ne plus jouer à la diva, le père se terre tantôt dans son silence et le docteur, théorisant et moralisant, se lance dans une réflexion sur le succès et le choix de vie…« il n’y a rien de plus fatiguant que d’être une sommité ». Ne se rendant même pas compte que la diva est atteinte de la tuberculose, il se lance dans des démonstrations des plus provocatrices. La fille perd toujours plus de sang et se réfugie dans les bras de son père. Le noir retombe sur le plateau, laissant chacun dans ses ténèbres. Seul le visage du docteur reste éclairé, stigmatisant certainement celui qui est l’icône de la folie ambiante. La pièce se clôture par un « l’épuisement, rien que l’épuisement » lancé par la diva mourante, qui serre contre elle ce père qu’elle a tant maltraité.

La scénographie :
La pièce débute sur une scène fort réduite où les comédiens ne sont pas à plus de deux mètres des premiers spectateurs. Le choix est fait ici, d’offrir une réelle proximité comédien/public. La loge est composée d’un grand miroir au-dessous duquel sont installés les éléments indispensables à la préparation de la diva. Seules deux chaises et un tabouret occupent en plus cette pièce. Les murs, d’un noir mat, font songés par leurs moulures à l’antre d’un opéra somptueux. Au changement d’acte, le décor se module allégrement dans une symphonie bien maîtrisée faisant apparaître les rouages d’une logistique bien étudiée. Apparaît alors une salle à manger où une table et ses convives occupent le côté cour de la scène, tandis que le côté jardin est habité par Winter, le domestique, sagement assis sur sa chaise. Une scénographie soignée et adaptée qui s’adapte correctement au ton et au thème de la pièce.

La lumière et la musique :
La musique est fort bien utilisée et vient jouer ici le rôle de pause, de souffle dans la folie ambiante. Elle donne aussi du réalisme à cette pièce dans laquelle chante une diva. La lumière, quant à elle, donne une force aux sentiments évoqués tout au long de l’œuvre. Le jeu de clair/obscur, minimaliste mais utilisé à bon escient, renforce l’impact des ressentis et donne à la thématique une profondeur angoissante.

Les comédiens :
Daniel Affolter dans le rôle de Winter et Karen Rencurel dans le rôle de Vargo, la costumière, sont justes et dans le ton. Fred Ulysse, en vieillard alcoolique et aveugle, est criant de vérité dans un rôle pourtant pas facile. Pierre Baux, le docteur et Violaine Schwartz, la diva interprètent avec brio leur propre folie dans les traits caractériels, parfois démesurés et outranciers, que la mise en scène leur a prêté. Dans des gestes emplis de tension physique, de crispation et dans leur phrasé saccadé, leur mal-être transparaît plus qu’outrageusement.

Avis général :
Un spectacle explorant avec brio les thématiques de la banalité de l’existence, de la torture de l’intelligence où l’intransigeance de l’esprit apparaît comme un processus mortel. Mais aussi une réflexion sur la fuite, sur la distraction de l’existence par l’existence contre la réalité de la condition humaine, contre l’angoisse de la maladie et de la mort. Thomas Bernhard par le thème de la dissection d’un cadavre nous amène à l’introspection des âmes par la fouille des corps…« Le désir de la mort d’où la peur de la fin ». Un théâtre de sublimation où se débattent des Etres qui par le dépassement de soi tentent d’être. Une œuvre qui pousse par la provocation à la réflexion, voire à l’introspection. Une provocation parfois abusive et injustifiée mais que le jeu d’acteur et le texte font néanmoins oublier. Un zest d’absurde et de dérision pimentent pour finir cette œuvre où l’on rit jaune de ce portrait acerbe de la condition humaine.

Ecoute le monde!!!

2007-03-30T10:45:00.000-07:00

Jeudi soir débutait aux Docks des suds, le festival "Babel Med music" qui regroupe différents ensembles de musiciens venus du monde entier. Plus qu'un festival de musique, cet événement se propose de mener une réflexion autour de la thématique des musiques du monde et de l'aide à la création artistique. Cette première soirée, nous a offert de belles surprises musicales et un voyage multiculturel envoûtant...Tout d'abord, le mélange osé des sons sacrés du désert à ceux de la musique électronique avec Electrodunes. Un résultat étonnament harmonieux et entrainant où les rythmes traditionnels Africains se mêlent aux mix électro...pour le plus grand bonheur d'une foule prise et éprise de ce tempo novateur! Une fois sortis de cette transe, nous entrons dans l'antre du "cabaret" des Docks des Sud où nous attendent, dans une douce lumière orangée, les trois musiciens de renom du groupe 3MA! Ces trois artistes venus du Maroc, du Mali et de Madagascar nous offre leurs accords voluptieux dans une ambiance mi-fête de medina, mi-prince des mille et une nuits...Un trio de coeur où se lit sur leurs visages le plaisir d'être présent ici, de nous offrir leur musique et une incroyable joie de jouer ensemble! De ces mimiques où l'homme s'oublie car il vit...car au plus profond de lui, il vibre!!! Passée d'un état de transe à un état de rêverie, perdue sur un châmeau auprès des touaregs en plein désert...mon imagination erre hors du temps, hors de l'espace...Mais le compte à rebour infligé aux artistes ramène toute l'assemblée à la réalité. Je descend de mon châmeau et nous nous estirpons de cette salle pour rejoindre la voix suave et chaude de Natalie Natiembe...Cette artiste bourrée d'énergie nous sert, dans un rythme endiablé, sa poésie Créole aux accents métissés! La foule est à nouveau prise d'un déhanché innopiné et incontrolable...Ce petit bout de femme qui ne cesse de sourire et rire a su réchauffer nos coeurs et nous offrir par sa musique un peu de son dynamisme! Toujours en quête de nouvelles sonorités...nous continuons notre périple avec le quatuor Ay!! Amor...Un mélange de chant et de volutes musicales qui, perdues entre Moyen-Orient et Europe méditerranéenne, nous présente l'amour au-delà des frontières...L'Amour qui oublie les montagnes habituellement dressées devant lui, l'amour de l'humanité toute entière tout simplement! Sortis de ce bain d'amour, nous nous dirigeons vers ce qui sera notre dernière escale de la soirée...le groupe Imghrane. Un ensemble Berbère (ah! Mes origines...) qui par leur musique inspirée de la culture amazigh, m'entraine sur la terre de mes ancêtres à Tisi Ousou, où je retrouve mon châmeau...Un peu fatigués par le voyage, nous nous éclipsons de ce lieu magique pour rejoindre tranquillement morphée qui, le temps d'une nuit, m'a permis de rêver d'un ailleurs où les cultures se mêlangent pour reformer l'Humanité...

Petit clin d'oeil à Baudrillard...

2007-03-30T05:51:00.000-07:00

En guise de complément à mon message d'hier...une petite citation de Baudrillard qui m'a interpellée à la lecture de l'article paru en son hommage au sein du quotidien Libération.

" Créer une image, ça consiste à ôter à l'objet toutes ses dimensions une à une : le poids, le relief, le parfum, la profondeur, le temps, la continuité et bien sûr le sens. C'est au prix de cette désincarnation, de cet exorcisme, que l'image gagne ce plus de fascination, d'intensité".

Voici une approche de l'image tout à fait réaliste et adaptée, selon moi, à ce que la société de l'information et du tout communiquant nous offre...Cet "exorcisme" du réel et de la matèrialité confère, d'un côté, à l'image une profondeur de sens beaucoup plus riche...et en cela l'image est fascinante! De l'autre, cette désincarnation dénature et déshumanise parfois le réel...et l'on retrouve cela dans l'image informative et la photographie d'actualité. C'est le côté pervers de l'image. Celui qui nous ferait presque oublier que derrière ces images de guerre, ce sont des humains qui souffrent et non des personnages de film...Celui qui, par l'intensité de l'image, nous font parfois tomber dans le voyeurisme...L'image est bel et bien fascinante et porte en son sein sa propre ambivalence...l'ouverture vers un imaginaire (meilleur?) et l'oubli d'une réalité à ne pourtant pas négliger!

A y regarder de plus près...

2007-03-29T04:02:00.000-07:00

Juste une petite carte de Marseille, tout droit venue du magazine de la CAF des Bouches-du-Rhône (ma lecture favorite!).
-"Mais pourquoi met-elle cette carte sur son blog?" vous demandez-vous certainement...
Tout bonnement car après un premier coup d'oeil furtif, cette carte a finalement attiré mon attention! Car à y regarder de plus près, une carte bien insignifiante peut revêtir un tout autre sens...Elle devient ici le stigmate du niveau de vie dans chaque arrondissement et de cette ghettoisation qui a fait débat il n'y a pas si longtemps. Vous voyez? Pas de relais CAF dans le 9ème...et jusqu'à quatre dans le 15ème!!!
- Oui logique, et alors? me direz-vous...
Tout simplement pour vous montrer que la CAF est cohérente dans son implantation sur le territoire (non...ça c'est une blague!), mais plutôt pour vous montrer que derrière une image, une carte, une phrase aussi insignifiante soit-elle au premier abord, se cache bien souvent un élément bien plus important ou parfois même fascinant...Sans parler de fascination pour l'exemple choisi ici (lol), je trouve cette double lecture intéressante et potentiellement source de découverte et d'apprentissage... Alors ouvrons les yeux!

Mangattitude...

2007-03-28T05:32:00.000-07:00

Salut à tous les J-Infocom (et aux autres qui vont se demander de quelle planète débarque cette photo...)! Voici une petite surprise que je me suis amusée à vous concocter en cette fin de première année au sein de notre fabuleuse école de journalisme. Ainsi, puisque nous avons bien cru parfois (pour la plupart d'entre nous) s'être perdus dans une autre dimension ou dans un ouvrage surréaliste à l'écoute de certains profs...dont je m'abstiens ici de citer les noms! Et devant l'observation de certaines aberrations de fonctionnement......Réaliser aujourd'hui un trombinoscope de nos ptites têtes en version "manga" me paraissait tout à fait d'actualité! Voici donc le résultat que je trouve, ma foi, plutôt sympathique à conserver...en guise de souvenir! Je remercie au passage Fabrice, sans qui cette oeuvre d'art (!) n'aurait pu être réalisée, puisqu'il a lui-même trouvé ce site de morphing. Je vous offre au passage le lien : http://morph.cs.st-andrews.ac.uk//Transformer/ qui pourrait, le cas échéant, vous permettre de faire des portraits de familles ou de pots plutôt atypiques! Allez, bon stage à tous et pour ceux que je ne reverrai pas de si tôt......à septembre, pour notre retour dans l'antre de la seule école de journalisme, qui faute d'apprendre à mieux écrire...apprend à se contenter du peu et de l'approximatif...peut-être pour mieux avancer par soi-même!

Vers une pensée unique au sein des programmes politiques?

2007-03-17T17:17:00.000-07:00

Nous assistons depuis quelques temps au déploiement des programmes de chaque prétendant à la présidence de la France...mais aussi à l'apparition d'un troublant consensus dont les médias se font l'écho. Il semblerait en effet que la majorité des candidats se retrouvent autour de certaines problématiques politiques auxquelles ils proposent, à quelques mots près, les mêmes solutions. Ainsi, la pensée des candidats dominants peut se résumer, entre autres, autour de :
- La France est trop endettée, il faut reduire le déficit des finances publiques.
- Il faut augmenter les crédits pour la recherche et l'enseignement supérieur.
- Il est nécessaire de mettre en place une "sécurité sociale professionnelle".

Faut-il donc s'inquiéter de l'émergence d'une nouvelle pensée unique? Doit-on voir ici la disparition des clivages entre partis?

Je pense que ces ressemblances troublantes, bien qu'elles soient particulièrement marquées pour ces élections, ne sont que le reflet du fonctionnement des partis. Ceux-ci s'informent en effet, pour ce qui relève des questions économiques et sociales, à partir des mêmes rapports produits par les mêmes organismes spécialisés. C'est ce fonctionnement académique qui influence cette proximité de thèmes. Fort heureusement...les clivages essentiels demeurent sur des domaines tels que la fiscalité, l'ISF ou encore les 35h. Et à y regarder de plus près...le détail des mesures proposées diffère bel et bien. Preuve qu'en matière de politique, les apparences peuvent être trompeuses...